Teatro

Redacción

• Andrés Carreño dirige la obra clásica de Calderón de la Barca, transformándola en una farsa cómica que cuestiona la realidad social. Se trata de la producción 29 de este proyecto itinerante de Teatro UNAM

• El elenco está conformado por David Barrera Bautista, Tamara G. Cano, Rosa Luna, Paulina Márquez, Marlon Perzabal y René Segreste; el diseño de escenografía y vestuario es de Mauricio Ascencio y la composición musical y diseño sonoro de Julio Gándara

● Tendrá funciones gratuitas a partir del 5 de abril, los sábados y domingos a las 11 horas en la Explanada de la

Fuente del Centro Cultural Universitario; posteriormente recorrerá escuelas y plazas públicas de otros estados

La producción número 29 del Carro de Comedias de la UNAM está lista para emprender su nuevo recorrido con El

gran teatro del mundo, de Pedro Calderón de la Barca, bajo la dirección de Andrés Carreño. En esta ocasión, Teatro UNAM presenta una adaptación de un clásico en lengua hispana que busca resonar con el público contemporáneo mediante su humor, lenguaje, canciones y una observación crítica de nuestra realidad social. El estreno será el sábado 5 de abril a las 11:00 horas en la Explanada de la Fuente del Centro Cultural Universitario (CCU), en donde se presentará, de manera gratuita, sábados y domingos hasta el 29 de junio y retomará funciones en el segundo semestre del año.

“Esta obra plantea, esencialmente, la pregunta sobre qué es la vida: ¿Existe un destino predeterminado o nuestras decisiones moldean nuestra realidad? ¿Es una combinación de ambas? También se cuestiona si hay una fuerza cósmica o divina que nos guía, o si, por el contrario, son las estructuras sociales, políticas y económicas las que determinan nuestras actitudes. Es una reflexión sobre quiénes somos: ¿Son solo nuestras acciones las que nos definen, o también nuestro entorno? ¿O tal vez existe algo más allá que dicta nuestra existencia?”, comenta Andrés

Carreño.

El director, quien fue seleccionado por el Consejo Asesor de Teatro UNAM, describe este proyecto como un desafío importante. Adaptar un texto clásico como un auto sacramental desde una mirada no religiosa y condensar un texto extenso repleto de poesía en un montaje de setenta minutos para el Carro de Comedias ha sido un proceso complejo.

“En esta adaptación planteo un cuestionamiento social: ¿Quién decide quién es pobre y quién es rico? ¿Qué ocurre con la movilidad social en este país y en el mundo? Se nos dice que somos pobres porque queremos, que si nos esforzamos saldremos adelante, pero esta obra muestra que puede que sí, o puede que no. Hay un autor, como una estructura social y política, que nos coloca en ciertos lugares y salir de ahí es complicado. Pero todo esto lo abordo desde una farsa cómica”, explica Carreño.

Un proyecto itinerante de acceso gratuito

El Carro de Comedias de la UNAM es un proyecto profesional de teatro itinerante que utiliza un remolque que el elenco convierte en escenario. Para El gran teatro del mundo se contó con la colaboración de Mauricio Ascencio en el diseño de escenografía y vestuario; Julio Gándara en la composición musical y diseño sonoro; Allan Flores como asistente de dirección y Dianhe MH como asistente de diseño en escenografía.

“Con Mauricio Ascencio he trabajado durante más de 16 años, tenemos un entendimiento sólido. La escenografía es sencilla y contemporánea, adaptada a las necesidades de un espectáculo itinerante. No hay dispositivos escénicos complejos; se utilizan dos juegos de escaleras movibles y un círculo con telones que nos permiten cambiar de lugares. Jugamos con la convención teatral donde un simple telón cambia el espacio, el resto depende del trabajo actoral”, detalla Carreño.

En cuanto al vestuario, Andrés Carreño explica que al inicio de la obra, actrices y actores utilizan overoles que simbolizan pertenecer a una misma compañía y reflejan igualdad al participar en este juego de la vida. A medida que la historia avanza, pequeñas modificaciones en su atuendo les permiten construir un personaje específico.

Finalmente, regresan a sus overoles, reforzando la idea de que son actores involucrados en un proceso teatral que, a su vez, es una metáfora de la vida.

El elenco de El gran teatro del mundo está conformado por David Barrera Bautista, Tamara G. Cano, Rosa Luna,

Paulina Márquez, Marlon Perzabal y René Segreste, quienes fueron seleccionados tras una convocatoria en 2024 a la que se postularon 88 jóvenes. De ellos, 26 actrices y actores fueron preseleccionados para participar en un taller-audición impartido por Andrés Carreño, quien evaluó actuación, expresión corporal, voz, improvisación, habilidades musicales y trabajo en equipo antes de realizar la selección final.

“Rosa y David son del Estado de México, Tamara de Morelos, Paulina de Baja California Sur, Marlon de Puebla y René de la Ciudad de México; todxs estudiaron en escuelas profesionales. Son personas responsables y comprometidas; el trabajo en el Carro de Comedias requiere mucha energía, disciplina y amor al teatro”, afirma el director.

Otro de los retos que enfrenta Andrés Carreño al dirigir el Carro de Comedias es que las actrices y actores participantes son recién egresados, por lo que se trata también de un proceso educativo-pedagógico y al mismo tiempo de dirección: “Mis objetivos son que les pueda dotar de herramientas que les ayuden en su vida profesional y que sea un proceso de gozo para todxs. Tienen la posibilidad que pocas personas tenemos actualmente y es dar funciones durante un año”, destaca.

Además de las funciones habituales en el Centro Cultural Universitario, el Carro de Comedias se presentará en diversas comunidades, escuelas y plazas públicas a lo largo del país, lo que implica un desafío adicional para el director al preparar al elenco para adaptar la puesta en escena a distintos contextos y públicos. Este proceso requiere de flexibilidad y creatividad, ya que no es lo mismo presentarse en un entorno universitario que en una plaza pública o en comunidades alejadas, donde las dinámicas y necesidades del público pueden variar significativamente.

“Hacer teatro en la calle sin recurrir a elementos electrónicos ni iluminación artificial es parte esencial de este proyecto. El Carro de Comedias ofrece la oportunidad de llegar a lugares y personas que no suelen tener acceso al teatro. Por eso, uno de los grandes desafíos es crear un espectáculo que, al menos durante una hora, mantenga a la audiencia atenta, que la divierta, que le resuene con lo que sucede y la haga cuestionarse. Creo que un teatro que no dialoga con la realidad de la sociedad o con las personas es un teatro muerto”, concluye Andrés.

El gran teatro del mundo es la producción número 29 del Carro de Comedias, proyecto que, en concordancia con los objetivos de Teatro UNAM, se consolida como una plataforma esencial para la profesionalización de personas egresadas de las escuelas profesionales de teatro, ofreciendo un espacio de práctica escénica que enriquece su formación. Al acercar al público a autores clásicos mediante puestas en escena innovadoras, contribuye a la preservación y difusión del patrimonio cultural, al tiempo que fomenta el pensamiento crítico y la reflexión sobre temas universales que siguen vigentes en la sociedad. También se alinea con la misión de promover estrategias inclusivas que acerquen el teatro a audiencias diversas en comunidades que no tienen acceso frecuente a éste.

Del mismo modo, contribuye al fortalecimiento de los vínculos interinstitucionales al llevar el teatro a distintos espacios académicos y culturales de la UNAM. Este mes, realizará presentaciones en la Facultad de Medicina Veterinaria y Zootecnia, la FES Cuautitlán, así como en el CCH Oriente y el CCH Sur, acercando el arte escénico a comunidades estudiantiles diversas. Además, participará en la Fiesta del Libro y la Rosa 2025, con tres funciones el 25, 26 y 27 de abril.

El gran teatro del mundo se presentará del 5 de abril al 29 de junio con funciones los sábados y domingos a las 11 horas en la Explanada de la Fuente, ubicada en Insurgentes Sur 3000, CCU; y continuará con funciones en el segundo semestre del año. Al ser un proyecto itinerante, los días de función podrían cambiar debido a presentaciones en gira, por lo que se recomienda consultar la página www.teatrounam.com.mx y las redes sociales de @TeatroUNAM para obtener información actualizada. La entrada es libre y está recomendada para mayores de 12 años.

Redacción

Puesta en escena satírica y existencial, de Musa Colibrí Producción, en la que la actriz Lourdes Echevarría da voz a tres mujeres al borde del colapso

Escrita por Verónica Musalem, la obra estará en temporada del 1 de abril al 7 de mayo de 2025. Preventa del 30% hasta el 31 de marzo

Después de las pandemias, viene el renacimiento. Piénsalo, así ha sido siempre

Lourdes Echevarría interpreta a tres mujeres en aislamiento que acarician sus miedos para reconciliarse con aquellas partes de sí mismas que no les gustan en ¿Acaso amanece?, el unipersonal de Verónica Musalem que, bajo su dirección y la de Cardo Vela, tendrá temporada del 1 de abril al 7 de mayo en el Foro La Gruta.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico y Musa Colibrí Producción, presentan este monólogo apocalíptico sobre la soledad que visita a tres féminas en París, Ciudad de México y Tokio durante la pandemia de 2020 y cómo el confinamiento las obliga a mirarse internamente, mientras afuera reina el caos, llevándolas a cuestionarse incluso en los aspectos más fundamentales de su vida.

En un tiempo sin tiempo, en un espacio sin espacio, a través de la obra, Musalem entreteje un lienzo de sensaciones y reflexiones que son el fuego que ilumina los sueños y proyecciones de una madre joven, de una adicta al sexo y de una sabelotodo autodidacta; enfrentando vicisitudes que reconfiguran la identidad de las protagonistas desde la fuerza interior.

Para Musalem, la escritura es un acto de fe y un soplo vital, el sello de su escritura es plantear una poética que teja el realismo con alguna realidad actual, es desde ahí—justo después de una pandemia—, donde surgió ¿Acaso amanece? Como un renacimiento y exploración en los estándares femeninos más allá de las fronteras geográficas, para que el teatro una vez más, muestre respuestas a través del quehacer escénico.

La obra ha recorrido otros estados como el Teatro Landó en Toluca, Estado de México, el NeuroForo en Apan, Hidalgo, y el Centro Cultural El Hormiguero, como parte del Circuito Nacional de Artes Escénicas en Espacios Independientes Chapultepec 2024. Asimismo, el Festival Cultura UNAM y el Teatro La Capilla.

El equipo creativo de este montaje está integrado por Verónica Musalem en la dramaturgia y en la codirección con Cardo Vela, quien también diseñó la iluminación; Lourdes Echevarría en la interpretación; Marco Vargas en la intervención escénica; Alberto Santiago en el diseño sonoro; Anaid Guerra en la producción ejecutiva; Ángel Conto en la prensa y difusión; Pili Pala en la fotografía, y Dany Mont en el diseño de cartel.

¿Acaso amanece? se presentará del 1 de abril al 7 de mayo de 2025, los martes y miércoles a las 20:00 horas en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $259; con preventa 30% de descuento hasta el 31 de marzo. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: wwwhelenico.gob.mx.

Redacción

• Se presenta el viernes 18 de abril a las 20:00 horas, el sábado 19 con dos presentaciones a las 17:00 y 20:00 horas, y el domingo 20 a las 18:00 horas

• Los boletos están disponibles en preventa a un precio de 350 pesos hasta el 16 de abril

El Foro Shakespeare, ubicado en el corazón de la colonia Condesa, prepara su escenario para recibir la obra Situación Sentimental, una ácida pero divertida reflexión sobre cómo las redes sociales pueden alterar la vida de las personas. La producción, que se presentará del 18 al 20 de abril de 2025 bajo la dirección y dramaturgia de Octavio May, explora los límites entre lo privado y lo público en la era digital a través de una comedia de enredos que promete hacer reír al público mientras lo hace cuestionarse su propia relación con las plataformas sociales.

La trama gira alrededor de Amelia y Víctor, un matrimonio joven que, tras una noche de celebración y copas de más, decide hacer una broma publicando en Facebook que se han divorciado. Lo que comienza como un chiste privado rápidamente se convierte en un caos cuando familiares y amigos, creyendo la falsa noticia, comienzan a inmiscuirse en sus vidas con consejos no solicitados, citas a ciegas y terapias emocionales improvisadas. La situación se complica aún más con la aparición de Paty, una amiga odiosa de Amelia que aprovecha el momento para sembrar más cizaña. La obra navega entre situaciones absurdas y momentos incómodos, mostrando cómo un simple post puede desencadenar una serie de eventos que nadie había previsto.

El proyecto nació de una anécdota real durante un desayuno familiar, donde se discutió cómo un simple estado falso en redes sociales podría alterar la percepción de los demás. Octavio May, director y dramaturgo de la obra, explica que Situación Sentimental busca cuestionar hasta qué punto permitimos que las plataformas digitales influyan en nuestras relaciones personales. "En un mundo donde lo que no está en redes parece no existir, esta obra muestra las consecuencias de confundir la vida real con la virtual", comenta May. La producción no solo ofrece risas, sino que invita a reflexionar sobre la fragilidad de las interacciones humanas en la era de la hiperconectividad.

El elenco está encabezado por Silvia Garza en el papel de Amelia y Luis Carlos Galván como Víctor, quienes dan vida a esta pareja atrapada en su propia mentira. Les acompañan actores como Ivonne Moreno como Doña Imelda, la suegra entrometida; Hanna Cantú en el rol de Paty, la amiga insufrible; y Andrés Guizar, Lonny Luna y Fernanda Treviño como los amigos y familiares que, con sus buenas intenciones pero pésimo timing, terminan por complicar aún más las cosas. La escenografía, diseñada para reflejar la dualidad entre lo real y lo virtual, juega un papel clave en la narrativa, mostrando cómo los personajes se debaten entre lo que viven fuera de pantalla y lo que proyectan en redes.

Las funciones tendrán lugar el viernes 18 de abril a las 20:00 horas, el sábado 19 con dos presentaciones a las 17:00 y 20:00 horas, y el domingo 20 a las 18:00 horas. Los boletos están disponibles en preventa a un precio de 350 pesos hasta el 16 de abril, mientras que el costo regular será de 400 pesos. Las localidades pueden adquirirse directamente en la taquilla del Foro Shakespeare o a través de la página oficial de la obra.

Producida por MayCast Productions, Situación Sentimental no es solo una comedia, sino un espejo de la sociedad actual, donde un simple clic puede cambiar por completo la percepción que los demás tienen de nosotros. Con un elenco talentoso y una dirección que equilibra perfectamente el humor con la crítica social, la obra promete ser una de las puestas en escena más relevantes de la temporada. Después de verla, quizá el público piense dos veces antes de compartir su siguiente estado en redes.

Para más información, los interesados pueden consultar las redes sociales oficiales de la obra en Facebook e Instagram, o comunicarse directamente con la producción a través del correo electrónico o los números telefónicos proporcionados. La obra representa una oportunidad única para reírse de los excesos de la vida digital mientras se disfruta de un teatro inteligente y contemporáneo.

Redacción

Unipersonal, escrito e interpretado por Natalia Goded, de la compañía Los Weros Teatro y dirigido a público de todas las edades

Con una maleta en mano, el personaje principal invita a las y los asistentes a reflexionar sobre preguntas esenciales de la vida, la identidad y la memoria histórica

Estará en temporada del 22 de marzo al 4 de mayo de 2025, con preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 23 de marzo

Un espectáculo de improvisación para ver una y otra vez

Llega Parrot Contestatario, una celebración del teatro como arte vivo, irreverente y transformador, que invita al público a reír, pensar y cuestionar el mundo que nos rodea. Con la actuación y autoría de Natalia Goded de la compañía Los Weros Teatro, tendrá temporada los fines de semana del 22 de marzo al 4 de mayo de 2025 en el Foro La Gruta.

Obra dirigida por Omar Esquinca y producida por Andrea Cruz Meléndez, que ha dado numerosas giras por el país desde 2020, consolidándose como un referente de la comedia nacional.

Parrot y su maleta llegarán al escenario del Centro Cultural Helénico para poner sobre la mesa algunas de las preguntas más importantes de la vida. Se trata de una puesta improvisada llena de humor e ingenio, donde el carisma del personaje principal mostrará la potencia del teatro como un hecho extraordinario e irrepetible.

A propósito de la temporada, Natalia Goded apunta: “es como jugar a ser un personaje vivo, complejo, construido desde el presente contundente de la escena misma, lleno de humanidad y de las voces que, como discurso, la compañía Los Weros Teatro encuentra necesarias. La motivación y finalidad de este proyecto radica en crear algo donde nada está escrito, apoyándose en la solidez de la técnica actoral y en un alto nivel de juego e improvisación, sin buscar encasillarse, cuestionando ¿qué es teatro?’, y abriendo caminos a través de las preguntas que surgen”.

La compañía teatral mexicana Los Weros Teatro, se ha caracterizado desde hace 10 años por generar puestas en escena donde la comedia es sinónimo de calidad y provocación. En este proyecto, Goded transforma un espacio escénico sencillo en un lugar donde se desdibujan los límites entre ficción y realidad. A través del diálogo directo con el público, el personaje de Parrot invita a reflexionar sobre las preguntas que hoy inquietan a la humanidad y a la infancia, despertando la imaginación y abriendo espacios para transformar lo que representamos desde el arte.

Tomando la memoria histórica como base fundamental de cuestionamiento y provocación hacia lo establecido, el montaje dirigido para toda la familia está conformado por Natalia Goded en la autoría y actuación; Omar Esquinca en la dirección y producción general, y Andrea Cruz Meléndez en la gestión y producción ejecutiva.

Parrot Contestatario se presentará del 22 de marzo al 4 de mayo de 2025 en el Foro La Gruta, los sábados y domingos a las 13:00 horas. El costo del boleto es de $205, con preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 23 de marzo. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: www.helenico.gob.mx.

Redacción

• Una producción de AB Producciones que se presentará del 20 de marzo al 6 de abril

• Busca narrar las experiencias de la comunidad LGBTQIA+ de una forma digna

Con música en vivo, esta puesta en escena de Salomón Mondragón nos sumerge en un recorrido lleno de sabor, tradición y celebración a la muerte. A través de las velas, las flores y la cultura de Veracruz, somos partícipes de este velorio tradicional mexicano, en el que encontramos un pedacito de lo que fuimos, de lo que somos o de lo que seremos.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro y AB Producciones, presentan la obra El velorio de mi madre, de Alan Blasco. Una oda al amor, un homenaje a todos los que se van, con música de JC Taylor.

Este montaje contará con una temporada del 20 de marzo al 6 de abril, los jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 horas y domingos a las 18 horas, en el Teatro El Granero, Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque.

Doña Tere, madre de la afamada actriz y cantante transexual Babilonia la Grande, ha muerto. La noticia llega a Babilonia mientras intenta suicidarse por sobredosis. La última petición de su madre fue ser sepultada en su pueblo, Tlahuaca. A su llegada, se ve invadida por fans, familiares, funcionarios públicos, ataques de pánico, presión por la prensa y figuras del espectáculo, lo que marcará el inicio de una pesadilla sin salida y la llevará por un recorrido al folclore mexicano y a las madres latinoamericanas.

En entrevista, Alan Blasco, dramaturgo y actor de la obra, mencionó: “quería hacer un homenaje a nuestros ancestros, una memoria de mis raíces veracruzanas, esos pueblos donde fui criado, una oda al amor y el reencuentro con nuestro pasado. Al final, resultó ser una historia que nos invita a reencontrarnos con nosotros mismos, encontrar nuestras fortalezas mediante el amor cuando parece que todo está perdido. Claro, siempre con una pincelada de humor”.

“Esta obra es un abrazo, un vuelo lleno de emociones, humor y cartas que nunca hicimos. Al final, nos reímos de nosotros mismos, de lo absurda que puede ser la vida cuando nos llueve sobre mojado y, también, con alegría despedimos a nuestros ancestros, como lo hacemos los mexicanos, los latinos; con música, sabor y fiesta”, añadió el autor.

“El personaje es una chica transexual, porque es importante abrirnos camino, darnos voz como comunidad LGBTQIA+… y narrarnos desde otros lugares, más allá de lo burdo, la caricatura o las historias contadas un millón de veces. Somos humanos, hermanos e hijos de la tierra. Sentimos, sufrimos y latimos como tú y como yo, y ante la muerte, todos, absolutamente todos somos iguales. Pues estrellas fuimos y estrellas seremos.”

El diseño de iluminación es de Edgar Mora, el diseño de vestuario es de Erick George, mientras que el diseño de maquillaje y de caracterización están a cargo de Nathaly Meneses.

Esta puesta en escena es un recordatorio de lo corta que es la vida, y de que serán nuestros actos, nuestra bondad y amor lo que recordarán de nosotros quienes dejamos atrás.  Un canto al cielo, a la muerte, una celebración de la vida en un mundo lleno de dolor.

Redacción

Obra galardonada con el Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido 2024

• Del 6 al 9 de marzo

• Jueves y viernes 20 h, sábado 19 h y domingo 18 h

• Duración aproximada: 70 minutos

• Edad recomendada: 16+

• Entrada: $80

• Sala CCB

Compra tus boletos en: https://teatroinbal.sistemadeboletos.com/eventperformances.asp?evt=178

Última función: 09 de marzo de 2025

“Agonizó por dos días. Era su voluntad no ser intubado, que ningún cable estuviera conectado a su cuerpo. Quería sentir la vida moverse hasta el último segundo.” El 17 de agosto de 2019, José Luis Navarro Lozoya falleció a causa de un cáncer fulminante no tratado. La obra nace como la promesa de su hija de escribir algún día la historia de su padre.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Arte y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro e IYARI: teatro de la vida, presentan Cantares, un unipersonal de Sayuri Navarro, obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido 2024.

Con funciones del 6 al 9 de marzo en la Sala CCB del Centro Cultural de Bosque, la puesta en escena invita a reflexionar sobre la importancia de no renunciar a crecer en un mundo que se ha fragmentado repentinamente. Invita a  recoger  los restos de la enfermedad para imaginar nuevos sueños. La obra se convierte, así, en un emotivo llamado a abrazar un “buen morir”.

En esencia, Cantares celebra la conexión humana, la aceptación de lo inevitable y la reconciliación con el fin de la vida. La pieza explora, de manera íntima y emotiva, el proceso de duelo y la búsqueda de identidad que surge tras la pérdida de un ser querido. A lo largo de la obra se plantea un duelo abierto y compartido, en el que el espectador es invitado a confrontar preguntas fundamentales como: ¿Qué significa la muerte? ¿Qué implica ser hija cuando el padre ya no está? ¿Qué queda después de que nuestros padres se van?

La obra narra el dolor y la ternura de una hija que acompaña a su padre en sus últimos momentos, aprendiendo a enfrentar la muerte para, finalmente, abrazar la vida. El unipersonal, escrito, dirigido y protagonizado por Sayuri Navarro, relata una historia real que nos conduce a un profundo viaje emocional, creando un espacio colectivo para transitar el duelo y buscar la identidad tras la pérdida. La narrativa, a la vez poética y onírica, se sumerge en los matices de la memoria, la aceptación y la conexión con aquellos que amamos.

El diseño de iluminación es de Jaime Noguerón y la producción de Giras y giros e IYARI: teatro de la vida.

En un mundo que frecuentemente evita hablar de la muerte, Cantares propone enfrentarse a ella de una manera humana, respetuosa y conmovedora, resaltando la complejidad de la relación padre-hija y el recorrido emocional que implica transitar el duelo.

Redacción

La puesta en escena es una historia que busca divertir, conmover y llevar a la reflexión a través de mensajes sutiles

Ganadora a Mejor Actuación Femenina de Reparto en los Premios METRO 2024, por la interpretación de Diana Sedano como Mac

Temporada del 8 de marzo al 11 de mayo de 2025, con preventa del 50 por ciento de descuento hasta el 8 de marzo

La valentía de atreverse a ser uno mismo

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico, La Máquina del Tiempo Producciones y Los Bocanegra presentan: Toto & Pez, escrita y dirigida por Luis Eduardo Yee, una obra que habla de lo que cada quien es, de lo que la sociedad nos dice que tenemos que ser, de lo que deseamos y no decimos, y de lo que sucede cuando hacemos lo que queremos. Se presentará los fines de semana del 8 de marzo al 11 de mayo de 2025, en el Teatro Helénico.

Una historia divertida y reflexiva que narra el pasaje de Toto, un ave que ama ver el cielo, pensar el aire, imaginar el vuelo. Le gusta observar. Y eso crea problemas con las demás aves, ya que las aves están hechas para volar. Y la parvada lo juzga. Lo tachan de débil, miedoso, tonto, sin embargo, Toto no tiene nada de tonto, sólo es un ave diferente que sueña con palabras y poemas.

“Con un humor muy particular, pero con tintes de ternura, miedo y esperanza, el proyecto da como resultado la aceptación, el respeto, el amor y la dignidad: valores que reflejan la necesidad urgente de las nuevas generaciones. Así es como este montaje se desarrolla, a lo largo de 90 minutos, desenmarañando situaciones complejas a través de personajes simples. Sin duda, una historia de amor verdadero, que engloba ese amor de familia, de amigos, pero, sobre todo, hacia uno mismo”, destaca su autor.

Tras iniciarse en la creación de discursos dirigidos a las infancias, el dramaturgo Luis Eduardo Yee concibió este texto, que refleja su deseo de entablar un diálogo con los más pequeños, al mismo tiempo que busca divertir y conmover a las familias con la historia de un ave que no disfruta volar y sueña con ser poeta.

Esta puesta, realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (Efiartes) en 2024, obtuvo el premio METRO a Mejor Actuación Femenina de Reparto por la interpretación de Diana Sedano como Mac. El elenco está integrado por Assira Abbate, Paula Watson, Rebeca Trejo, Hamlet Ramírez y Diana Sedano; bajo la dirección y autoría de Luis Eduardo Yee. La producción está a cargo de Paola M. Salguero, Rebeca Trejo y Edgar León.

El equipo creativo también se compone de Fernanda García en el diseño de escenografía y utilería; Alita Escobedo en el diseño de iluminación; Jerildy Bosch en el diseño de vestuario; Joaquín Martínez Terrón en la música original; Emiliano López en el diseño sonoro y musicalización; Frida Alcántara como asistente de dirección; Margarita Lozano en coordinación y asistencia de producción; Lau Charles en ilustración; Bien Chicles en diseño gráfico y redes sociales; Manojo de Ideas en relaciones públicas; Alma Curiel en fotografía; Daniel Gutiérrez en realización audiovisual, y Yahir García en diseño web.

Toto & Pez estará en cartelera los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Helénico, del 8 de marzo al 11 de mayo de 2025. El costo del boleto es de $290 para adultos y $145 para infancias. Actualmente hay una preventa del 50 por ciento de descuento válida hasta el 8 de marzo. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información en: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

Redacción

Se trata de una historia de fortaleza y renacimiento, interpretada por la actriz francesa Maite Elissalt

La obra utiliza la sátira para exponer los estereotipos y diversos estándares que la industria y la sociedad impone a las mujeres

Con temporada del 22 de febrero al 13 de abril de 2025; preventa del 30% hasta el 21 de febrero

Cartografía de un rostro femenino

¿Qué es la crisis de la mediana edad: una construcción social o una realidad? Maite Elissalt, actriz de origen francés, desentraña esta cuestión en el monólogo: Huella de papel, escrito en coautoría con Paolina Orta, quien también dirige la puesta en escena. La obra se presentará del 22 de febrero al 13 de abril de 2025 en el Foro Alternativo.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, y la compañía Del otro lado teatro, llevan a escena un unipersonal que retrata la vida de una mujer, la de la propia intérprete, quien a sus 42 años comparte su experiencia como emigrante y actriz, invitándonos, mediante este proyecto, a adentrarnos en su mundo interior, explorando su cotidianidad, su desorganización y su necesidad, autoimpuesta, de ser eficiente.

Un montaje, sin victimización, con toques de humor, cinismo y nostalgia en el que, de acuerdo con sus dramaturgas, el público será testigo del agobio de la protagonista frente a las presiones de la industria del espectáculo, que impone estándares de belleza y juventud inalcanzables a las mujeres en cuestiones como la edad, el peso o el color de piel.

La obra emplea objetos y títeres como elementos narrativos para evocar emociones como la nostalgia, la ternura y el recuerdo. A través de fotografías familiares, cajitas y libros proyectados en una mampara de papel en circuito cerrado —a modo de una cámara Super 8—, se cuenta la búsqueda de Elissalt por encontrar su identidad, sus raíces y un lugar en el mundo, al mismo tiempo en que se plasma su lucha por reconciliarse consigo misma y con su entorno.

En escena, cremas de belleza simbolizan los estándares opresivos que la sociedad, el cine y la televisión imponen a las mujeres, mientras un fantoche emerge como una deidad inconsciente. En contraste, un títere infantil representa la reconciliación interior, creando una tensión entre ambos.

El equipo creativo de la puesta en escena lo complementan Edwin Torres en el dispositivo escénico, la construcción de títeres y la iluminación; Reyna Mendizábal en la multimedia y el diseño sonoro, y Del otro lado teatro en la producción general.

Huella de papel se presentará los sábados y domingos a las 20:00 horas en el Foro Alternativo, del 22 de febrero al 13 de abril de 2025. El costo del boleto es de $205. Actualmente hay una preventa del 30 por ciento de descuento válida hasta el 21 de febrero. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información en: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

Redacción

• Esta puesta en escena de Los Endebles y Teatro en una Cáscara de Nuez contará con una temporada del 13 de febrero al 9 de marzo.

La ira de Narciso es un thriller que entrelaza historias aparentemente inconexas entre un conferencista que disertará sobre el mito de Narciso, sus encuentros con un joven amante al que lleva a su hotel y una investigación que se torna enfermiza para descubrir el origen de las manchas de sangre que descubre en su habitación. Todo esto se convierten en un triángulo explosivo de suspenso, que mantiene al espectador al filo de su asiento y permite que se desplieguen las infinitas posibilidades del juego autoficcional.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, junto con Los Endebles y Teatro en una Cáscara de Nuez, presentan la puesta en escena La ira de Narciso, con dramaturgia de Sergio Blanco, dirección de Boris Schoemann e interpretación de Cristian Magaloni.

Este montaje ofrecerá temporada del 13 de febrero al 9 de marzo, los jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 horas y domingos a las 18 horas, en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque.

La ira de Narciso es un monólogo que relata la estadía del autor, Sergio Blanco, en la ciudad de Liubliana, con el pretexto de explorar una autoficción que desdibuja las líneas de la realidad y la ficción, proponiendo un juego metateatral que dialoga con el público a partir de una mirada pasional, erótica, obsesiva, intelectual y repleta de humor inquietante y cautivante.

Es una reflexión que gira en torno a la obsesión humana por la verdad y la vida; una indagación al miedo a la muerte y a la ira que habita en todos. Es el recorrido por la vanidad de un autor que lleva hasta sus últimas consecuencias las posibilidades de una escritura que permite todo, o casi todo.

El diseño escénico e iluminación de la obra transportan al público a un universo cambiante que se alterna entre la intimidad de un cuarto de hotel y la artificialidad de una sala de conferencias, utilizando elementos mínimos como alfombras, biombos, una silla, una mesa y una caja de cartón para construir espacios simbólicos que reflejan la dualidad humana entre lo natural y lo social.

La iluminación refuerza esta tensión mediante contrastes entre la calidez de los amaneceres en los Jardines de Tívoli y la frialdad de entornos estructurados, posicionando al personaje como un "animal de exposición" atrapado entre lo íntimo y lo público. La música, que abarca desde Bach hasta Raphael, acompaña el viaje emocional, mientras el vestuario sencillo subraya la conexión entre el intérprete y el autor al que el intérprete da vida. 

La producción está a cargo de Alejandra Ramos, los diseños de espacio e iluminación son de Fernanda García, mientras que la asesoría en vestuario corre a cargo de Pilar Boliver.

Redacción

• Bajo la dirección de Gabriela Ochoa, ofreció 46 funciones en la Explanada de la fuente del Centro Cultural Universitario y visitó 37 sedes de la UNAM

• Además, el proyecto de teatro itinerante de la UNAM recorrió en gira 10 estados del país con lo que acercó el texto de Bertolt Brecht a más de 6 mil personas en parques, escuelas y plazas públicas

• La actriz Clarissa Malherios y el director teatral Andrés Carreño fueron los encargados de homenajear al equipo creativo y al elenco de la obra, en una emotiva despedida

Después de su última presentación a bordo del Carro de Comedias 2024, el equipo creativo y el elenco de El alma buena de Sezuán, develaron una placa conmemorativa en una emotiva ceremonia con motivo del fin de temporada en la que se ofrecieron 114 funciones de la obra de Bertolt Brecht, bajo la dirección de Gabriela Ochoa, que atrajeron a 22,513 espectadores en distintas partes del país. La actriz Clarissa Malheiros y el director Andrés Carreño, quien este año asume la dirección de la obra correspondiente a este proyecto de teatro itinerante, fueron los encargados de entregar el reconocimiento.

La función del domingo 16 de febrero, protagonizada por Mabel Albavera, Emma Echazarreta, Sara Muñoz, Carlos Murguía, David Juan Olguín Almela y Marco Favio Ramos, reunió a más de 300 personas en la Explanada de la fuente del Centro Cultural Universitario. Al concluir la presentación, el director de Teatro UNAM, Juan Meliá, destacó el impacto de la producción número 28 del Carro de Comedias, que recorrió Zacatecas, Jalisco, Sonora, Estado de

México, Guanajuato, Michoacán, Querétaro, Hidalgo, Morelos y Guerrero. Además, informó que El alma buena de Sezuán ofreció 46 funciones en la explanada para 10,224 espectadores; 37 funciones en diversos espacios de la UNAM con 5,072 asistentes; 7 en otros lugares de la Ciudad de México para 895 espectadores y 24 durante giras nacionales para 6,254 personas.

“Parece que son solo números, pero alcanzar 114 funciones ante más de 25 mil espectadores, con una obra institucional hoy en día es un verdadero milagro, y ese milagro lo lograron ustedes. Se merecen un aplauso brutal. La última función de una obra es uno de los momentos más emocionantes, pero también de los más tristes. Vamos a develar una placa junto con el equipo creativo y el elenco, que no solamente son seis, son siete”, comentó Meliá refiriéndose al actor Rodrigo Rivas Salgado, quien sustituyó a Marco Favio en algunas funciones.

Subieron al escenario Gabriela Ochoa (dirección), Adriana Hohman (asistente de dirección), Patricia Gutiérrez (diseño de escenografía), Fernanda García (Diseño de vestuario), Genaro Ochoa (diseño musical) y Víctor Siáñez-Vaca (asesoría coreográfica) y, aunque no estuvieron presentes, también se reconoció la asesoría dramatúrgica de Maribel Carrasco, las máscaras de Felipe Lara.

“Quiero agradecer a Juan Meliá, a Teatro UNAM y a todo el equipo que hizo posible este proyecto del Carro de Comedias. Agradezco también al equipo creativo y al talentoso elenco que adoro y se rifó hasta el final. Estoy muy contenta y triste al mismo tiempo. Siempre dicen que el Carro de comedias te cambia la vida, yo creo que es cierto.

Para quienes estamos tras bambalinas el teatro al aire libre es emocionante y lindo, este teatro que llega a los espectadores sin que tengan que ir a una sala. ¡Ojalá que esta obra haya tocada a muchxs niñes y a muchas almas buenas!”, compartió Gabriela Ochoa.

De igual forma, se mencionó la realización de vestuario de Nora Morales, Diana Bedolla, Melisa Olivera, Maredna González García, Maria Victoria Velazquez, Amalia Huerta Barrios y Adriana Carbajal Levario (jefa de vestuario Teatro UNAM), la realización de pelucas de Gabriel Ancira, la realización de escenografía de Constructores Escénicos; así como a los productores residentes Noma Mora (2024) y Diego Alonso (2025), y al coordinador del Carro de Comedias

José Cremayer Muñoz.

Por su parte, la actriz Clarissa Malheiros externó su emoción por develar la placa, ser cómplice de estos creadores y de esta maravillosa iniciativa de CulturaUNAM a través de Teatro UNAM, “que hace posible que este teatro a todo terreno exista, porque el teatro no necesita certezas; sino valentía”.

“Cuando solo hay energía y la fuerza de las actrices y los actores entregándose por completo, entramos en la convención de que nos hemos trasladado a otro país y a otros personajes. Esa maravilla me fascina y siempre me conmueve ver a la juventud entregando todo con esperanza en el mundo y en el teatro. En algún momento pasaré la estafeta y será una gran responsabilidad para la nueva generación”, indicó Andrés Carreño.

El alma buena de Sezuán tuvo temporada del 13 de abril de 2024 al 16 de febrero de 2025, considerando los semestres de la Universidad, en la Explanada de la fuente del Centro Cultural Universitario; participó en festivales como la Fiesta el Libro y la Rosa, en el marco del programa Vive el CCU con Puntos Cultura UNAM, el 31° Festival

Internacional de Teatro Universitario, la Feria Internacional del Libro de las Universitarias y los Universitarios y el 5to Encuentro de Infancias y Adolescencias Libres y Diversas.

La obra también se trasladó a otros recintos de Ciudad Universitaria (UNAM), incluyendo la Biblioteca Central, donde se presentó el Carro por primera vez, el Centro de Exposiciones y Congresos, la Facultad de Arquitectura, la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales, la Facultad de Derecho, la Facultad de Química, el Instituto de Investigaciones Sociales y el Jardín Botánico del Instituto de Biología.

Asimismo, se presentó en los campus de la UNAM: CCH Oriente, ENP 1 «Gabino Barreda», ENP 5 «José Vasconcelos», ENP 7 «Ezequiel A. Chávez», ENP 8 «Miguel E. Schulz», ENES Campus Juriquilla, ENES Campus León, ENES Campus Morelia, FES Acatlán, FES Cuautitlán, FES Iztacala, FES Zaragoza Campus I y II, Facultad de Artes y Diseño, Facultad de Enfermería y Obstetricia, Instituto de Energías Renovables de la UNAM en Temixco Morelos e Instituto de Biotecnología de la UNAM en Cuernavaca Morelos. Además, en la Casa del Lago «Maestro Juan José Arreola» y Museo del Instituto de Geología de la UNAM.

Además, recorrió plazas, parques y escuelas de 10 estados de la República: Estado de México, Guanajuato, Guerrero, Hidalgo, Michoacán, Morelos, Jalisco, Querétaro, Sonora y Zacatecas. Tuvo presencia en cuatro festivales nacionales:

Fiesta del Libro y la Rosa Michoacán, XXXVII Jornadas Alarconianas en Taxco, Guerrero, 21 Festival Internacional de Teatro de Calle de Zacatecas y 4to Festival del Teatro sobre Ruedas de La Cachimba Teatro A.C., Sonora, entidad a la cual el Carro de Comedias acudió por primera vez.

El Carro de Comedias de la UNAM es un proyecto profesional de teatro itinerante que opera mediante un remolque que se transforma en escenario. Ofrece funciones en escuelas, plazas públicas y diversos espacios al aire libre, presentándose ante todo tipo de públicos y bajo las condiciones climáticas más variadas. El elenco, cuya selección es por medio de una convocatoria anual, realiza todas las tareas, incluidos el montaje y desmontaje. Actualmente, el equipo que integra la nueva puesta en escena se prepara para el estreno de El gran teatro del mundo de Pedro Calderón de la Barca, liderados por Andrés Carreño.

El Carro de Comedias en cifras:

🎭 Total de funciones: 114

🔹 Explanada de la Fuente del CCU: 46 funciones | 10,224 espectadores

🔹 Espacios de la UNAM (CDMX y nacionales): 37 funciones | 5,072 espectadores

🔹 Otros recintos en CDMX: 7 funciones | 895 espectadores

🔹 Giras nacionales: 24 funciones | 6,254 espectadores

👥 Total de espectadores: 22,513

📍 Estados visitados: 10

Para más información se puede consultar la página www.teatrounam.com.mx y las redes sociales de @TeatroUNAM.

Redacción

• Pieza interactiva que asemeja un videojuego biológico, donde el público manipulará a los actores 

• Ganadora en 2022 en la categoría de “Mejor Teatro de Búsqueda” en los Premios APT, se presentará del 8 al 23 de febrero en el Foro Antonio López Mancera 

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presenta la obra

Dios juega videojuegos y yo soy su puto Mario Bro$, una pieza interactiva de Richard Viqueira, ganador en 2022 en la categoría de Mejor Teatro de Búsqueda en los Premios APT de la Agrupación de Periodistas Teatrales, quien creó un juguete escénico sadomasoquista

 donde el público jugará y manipulará a los actores. Tendrá funciones del 8 al 23 de febrero, en el Foro Antonio López Mancera. 

El jugador de un videojuego típico conoce las reglas sólo a través de la prueba del acierto y el error; es un universo que éste comprende sobre la marcha y donde el jugador toma decisiones, insensible porque es un mundo virtual y los personajes son solo gráficos. 

Pero ¿qué pasa si se juega con seres vivos y las decisiones tomadas inciden en el mundo real? Esta puesta en escena busca que el espectador se vuelva un ser revolucionario, que manifieste su elección libre y que se haga consciente de que cada decisión tiene una consecuencia ética. 

Así, el ejercicio del poder se visibiliza y hace evidente la dinámica social entre opresores y oprimidos en nuestro país y en el mundo en general. Las y los asistentes compran un boleto para la pieza y a cambio se les entrega un puñado de monedas que se insertan en las “maquinitas” que quieran jugar. 

El perfomer ejecuta un juego que se ramifica según las elecciones que toma cada jugador. Se replica así la dinámica de un videojuego tradicional: la consecución o frustración de metas, niveles, obstáculos,

bonus y la adicción resultante. Pero estos videojuegos son biológicos, con seres humanos para jugar y para ser jugados. 

La compañía Kraken Teatro está a cargo de esta pieza. Firme en sus convicciones de ofrecer espectáculos vanguardistas e interdisciplinarios en donde el papel del espectador es cada vez más activo y es protagonizada por

performers que fungen como avatares, entre los que se encuentran Valentina Garibay, Nane Aguilar, Ana Corti, Omar Adair, Pastor Aguirre, David Blanco, Ángel Luna y Richard Viqueira. 

Dios juega videojuegos y yo soy su puto Mario Bro$, ofrecerá temporada en el Foro Antonio López Mancera, del 8 al 23 de febrero, con funciones los jueves, viernes y sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h. La entrada tiene un costo de $150 pesos. Para más información consulta la página cenart.gob.mx. 

Redacción

Escrita, dirigida e interpretada por Alberto Lomnitz y María Sánchez

Un montaje de AlMa Arte Escénico que desafía los paradigmas del amor convencional, fusionando testimonios reales y ficticios

Con temporada del 10 de febrero al 21 de abril de 2025, y preventa del 50 por ciento de descuento hasta el 9 de febrero

Lo flexible no se rompe; lo que se quiebra es lo rígido

¿Monogamia o no monogamia? A partir de esta interrogante Alberto Lomnitz y María Sánchez presentan: Asombrosía: perfoconferencia del amor libre y otras obscenidades, una provocadora autoficción creada a partir de su relación amorosa  que se escenificará del 10 de febrero al 21 de abril en el Foro La Gruta.

Esta innovadora y revolucionaria comedia es una indagación en torno al amor libre, la pareja abierta y lo que hoy se denomina poliamor. Para Lomnitz y Sánchez, este proyecto es más que una obra de teatro; es una declaración de guerra en contra de la monogamia posesiva en la que buscan cuestionar y desafiar las convenciones tradicionales y sus relaciones.

“Como toda autoficción, la puesta en escena es una mezcla de testimonios reales con ficción presentados a manera de una divertida conferencia en la que el público disfruta de una taza de café mientras debate y discierne sobre el tema. Esta fusión única de géneros y formatos ofrece una experiencia rica, divertida, provocadora y reflexiva”, comparten sus creadores.

Con destacadas trayectorias profesionales en el teatro, cine, radio y televisión, Alberto Lomnitz y María Sánchez (AlMa Arte Escénico) escriben, dirigen e interpretan este creativo montaje dirigido a mayores de edad. Yoatzin Balbuena en diseño de video y multimedia, los arreglos musicales son de Ricardo Lomnitz; el diseño gráfico de Andrea Lackner Ávila, ; la fotografía de Mariana Carrasco, y Erick Dezib se encarga de la gestión de redes sociales como Community Manager.

Asombrosía: perfoconferencia del amor libre y otras obscenidades estará en cartelera todos los lunes a las 20:00 horas en el Foro La Gruta, del 10 de febrero al 21 de abril de 2025. El costo del boleto es de $248. Actualmente hay una preventa del 50 por ciento de descuento válida hasta el 9 de febrero. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información en: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

• A 34 años de su estreno en Milán, Italia, el fenómeno teatral a cargo de la Compañía Finzi Pasca ha cautivado a todo el público a su paso con más de 800 funciones en seis idiomas y 128 ciudades por diversos países, como Alemania, Rusia, Suiza, Argentina, Austria, Francia, España, Portugal, Georgia, Bolivia, Brasil, Canadá, Chile, Costa Rica, Estados Unidos, Perú, Paraguay, Uruguay y México

• Pasca Finzi concibe esta puesta en escena para un solo espectador que escoge al momento de la función y convierte al resto en “voyeurs” con el fin de reflexionar sobre la condición humana y los límites de la imaginación, a través de la sensibilidad del actor y la mirada traviesa del clown

El Gobierno de la Ciudad de México, a través del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura capitalina, presentan el reconocido espectáculo mundial Ícaro en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, del director y actor suizo Daniele Finzi Pasca, creador de espectáculos para los Juegos Olímpicos y el Cirque du Soleil, que ofrecerá funciones del 5 al 7 de febrero.

A 34 años de su estreno en Milán, Italia, el fenómeno teatral a cargo de la Compañía Finzi Pasca ha cautivado a todo el público a su paso con más de 800 funciones en seis idiomas y 128 ciudades por diversos países, como Alemania, Rusia, Suiza, Argentina, Austria, Francia, España, Portugal, Georgia, Bolivia, Brasil, Canadá, Chile, Costa Rica, Estados Unidos, Perú, Paraguay, Uruguay y México, donde se presentará como parte de la cartelera teatral del recinto ubicado en Donceles, en el Centro Histórico.

En Ícaro, pieza inspirada durante su viaje por la India donde ayudó a enfermos terminales, y su corta estadía en prisión por evadir el servicio militar, Finzi, creador del Teatro de la Caricia y del Gesto Invisible que busca conmocionar al público, concibe esta puesta en escena para un solo espectador que escoge al momento de la función y convierte al resto en “voyeurs” con el fin de reflexionar sobre la condición humana y los límites de la imaginación, a través de la sensibilidad del actor y la mirada traviesa del clown.

El creador de los espectáculos de tres ceremonias olímpicas: Turín 2006 y Sochi 2014, para los Juegos Olímpicos y Paralímpicos; y dos espectáculos para el Cirque du Soleil: Luzia en 2016 y Corteo en 2005, este último con 8.4 millones de espectadores en una gira de 10 años, ofrece una visión sobre la libertad, la esperanza y la belleza para resaltar el anti-héroe que todos llevamos dentro.

Con una duración de 90 minutos, Ícaro es escrita e interpretada por Daniele Finzi Pasca, con música de Maria Bonzanigo, luces de Marco Finzi Pasca y la producción a cargo de la Compañía Finzi Pasca, montaje que presentó en Cancún a finales de enero del presente año y llegará a la Ciudad de México con única temporada del 5 al 7 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

Daniele Finzi Pasca (Lugano, Suiza), cofundador de la Compagnia Finzi Pasca, es autor, director, coreógrafo, diseñador de iluminación, actor y clown. Con más de 40 años de trayectoria, Pasca ha logrado establecer una estética peculiar donde funde el teatro, la danza, la acrobacia, el circo, la ópera y el documental.

Con más de 35 espectáculos, la Compagnia Finzi Pasca es una de las principales compañías de arte independiente en el mundo, en la actualidad tiene siete espectáculos en gira. Entre algunas de sus obras más destacadas están:La Verità, Bianco su Bianco, Rituale, Viaggio al Confine, Nomade, Rain, L’Amour de Lion y Donka, entre otras.

Ícaro, del director y actor suizo Daniele Finzi Pasca se presentará el miércoles, jueves y viernes a las 20:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ubicado en Donceles 36, Centro Histórico.

Admisión: Luneta Plus, $700; Luneta, $650; Primer Piso Plus $550; Primer Piso y Luneta Trasera, $500; Anfiteatro, $350, y Galería, $250. Los boletos se pueden adquirir en la taquilla del teatro y en Ticketmaster.

Para conocer todas las actividades de la Secretaría de Cultura capitalina se puede consultar la Cartelera de la Ciudad de México (https://cartelera.cdmx.gob.mx/) y las redes sociales de la Secretaría de Cultura: Facebook, Twitter, Instagram y YouTube.

Redacción

Se trata de la ópera prima de Zezé Figueroa Ramos, quien la escribe, dirige e interpreta

Obra que significó su retorno a la vida laboral y es resultado de su experiencia al superar dos cirugías cerebrales a causa de un quiste aracnoideo y una negligencia médica 

Unipersonal de la compañía Casa Gris, con temporada del 5 de febrero al 6 de marzo del 2025; preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 5 de febrero

Siempre hay tiempo para ir al zoológico…

Dos operaciones en la cabeza, un quiste, un cerebro y un poema llevaron a Zezé Figueroa Ramos a crear Cabeza rota*, su ópera prima que será presentada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, y la compañía Casa Gris del 5 de febrero al 6 de marzo del 2025 en el Foro La Gruta.

Una docu-ficción escrita, dirigida e interpretada por Figueroa Ramos que explora las repercusiones de un ataque convulsivo y sus secuelas. Mediante un unipersonal interdisciplinario donde el intérprete transita la obra utilizando sus habilidades musicales, corporales y actorales.

En diciembre de 2018, tras sufrir un ataque convulsivo, a Zezé le detectaron un quiste aracnoideo grado III en el hemisferio izquierdo de la cabeza. Dos operaciones marcaron su vida: la primera para extirpar el quiste, y la segunda para erradicar una infección alojada en su cabeza, causada por la negligencia del primer médico. Acontecimiento que lo apartó de la vida artística, le exigió una larga recuperación y, sin saberlo, sembró las bases para una dramaturgia llena de evocaciones delirantes.

Redacción

Una cautivadora y esperanzadora versión teatral basada en la verdadera historia de Joseph Merrick, el inglés que se hizo famoso por vivir con el síndrome de Proteus

La puesta en escena, presentada con éxito en Francia y Líbano, llega por tercera vez al país de la mano de la compañía MIDI, en colaboración con actores mexicanos 

Con dramaturgia y dirección de Antoine Chalard estará en cartelera del 31 de enero al 2 de marzo de 2025; preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 30 de enero

Belleza en la diferencia: el homenaje a Joseph Merrick que transformará tu mirada

Un himno al amor, un elogio a la belleza de la humanidad en todas sus formas, El hombre elefante nos cuenta la vida de Joseph Merrick desde una perspectiva más optimista. Esta versión, escrita y dirigida por Antoine Chalard, se escenificará por primera vez en el Teatro Helénico los fines de semana del 31 de enero al 2 de marzo.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico y la compañía francesa MIDI, en colaboración con actores mexicanos, traen este fascinante y trágico drama al público, cuestionando las convicciones y ofreciendo otra mirada al respecto de las diferencias. 

La historia se desarrolla en Londres, en 1884, en un momento en el que el morbo de la población por los llamados 'monstruos' alcanza su pico más alto. El más famoso de ellos es, sin duda, Joseph Merrick, conocido como El hombre elefante, quien es exhibido como una bestia debido a sus deformidades extraordinarias. Sin embargo, su encuentro con el doctor Treves, un eminente cirujano, le dará la fuerza para seguir viviendo, desafiando las certezas del médico y cambiando la mirada de la alta sociedad.

Sobre la pertinencia la obra, Chalard explica: “llevar hoy esta historia al escenario es defender una vez más el derecho a la diferencia y a la indiferencia. Desde el punto de vista didáctico, es reafirmar que una discapacidad a menudo encierra muchas riquezas y que la 'monstruosidad' es muy relativa. Pero, por encima de todo, es contar una historia magnífica que parece condensar todas las emociones humanas, ofreciendo un desarrollo dramático lleno de suspenso y giros sorprendentes”.

La producción señala que el montaje presenta tres niveles narrativos: en el proscenio, el espacio donde los protagonistas pueden interactuar directamente con el público; en el centro del escenario, la realidad presente del protagonista, su habitación de hospital; y en el fondo, un ciclorama traslúcido que crea una proyección tridimensional, permitiendo una interacción entre actores y asistentes.

Además, la música desempeña un papel fundamental, convirtiéndose cada pieza musical en una partitura de acción que acompaña el desarrollo emotivo e intelectual de los personajes. Aunado a que la iluminación, los vestuarios y la escenografía, en blanco y negro, aportan una dimensión de relato antiguo, de cuento filosófico, humanista y profundamente actual

Tras sus exitosas presentaciones en el Festival de Avignon (Francia), en Líbano y en México (Centro Nacional de las Artes y Centro Cultural del Bosque), la obra está integrada, en su elenco, por los mexicanos Gabriela Betancourt, Esperanza Penagos y Leopoldo Bernal, y los franceses Florent Malburet y Antoine Chalard. El equipo creativo está compuesto por Marie Vernhes en el vestuario; Galina Molotov en el diseño de máscara, y Elena Gore en la producción ejecutiva y la asistencia de dirección.

El hombre elefante se presentará del 31 de enero al 2 de marzo, con funciones los viernes a las 20:00 horas; los sábados a las 19:00 horas, y los domingos a las 18:00 horas en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de $310. Actualmente hay una 

Redacción

Utilizando distintas técnicas de teatro de marionetas, la divertida puesta en escena da vida a dos pasajes emblemáticos del clásico de Miguel de Cervantes: La aventura con los leones y El retablo de Maese Pedro 

Con dramaturgia, dirección y elenco de Rosina Larrañaga y Horacio Merchan, se presentará del 1 de febrero al 2 de marzo de 2025; preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 31 de enero.

La fantasía de los títeres, una aventura entre libros 

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico y la compañía Titirimundi Marionetas presentan: El don del Quijote, obra que invita a redescubrir el poder transformador de los libros a través de la historia del clásico universal de Miguel de Cervantes Saavedra. Este montaje —dirigido a un público a partir de 7 años— se presentará del 1 de febrero al 2 de marzo en el Foro La Gruta. 

Escrita, dirigida e interpretada por Rosina Larrañaga y Horacio Merchan, la puesta en escena toma dos pasajes de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha: La aventura con los leones y El retablo de Maese Pedro, donde don Quijote, Sancho Panza y otro par de personajes cuentan su historia de una forma divertida y dinámica, resaltando la importancia de leer y revelando la gran magia que pueden contener los libros.

El proyecto emplea diversas técnicas de teatro de títeres (marionetas de hilo, títeres de mesa y libro pop-up) para presentar dos cuadros: en el primero, un audaz Don Quijote se enfrenta a un león, a pesar de las advertencias del leonero y de Sancho Panza; en el segundo, el "Caballero de la triste figura" asiste con Sancho Panza a un espectáculo caballeresco del titiritero Maese Pedro, cuya función provoca situaciones cómicas que confunden al noble caballero. 

El montaje cuenta con un equipo creativo conformado por Rosina Larrañaga y Horacio Merchan en el guion, la dirección, la producción, la manipulación, el diseño general y la producción ejecutiva. Las voces están a cargo de Rosina Larrañaga, Blazko Scaniglia, Eduardo Javkin y Horacio Merchan, mientras que la música original es de Roberto Morales.

El don del Quijote estará en cartelera del 1 de febrero al 2 de marzo del 2025, los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $155. Actualmente hay una preventa del 30 por ciento de descuento válida hasta el 31 de enero. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información en: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

Rosina Larrañaga

Estudió Artes Plásticas en la Antigua Escuela de San Carlos, UNAM. Ha realizado 33 exposiciones colectivas y siete individuales de las que destacan una exposición en Palma de Mallorca y otra en Ibiza, España. Desde 1993, es titiritera y —junto con Horacio Merchan— fundadora de la compañía de títeres Titirimundi Marionetas. Han presentado más de tres mil funciones, y montado más de 30 obras, de las que destacan: El monstruo de Frankenstein, La vida de Buda, La vida de Shakespeare y Cervantes. Es socia activa de la Unión Internacional de la Marioneta (UNIMA).

Horacio Merchan

Durante cuatro años fue discípulo del Maestro Alberto Mejía Barón “Alfin”. Participó en la obra Alfin la Maya, donde restauró y manipuló marionetas de la compañía Rosete Aranda, presentada en la Expo-Sevilla, España, 1992. Desde 1993 —junto con Rosina Larrañaga— fundó la compañía de títeres Titirimundi Marionetas, presentándose en más de tres mil funciones, montado más de 30 obras originales, entre las que destacan: El monstruo de Frankenstein, La vida de Buda, La vida de Shakespeare y Cervantes. Es socio activo de la Unión Internacional de la Marioneta (UNIMA).

Redacción

El histrión mexicano, quien escribe e interpreta este unipersonal, se centra en los últimos años de la compleja vida del pintor neerlandés del siglo XIX

Con temporada del 20 de enero al 7 de abril de 2025; preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 19 de enero

Sueño con pintar, y luego pinto mis sueños

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico y Mario Iván Martínez presentan Van Gogh, un girasol contra el mundo, un monólogo donde el actor asume en escena a una de las más controvertidas figuras del arte contemporáneo, abraza su vida poliédrica, sus encuentros amorosos, sus aflicciones y la singular evolución de su pincel revolucionario. El público podrá apreciar este cuidadoso trabajo artístico del 20 de enero al 7 de abril en el Teatro Helénico. 

Mario Iván, quien escribe y personifica este texto, se centra en los últimos años del pintor neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890), partiendo de un momento crucial: cuando Vincent, afectado por la catarsis y el enfrentamiento con el pintor Paul Gauguin, culmina con la mutilación de su oreja y decide internarse voluntariamente en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy, en la región provenzal francesa. Así, en la soledad de su celda, surge la remembranza: los personajes clave en su vida entran y salen de su memoria y se presentan ante el espectador en su esplendor dramático.

Tras un extenso recorrido por escenarios de todo el país, en los que ha cosechado incontables ovaciones de pie, esta obra regresa al Teatro Helénico con renovados bríos. A propósito de la ocasión, Mario Iván Martínez apunta: “el monólogo es un toro de cuernos muy afilados y hubo que echar mano de todos los recursos literarios y escénicos para construir un nuevo montaje funcional”.

De este modo, explica, la puesta en escena se transforma, a través de un enfoque musical, en una serie de variaciones sobre un mismo tema. “Incorporo aspectos poco conocidos de la vida del artista, como aquel relacionado con sus intentos fallidos por emular a su padre sobre el púlpito, o consagrarse como marchante de arte, actividad en la que varios miembros de su familia se destacaron bajo el sello de la famosa casa Goupil”.

Para enmarcar el significado y relevancia de este proyecto Mario Iván puntualiza: “Vincent quiso exorcizar el dolor a través de su arte; la pintura fue el impulso vital que le garantizó la redención y su historia es digna de ser contada. El arte fue su instrumento regulador, pero tuvo que esperar a su muerte para ser reconocido; ese mismo público burgués que en su tiempo lo rechazara, de pronto lo consagra y eleva a niveles de genialidad; el unipersonal no es sino un homenaje a este genio de la plástica moderna”. 

Bajo la dirección de Luly Rede, Van Gogh, un girasol contra el mundo se presentará del 20 de enero al 7 de abril en el Teatro Helénico, los lunes a las 20:00 horas. El costo del boleto es de $410. Actualmente, hay una preventa del 30 por ciento de descuento válida hasta el 19 de enero. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: www.helenico.gob.mx.

Más información en: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Por Christopher Blanco

Del 17 de enero al 14 de febrero

El Centro Cultural El Hormiguero, ubicado en la alcaldía Benito Juárez de la Ciudad de México, será el escenario donde se presentará la obra teatral 'Peces en frascos de mermelada'. Con funciones programadas los días viernes a las 20:00 horas, esta puesta en escena promete hacer reír y reflexionar al público con su particular estilo tragicómico.

Una Reflexión sobre la Vida y la Amistad

Bajo la autoría y dirección de Alejandro Miranda, esta obra explora lo absurdo de la existencia a través de situaciones cómicas y profundas reflexiones sobre el crecimiento personal, la amistad y las decisiones que marcan nuestras vidas. Con una duración de 75 minutos, está dirigida a jóvenes y adultos que buscan una experiencia teatral distinta, cargada de emociones y significado.

Un Elenco de Talento

El reparto de la obra está conformado por:

- Analú Flores

- Daniel Aranzubia

- Martín Martínez

- Andrés Rabadán

Estos talentosos actores dan vida a una historia que desafía las convenciones y sumerge al espectador en un vaivén de risas, nostalgia y reflexión.

Entradas Disponibles

Las entradas para 'Peces en frascos de mermelada' ya están a la venta. Para asegurar tu lugar en esta experiencia teatral única, puedes comprar tus boletos a través de https://elhormiguerocdmx.comprarboletos.com/artes-escenicas/peces-en-frascos-de-mermelada-4 disponibles o en la taquilla del teatro.

No te pierdas la oportunidad de disfrutar de esta tragicomedia contemporánea, que promete ser una de las propuestas más interesantes del inicio de 2025 en la escena cultural de la Ciudad de México.

Por Luis Gasca

El legado de Frida Kahlo, una de las artistas más influyentes de Latinoamérica, cobra vida en el escenario con "Frida Kahlo, el Musical: La Vida de un Ícono", una espectacular puesta en escena que promete emocionar, inspirar y conectar al público con la historia de una mujer que desafió la adversidad con valentía.

Un Viaje a Través del Tiempo

El musical, basado en la biografía "Frida Kahlo: La Vida de un Ícono" de Beatriz Alvarado (2021), transporta a los espectadores desde 1918 hasta 1954, explorando los momentos más significativos de la vida de Frida. La obra aborda no solo su obra artística, sino también las pruebas personales y el dolor que marcaron su existencia, dejando un mensaje profundo que invita a la reflexión.

Un Lienzo en Movimiento

La producción combina música en vivo, canciones originales y una interpretación visualmente impactante que transforma el escenario en un lienzo viviente. Los colores, pasiones y dolores que definieron a Frida Kahlo se reflejan con maestría en cada acto, destacando su fuerza interna, su amor por México y su cultura, así como su papel como estandarte de la lucha femenina.

Elenco y Producción

La obra cuenta con un talentoso elenco y equipo de producción que da vida a esta historia:

- Karen Espriu como Frida Kahlo

- Frida Moreno (Momo) como Frida Kahlo adolescente

- Karina Amin como la enfermera y en el ensamble

- Ale Monterde en el ensamble

- Música y letras: Karen Espriu

- Piano: Ignacio Medrano

- Guitarra: Gonx Alcántar

- Productor y director general: Lic. Gerardo Quiroz Acosta

Invitada especial 

Sandra Cuevas Nieves, quien se presentó en diciembre su empresa SC Diamond Group. Este proyecto tiene como objetivo apoyar su iniciativa política, llamada Organización Política por la Familia y la Seguridad de México.

Funciones y Detalles

La obra se presentará en el Teatro Centenario Coyoacán 2 a partir de febrero, con los siguientes horarios:

- Sábados: 18:00 y 20:00 hrs

- Domingos: 18:00 hrs

La duración aproximada del musical es de 75 minutos y es apta para adolescentes y adultos. Los boletos están disponibles en www.Goticket.com y en la taquilla del teatro.

Una Experiencia Inolvidable

"Frida Kahlo, el Musical" es una experiencia única que permitirá al público sumergirse en la vida de una de las figuras más icónicas de México, mediante de una narrativa conmovedora y una producción espectacular. No te pierdas esta oportunidad de vivir el legado de Frida Kahlo de una manera completamente nueva.

Redacción

• Puesta en escena presentada con éxito en Europa, diseñada para públicos de todas las edades y que aborda con delicadeza y poesía temas considerados de adultos

• El Pinocho, de Carlo Collodi, es adaptado y renovado por Antoine Chalard, autor y director de esta comedia, en colaboración con actores mexicanos

• Temporada del 25 de enero al 2 de marzo de 2025; preventa del 50 por ciento de descuento hasta el 24 de enero

Un cuento clásico reinventado para explorar el corazón de nuestra humanidad contemporánea

¿Qué significa crecer?, ¿siempre tenemos elección?, ¿es posible cambiar?… son algunas de las interrogantes que plantea Pinocho 21, la libre adaptación de la obra maestra de Carlo Collodi que, bajo la dramaturgia y dirección de Antoine Chalard, es llevada a escena con un elenco franco-mexicano del 25 de enero al 2 de marzo de 2025 en el Teatro Helénico.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico y la compañía francesa MIDI presentan esta revisitación que ofrece una nueva reflexión sobre nuestra humanidad. A través del humor, el lenguaje callejero y la adicción a las pantallas, actualizan la icónica historia que creíamos conocer y que está dirigida a un público a partir de los 5 años.

En esta historia, Geppetto vive en una casa hecha de desperdicios a orillas de un canal. Para olvidar su país —que ya no existe— fabrica pequeñas marionetas con lo que encuentra en los contenedores de basura. Al caer la noche, criaturas pasan, y una de ellas, que se hace llamar el Hada Azul, cumple su deseo más preciado. Sin embargo, Geppetto no espera convertirse en papá de un chico de hoy en día. Este Pinocho es un títere gamer y rapero en sus ratos libres, que tendrá que enfrentarse a muchas pruebas para convertirse en un verdadero hombre joven.

Una puesta en escena divertida, filosófica y visualmente atractiva, con composiciones musicales originales —realizadas ex profeso para el montaje— y una depurada escenografía que nos sumerge en un universo tan contemporáneo como mágico.

Con éxito probado en París (Espace Paris Plaine), el Festival de Avignon (Francia) y en la Isla de la Reunión, esta producción llega al Centro Cultural Helénico de la mano de un elenco integrado por los mexicanos Elena Gore y Leopoldo Bernal, y los franceses Antoine Chalard y Florent Malburet; acompañados de un equipo creativo compuesto por Gilles Lauret en la música; Magali Castellan en el vestuario; Julie Koo Seen Lin en la creación de la luz; Ghislain Durif y Olivier Padre en la fotografía; Enrique Saavedra en la prensa y difusión, y Elena Gore en la producción ejecutiva.

Pinocho 21 se presentará del 25 de enero al 2 de marzo, los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Helénico. El costo de los boletos es de $259. Actualmente hay una preventa del 50 por ciento válida hasta el 24 de enero. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: www.helenico.gob.mx.

Más información en las páginas: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

Redacción

• A cargo de la compañía TRIBU Producciones, cuenta la historia de una pequeña que tiene de mascota a un nahual 

• Con esta obra el Cenart conmemora el centenario del nacimiento del dramaturgo mexicano Emilio Carballido 

• Ofrecerá funciones del 1 al 23 de febrero, en el Foro de las Artes. La entrada tiene un costo de $150 pesos 

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presenta Guille y el Nahual, una obra infantil que retoma las tradiciones mexicanas para, a través de títeres y alebrijes, llevar al público a un mundo fantástico. Ofrecerá funciones del 1 al 23 de febrero, en el Foro de las Artes. 

Guille anhela tener una mascota que le haga compañía, pero sus padres se lo prohíben porque a ellos no les gustan los animales. Un día, mientras Guille juega con sus amigos, se encuentra a un Nahual que se siente solo por su extraña apariencia. Ambos enfrentarán diversas dificultades para estar juntos y descubrirán que sus cualidades les ayudarán a construir una amistad incondicional. 

La historia es del dramaturgo mexicano Emilio Carballido y con esta puesta en escena el Cenart da inicio a las celebraciones por los 100 años de su natalicio, reconociendo su legado de teatro para las infancias. La adaptación es de Nadia González Dávila y puesta en escena por la compañía TRIBU Producciones, bajo la dirección escénica de Andrea Salgado, quien describe la obra como “un espacio de transformación”.  

“Aquí pensamos en la habilidad del nahual para convertirse en diferentes animales, multiplicarse e incluso cambiar de tamaño, en cómo cambia la perspectiva de los padres de Guille respecto al Nahual y a cómo va a influir en cambiar los vínculos afectivos entre la niña y sus padres. La palabra transformación estará presente en la puesta en escena a nivel travesía de los personajes y también a nivel estético”, explica la directora. 

En Guille y el Nahual participan cuatro artistas en escena, quienes alternan entre distintos papeles apoyados por un destacado equipo creativo que, a partir del manejo de títeres de animación directa de diversos tamaños, le otorgan la capacidad de transformación a cada uno de los personajes. 

En particular, el diseño del Nahual está inspirado en los alebrijes, en su fascinante combinación de animales y en su extraordinaria mezcla de color, mientras que la música está basada en ritmos tradicionales como el vals colonial, la polka y el son jalisciense, estilos que refuerzan el folclor del personaje mítico en el que recae todo ese color, energía y alegría.  

La compañía TRIBU Producciones es una agrupación artística que tiene como objetivo crear proyectos de calidad y con contenido dirigidos a las jóvenes audiencias para dialogar con ellos a través del arte y así crear un mundo mejor.  

La puesta en escena Guille y el Nahual ofrecerá funciones del 1 al 23 de febrero, los sábados y domingos, a las 13:00 h, en el Foro de las Artes. La entrada tiene un costo de $150 pesos, con promoción 2x1 los miércoles a través de la página https://cenart.comprarboletos.com.

 Para más información consulta la página www.cenart.gob.mx. 

Redacción

• Es una coproducción de las compañías Motus / Marionnettes & Théâtre (Canadá) y Núbila Teatro (México), dirigida y conceptualizada por Haydeé Boetto y Hélène Ducharme

• La obra es una apuesta con la diversidad de audiencias; una invitación para niñas, niños y sus familias, a disfrutar de una experiencia sensorial única

• Se presentará los viernes a las 17 horas y sábados y domingos a las 12 y 17 horas, del 24 de enero al 2 de febrero en el Auditorio del Museo Universitario Arte Contemporáneo. La entrada libre hasta completar aforo.

A partir del 24 de enero, cOsmO llegará al Auditorio del MUAC como una propuesta teatral diseñada para las primeras infancias. La obra combina poesía, títeres y un enfoque lúdico, creando una experiencia sensorial única. Bajo el concepto y dirección de Haydeé Boetto y Hélène Ducharme, esta coproducción entre las compañías Motus /

Marionnettes & Théâtre (Canadá) y Núbila Teatro (México) invita a descubrir un universo mágico lleno de luces, sombras y criaturas que habitan los elementos esenciales de la naturaleza: aire, agua, tierra y fuego.

“El teatro es una herramienta poderosa, acercarse a las artes escénicas (y a todas las manifestaciones artísticas) desde los primeros años de la vida, nos da la posibilidad de compartir, de reflejarnos en otras y en otros, de conocer diversas maneras de expresarnos, de disfrutar, de asombrarnos, de divertirnos, de conmovernos. El fenómeno escénico es un camino de ida y vuelta en el que creadores y espectadores de cualquier edad, suman, construyen y reconstruyen”, destaca Haydeé Boetto.

La creadora explica que este montaje, que dio seis exitosas funciones en el Festival CulturaUNAM en 2024, surgió de un extenso proceso de laboratorio creativo que incluyó residencias artísticas en México y Montreal. Durante ese tiempo se exploraron temas como la naturaleza creadora, que nace, se transforma, se extingue y renace con fuerza; así como la dimensión del universo que habita dentro y fuera de cada ser vivo.

Recomendada para infancias a partir de los 3 años, cOsmO narra cómo una luz tenue y misteriosa, como susurro del más allá, se aproxima lentamente. Dos seres cósmicos, tejedoras del tiempo, se embarcan en la tarea de reinventar el mundo. En su travesía, capullos de diversos tamaños se abren para revelar paisajes asombrosos llenos de texturas, reflejos, sombras, sonidos y criaturas fascinantes, tanto diminutas como colosales.

En el montaje participan las actrices Haydeé Boetto, Hélène Ducharme y Julieta Ortiz, alternando funciones, quienes, sin diálogos, entretejen esta mágica historia. Emilio Zurita se encargó de la escenografía, el video y la iluminación que crean el entorno visual que, junto con los títeres, objetos, atrezzo y vestuario, diseñados por Pavla Mano, y la música y el paisaje sonoro de Raúl Zambrano, completan esta experiencia artística. En el montaje participaron 15 artistas de ambos países.

Las compañías Motus / Marionnettes & Théâtre y Núbila Teatro tienen un profundo interés en el trabajo con objetos, títeres, música, exploración de materiales, diseño de artefactos y juego lumínico; ambas cuentan con una destacada trayectoria en la creación de propuestas escénicas dirigidas a las infancias y públicos jóvenes que llevan a diversas partes del mundo, como el pasado 11, 12 y 13 de enero que montaron cOsmO como parte del showcase presentado por Québec on Stage de la bienal de CINARS (Canadá) en la reunión de la Asociación de Profesionales de las Artes Escénicas APAP en Nueva York; además, estará del 18 de febrero al 2 de marzo en el Maison Théâtre de Montréal, antes de viajar a Madrid para formar parte del Festival Teatralia. 

“Nuestro teatro ha encontrado su camino a partir de la exploración de los distintos lenguajes escénicos tomando siempre como punto de partida un trabajo profundo en el que sea posible dialogar, dedicar el tiempo necesario a pensar en lo que queremos comunicar, identificar lo que sucede con cada idea, con cada estímulo; experimentar, pensar y repensar; avanzar y volver atrás; transitar por el proceso creativo reconociéndonos en cada espectadora y espectador”, precisa Haydeé Boetto.

La programación de cOsmO en el primer mes del año en la cartelera de Teatro UNAM, refleja su compromiso con la accesibilidad y diversidad de audiencias, siguiendo una línea curatorial enfocada en la escena, arte, ciencia y tecnología, con proyectos que vinculen el arte teatral, en sus múltiples lenguajes y modalidades, con las diferentes disciplinas artísticas y con la ciencia y la tecnología.

La obra se presentará del 24 de enero al 2 de febrero, con funciones los viernes a las 17 horas y sábados y domingos con doble función a las 12 y 17 horas, en el Auditorio del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), ubicado en el Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000). La obra es recomendable para niñas y niños a partir de los tres años. El acceso es libre hasta completar el aforo. Para más información se puede consultar la página www.teatrounam.com.mx y las redes sociales de @TeatroUNAM.

Por Axel Carrasco

Estreno: 20 de marzo de 2025 l Teatro Telcel l Ciudad de México.

PREVENTA BANAMEX: 21 Y 22 DE ENERO

VENTA GENERAL: 23 DE ENERO

Gracias a Disney Theatrical y a OCESA , el icónico musical El Rey León regresa a México y podrá disfrutarse en el Teatro Telcel. Este esperado evento promete cautivar a las audiencias con su historia atemporal y avances tecnológicos.

Palabras del equipo creativo

Anthony Lyn, director asociado, destacó que esta obra trasciende generaciones:  

"Es una historia para todo tipo de público. Va desde la pérdida y el autodescubrimiento en momentos de soledad hasta ser una obra ideal para niños. Es una pieza que va más allá de una simple obra de teatro; sus efectos son tan increíbles que podría hablar de ellos todo el día, como las máscaras de Nala, Simba y Scar."

Un elenco destacado

El nuevo elenco incluye a grandes talentos como:  

- Majo Domínguez (Nala)  

- Pierre Louis (Simba)  

- Nokulunga Madlala (Rafiki)  

- Carlos Quezada (Scar)

Pierre Louis compartió que siente una gran responsabilidad al formar parte de esta producción:  

"No solo debemos transmitir un mensaje al público, sino también honrar el legado de Carlos Rivera, quien interpretó a Simba hace 10 años."

Por su parte, Nokulunga Madlala, quien formó parte de la producción en Londres, expresó su emoción por participar ahora en México:  

"Estoy feliz de ser parte del elenco mexicano y espero poder transmitir mi cultura tanto al público como a mis compañeros."

Majo Domínguez invitó al público a disfrutar de la obra:  

"Les aseguro que saldrán más que satisfechos de haber comprado un boleto."

Innovaciones tecnológicas y mejoras

Juliana González, productora de la obra en México, mencionó que, aunque el guion es casi el mismo que el de hace 10 años, la producción se ha renovado significativamente:  

"La traducción al español ha mejorado mucho, y la obra destaca por los avances tecnológicos. Hace 10 años no existía la tecnología que tenemos hoy. Un cambio notable es la iluminación, completamente nueva y diseñada para ser una sensación."

El regreso de El Rey León promete ser un evento inolvidable que combina nostalgia, innovación y un mensaje que conecta con todas las edades. ¡No te lo pierdas! 

Redacción

Estreno: 20 de marzo de 2025 l Teatro Telcel l Ciudad de México.

PREVENTA BANAMEX: 21 Y 22 DE ENERO

VENTA GENERAL: 23 DE ENERO

Boletos disponibles a través de la Red Ticketmaster, El Rey León, el exitoso musical producido por Disney Theatrical Group, regresa a la Ciudad de México después de una década para hacer historia. Con tres producciones globales que han permanecido más de 20 años en cartelera, y otras tres que superan los 25 años, El Rey León continúa siendo un fenómeno teatral inolvidable.

A lo largo de su historia ha sido representado en nueve idiomas (inglés, japonés, alemán, coreano, francés, neerlandés, español, mandarín y portugués), cuenta actualmente con ocho producciones presentándose en distintas partes del mundo, como Broadway, la gira por Estados Unidos, Tokio, Londres, Hamburgo, Toronto, Madrid y París; y La Ciudad de México será su novena producción de la mano de OCESA.

¡Prepárate para una experiencia única e inolvidable con El Rey León!

Más información en nuestras redes sociales: Instagram, X

y Facebook: @EscenarioOCESA.

Redacción

• Cinco artistas indagan en sus dimensiones emocionales, reflexionando sobre las estrategias que nos permitan lidiar con los malestares contemporáneos 

• Permanecerá en exhibición del 16 de enero al 23 de febrero, en la Galería Manuel Felguérez, con entrada libre 

El Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presenta la exposición

Bálsamos para lo intangible, una exposición que reúne las exploraciones de cinco artistas: Raisa Pimentel, Lynnette Campos, Ranchito, Carmen Ixchel Maya y Anni Garza Lau, quienes desarrollaron estos proyectos durante su residencia en Casa Snowapple, en mayo de 2024. La muestra estará en exhibición del 16 de enero al 23 de febrero, en la Galería Manuel Felguérez. 

¿Qué implica poner el cuerpo de por medio en la práctica artística? ¿Cómo procesar colectivamente las emociones, el placer y el dolor en un mundo mediado por sistemas de vigilancia y comercialización? Estas preguntas son el eje central de

Bálsamos para lo intangible.  

A partir de su interés por la digitalidad y la tecnología, las artistas indagan en sus dimensiones emocionales, reflexionando sobre las estrategias que nos permitan lidiar con los malestares contemporáneos. Mediante inteligencia artificial, performance e instalación, la muestra invita al público a cuestionar y reinventar su relación con el cuerpo, la tecnología y la práctica artística. 

El programa inaugural del jueves 16 de enero incluye actos en vivo que ofrecerán una experiencia inmersiva y reflexiva. Se presentarán

Partitura para un dron y una bailarina, a las 18:30 h, donde un dron interactúa con el cuerpo de una bailarina para explorar la relación entre tecnología y cotidianidad;

Fantasía en suspensión, a las 19:00 h, una obra que utiliza biomateriales para cuestionar el deseo y las relaciones humanas;

Armaduras suaves, a las 19:15 h, una instalación textil interactiva que conecta con la empatía y la identidad a través del diseño; y a las 19:30 h,

Mensajes que erosionan, una intervención que utiliza barras de jabón Zote para reflexionar sobre el cuidado, la memoria y el trabajo doméstico. 

Con esta muestra, las cinco artistas exponen los resultados de sus investigaciones y prácticas proponiendo nuevas formas de procesar emociones y construir colectivamente respuestas ante las tensiones de un mundo cada vez más digitalizado. 

Bálsamos para lo intangible será inaugurada el jueves 16 de enero, a las 18:30 h, y permanecerá en exhibición hasta el domingo 23 de febrero de 2025, de miércoles a domingo, en un horario de 10:00 a 17:00 horas, en la Galería Manuel Felguérez del Centro Nacional de las Artes. La entrada es libre.

Redacción

• Unipersonal de Lucía Uribe que se estrenará el 29 de enero en el Círculo Teatral

• Tendrá funciones los miércoles hasta el 19 de marzo

Después de una exitosa temporada en Buenos Aires, Argentina, la actriz mexicana Lucia Uribe estrena en México la obra de teatro Miguel Ángel. Lucía, quien ha protagonizado series como Desenfrenadas y Todo va a estar bien de Diego Luna, interpreta a Miguel Ángel, un adolescente que busca el éxito artístico con una fotografía de su mi3mbro viril en un concurso de fotografía de paisaje. 

En este monólogo escrito por la misma Lucía, junto con las dramaturgas argentinas Paula Grinszpan y Lucia Maciel, se explora con humor absurdo e irreverente el mundo interno de un adolescente: su soledad, sus ilusiones y su deseo de pertenecer. Encerrado en su cuarto y sin lograr avanzar en el estudio sobre la fundación de Tenochtitlán, Miguel Ángel se aferra a la esperanza de ganar un concurso de fotografía que cree que le traerá el respeto del mundo y sus compañeros de clase.

La propuesta minimalista de escenografía acentúa el despliegue actoral de Lucía, quien al interpretar a un personaje masculino conmueve al espectador al mostrarles la intimidad de un joven que lucha contra sus propios demonios.

Miguel Ángel tendrá funciones todos los miércoles del 29 de enero al 19 de marzo a las 20:30 horas en El Círculo Teatral, ubicado en la calle de Veracruz número 107 Col. Condesa en la Ciudad de México.  

Lucía Uribe 

Lucía Uribe nació en la Ciudad de México en 1990. Es actriz de teatro, cine y televisión. En 2024 protagoniza la película Jugaremos en el Bosque producida por Videocine. En 2021 protagoniza la serie de Netflix Todo Va a Estar Bien, dirigida por Diego Luna, y en 2020 coprotagoniza la serie original de Netflix Desenfrenadas. Protagonizó el largometraje Un Mundo Secreto que viajó a más de 40 festivales, y para el cual ganó el premio a la “Mejor Actuación Femenina” en el Festival Internacional de Cuenca. 

Participó en las series Coyotl (por estrenarse en 2025), Harina, La Casa de las Flores, Falco, Cómo Sobrevivir Soltero, y en los largometrajes Me Casé con un Idiota, Una pequeña confusión, y La Nave, entre otros. 

Actuó en las obras de teatro Emilia dirigida por Mariana Hartasanchez, Nada y Todo, dirigidas por Mariana Gimenez, en Romeo y Julieta, dirigida por José Caballero y Tempestades de Carlos Corona.

Redacción

Las propuestas escénicas premiadas durante el pasado Festival Internacional de Teatro Universitario se

presentarán del 16 de enero al 2 de marzo

El Ciclo comienza este mes con puestas provenientes de las escuelas CasAzul en el Estado de México, ENES

León en Guanajuato y del Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño de la Universidad de Guadalajara

en Jalisco

Las funciones se realizarán en el Teatro Santa Catarina en Coyoacán, con entrada libre hasta completar el aforo,

a partir de este jueves 16 de enero 

El Festival Internacional de Teatro Universitario es una plataforma de apoyo y profesionalización para las juventudes apasionadas por el teatro, en la que en su pasada edición se inscribieron 155 proyectos y fueron 24 los finalistas presentados en septiembre de 2024 en los recintos del Centro Cultural Universitario. En este contexto, el Ciclo de Obras Ganadoras del FITU reúne las puestas en escena premiadas en la edición 31 del FITU y se presentarán, del 16 de enero al 2 de marzo, las seis obras ganadoras fortaleciendo al FITU como un territorio de construcción colectiva, diversidad e inspiración para las nuevas generaciones.

El Ciclo inicia este mes en el Teatro Santa Catarina, en Coyoacán, con tres obras provenientes del Estado de México,

Guanajuato y Guadalajara, las cuales permitirán al público descubrir nuevas perspectivas teatrales de jóvenes creadores, explorando temas como el vacío existencial, el comunismo y la tristeza.

Del 16 al 19 de enero se montará Mirando hacia la nada, una obra del Colectivo Obra Negra de CasAzul, Escuela de Artes Escénicas y Audiovisuales (Tlalnepantla de Baz, Estado de México), ganadora de la Categoría C3 (Montajes de recién egresados). Escrita por Ricardo Rodríguez y llevada a escena de manera colectiva por Jorge Ángel, Jorge

Ríos, Constanza Ballesteros, Julia Palomeque y Salvador Tejeida, explora diferentes interrogantes sobre “la nada” y el vacío existencial, enfrentando al espectador con la incertidumbre de la vida y el “sinsentido”, y lo invita a examinar sus creencias, decisiones y valores desde una perspectiva íntima.

“El FITU es una plataforma ideal para propuestas disruptivas que amplían los límites del teatro. Esta temporada en el Teatro Santa Catarina no solo valida nuestro esfuerzo, sino que también nos motiva a seguir perfeccionando nuestra visión artística. Nos honra ser parte de este ciclo y estamos comprometidos a brindar una experiencia significativa para el público”, comparte el Colectivo.

También destaca que el minimalismo en la escenografía y la actuación centra la atención en los conflictos humanos:

“Esta economía de elementos escénicos crea un espacio abierto para la interpretación, invitando al espectador a completar los vacíos con su imaginación y experiencias personales. Además, el uso de recursos transmedia amplía el horizonte narrativo, permitiéndonos explorar la fragmentación, la simultaneidad y la interacción entre distintos lenguajes artísticos. Este enfoque refleja la complejidad del mundo contemporáneo”.

Del 23 al 26 de enero estará la puesta en escena La Medida, a cargo del Grupo de Teatro Representativo de la

ENES León, UNAM (Guanajuato), ganadora de la Categoría B (Licenciatura sin especialidad en teatro). Esta obra de Bertolt Brecht, dirigida por Gemma Quiroz, está concebida como una pieza didáctica que aborda los principios del comunismo a través de la historia de un grupo de militantes del Partido Comunista enjuiciados por el asesinato de un compañero durante una misión en territorio chino.

“La obra conmueve por la pasión del joven compañero que lucha por sus ideales y por ayudar a los suyos, aunque sus decisiones, válidas desde su perspectiva, ponen en riesgo los objetivos del partido. No buscamos promover una ideología, sino resaltar la crítica que Brecht plantea de forma inadvertida”, explica la directora.

Gemma Quiroz también reflexiona sobre su participación en el 31 FITU, destacando que para el elenco —integrado por Nicte Rodríguez, Manuel Castillo, Martha Díaz, Eduardo Arredondo, Mitzi Lorea Rodríguez, Marcos Alejandro

Quintana, Diana Saray Macías y Aldo Yisaac Valencia— fue un sueño cumplido: “Es un objetivo por el que trabajamos durante varios semestres y que, gracias al apoyo de nuestra institución, pudimos alcanzar al participar en la Gran final en Ciudad de México. Fue un reconocimiento al esfuerzo continuo con los jóvenes de la universidad y nos dio mayor visibilidad dentro de la comunidad universitaria. Esperamos que esto impulse más apoyo para proyectos como este”.

Finalmente, el 1 y 2 de febrero se presenta BALLENAS. Que nos lleve la marea o encallemos en la orilla, del Grupo Mapache Teatro, del Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño de la Universidad de Guadalajara (Jalisco). Esta obra, ganadora de la Categoría C1 (Montajes dirigidos por estudiantes), fue escrita por Sebastián Ibarra y dirigida por Tania Fonce y el propio Ibarra. En un tono que mezcla lo absurdo, lo pesimista y el humor, un boy scout, una rana, un payaso y una chica, desconocidos entre sí, deciden suicidarse el mismo día, a la misma hora y en el mismo lugar. Unidos por el dolor, emprenden un peculiar viaje para “matar cinco pájaros de un tiro”.

“Este Ciclo nos permite llevar el trabajo de Mapache Teatro a nuevos públicos y territorios. Es un ejercicio valioso sacar los proyectos de su contexto original para conocer la respuesta de diferentes audiencias. El FITU nos brinda la oportunidad de cuestionar la centralización del teatro y mostrar lo que las voces jóvenes estamos creando en diversas regiones del país, y hacia dónde nos dirigimos”, comenta Tania Fonce.

Sobre la obra, protagonizada por Isabel Fonher, Zuri Azul, Alex Campoy, Oliver Davison, Harry Dell, Emiliano

González y Uriel O’Salamanca, el dramaturgo Sebastián Ibarra aclara que, aunque puede parecer que el suicidio es el tema central, sirve solo como un pretexto para explorar a cuatro personajes rotos de maneras diferentes: “Ballenas busca reflexionar sobre esas preguntas que atormentan en las noches: ¿Por qué siento que no valgo? ¿Por qué no puedo ser feliz? ¿Por qué siento que no debería estar aquí? La obra nace de un vaivén entre la soledad y el pesimismo hacia una vida que puede ser luminosa, pero también dura y, a veces, devastadora”.

Las tres obras se presentan en el Teatro Santa Catarina (Jardín Santa Catarina 10, Coyoacán, cerca del metro Viveros), con funciones los jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 horas y domingos a las 18 horas. La entrada es gratuita. Los boletos se entregan una hora antes de cada función hasta completar el aforo.

El Ciclo continuará en febrero con los montajes Romeo V Julieta, de la Universidad del Valle de México Campus

Coyoacán-Tlalpan, del 13 al 16 de febrero; El ogrito, de Universidad Autónoma del Estado de México, del 20 al 23 de febrero y el estreno de Lo Común, una coproducción del FITU con La Compañiasauria y la Cátedra Nelson Mandela, del 7 al 9 de febrero en el Teatro Santa Catarina. Cerrará con Ghetto Gangata: HURAKÁN GANGATA, de CasAzul Escuela de Artes Escénicas y Audiovisuales, del 27 de febrero al 2 de marzo, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón.

Para más detalles se puede consultar la página www.teatrounam.com.mx y las redes sociales de @TeatroUNAM.

Redacción

• Nuevo montaje de Por Piedad Teatro; con las actuaciones de Concepción Márquez y Antonio Vega, bajo la dirección de Ana Graham

• Con temporada del 17 de enero al 9 de marzo de 2025 en el Foro La Gruta; preventa del 30 por ciento de descuento hasta el 16 de enero 

Nunca es demasiado tarde para decir: te amo

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Helénico y la compañía Por Piedad Teatro estrenan: Apuntes sobre el deterioro de mi madre, una profunda reflexión sobre la naturaleza humana que conecta con diversas emociones de forma honesta, directa y poética. La pieza podrá disfrutarse del 17 de enero al 9 de marzo en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico. 

Es una obra conmovedora y autobiográfica del dramaturgo neoyorquino Andy Bragen que explora la relación entre un hijo y su madre durante los últimos años de la vida de ella. La obra retrata el desgaste físico, mental y emocional de una madre, y cómo este deterioro afecta al hijo, quien enfrenta carencias afectivas y dificultades para expresar su amor. Invita a los espectadores a cuestionarse sobre la complejidad de las relaciones familiares y la importancia de reconciliarse con los seres queridos.

Se trata de una producción realizada con el sello de calidad de la compañía Por Piedad Teatro, cuyo objetivo es llevar a escena temas contundentes, humanos, relevantes en su contenido y novedosos en su forma. Bajo la dirección de la reconocida productora, directora y actriz Ana Graham, y con traducción de Antonio Vega, el montaje cuenta con un talentoso y experimentado elenco conformado por Concepción Márquez y Antonio Vega.  

Para la directora, la importancia de esta obra radica en la manera en que  conecta con el espectador y en cómo un texto tan personal puede, a la vez, ser tan profundamente universal: “me entusiasma la idea de trabajar con personajes tridimensionales, me siento sumamente identificada con el personaje del hijo. Al leer el texto, me descubrí pensando en mi propia madre y cuestionándome en mi papel de madre”.

Comparte Graham: “Apuntes sobre el deterioro de mi madre habla de todo lo importante, porque no hay nada más universal que desear que nuestra madre nos ame, no hay nada más real que el deterioro de la vejez, ni nada más importante que ser necesitado o necesitar a otro. Espero que el público se cuestione, por unos minutos, cómo vivimos, cómo queremos vivir y cómo queremos ser recordados... que se sienta movido por la obra y se vaya a su casa pensando en que fue una buena idea venir a verla”.

El equipo creativo está conformado por Anna Adria en el diseño de escenografía; Patricia Gutiérrez en el diseño de iluminación; Cristóbal MarYán en el diseño sonoro y música original; Ana Graham en la dirección escénica,  colabora en la traducción y se encarga también del diseño de vestuario; la producción ejecutiva es de MariCarmen Núñez Ultrilla; la coordinación de producción corre a cargo de Ginna Narváez; Allan Flores es stage manager; en la asistencia de dirección participa Paulina Bringas, y en la de producción está Mónica García. Estas últimas dos tienen una pequeña aparición como actrices. 

Apuntes sobre el deterioro de mi madre se presentará del 17 de enero al 9 de marzo de 2025 en el Foro La Gruta, los viernes a las 20:00 horas, y los sábados y domingos a las 18:00 horas. El costo de los boletos es de $330. Actualmente hay una preventa del 30 por ciento de descuento válida hasta el 16 de enero. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

La puesta en escena es una producción teatral nacional realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (Efiartes) y gracias al apoyo del contribuyente, Pastelerías La Zarza.

Más información en las páginas: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

• Una puesta en escena de Festín Efímero que utiliza la risa para abordar el poder de las normas sociales y la defensa por los derechos humanos 

• Con dramaturgia de Carla Zúñiga y dirección de Andalucía esta farsa melodramática cuenta la historia de Alma, una travesti que hará todo lo posible por recuperar a su hijo frente a los prejuicios del sistema

• Estará en temporada del 18 de noviembre al 18 de diciembre de 2024; preventa del 50% de descuento hasta el 15 de noviembre

¿De qué vale vivir si no podemos ser libres?

¿Quiénes sí pueden ser las madres y los padres de nuestros hijos? Esta es la pregunta central que plantea El amarillo sol de tus cabellos largos, una obra que retrata la opresión ejercida por la sociedad heteronormativa sobre quienes viven fuera de los márgenes de lo considerado socialmente "normal" y que se presentará del 18 de noviembre al 18 de diciembre en el Foro La Gruta.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con la compañía Festín Efímero, traen a escena una farsa melodramática escrita por Carla Zúñiga que, bajo la dirección de Andalucía, evidencia, con la exageración de símbolos, imágenes y emociones, las injusticias que sufren las minorías.

La historia sigue a Alma, una travesti a quien su familia y el Estado le arrebatan a su hijo de un año, alegando que su identidad de género la incapacita para criarlo. Mientras una mujer policía la persigue tras escapar del Ministerio Público, Alma hará todo lo posible por recuperarlo con la ayuda de sus amigas travestis, su abuela, una abogada y una actriz embarazada que se hace pasar por su novia. En medio de este caos, el montaje cuestiona los prejuicios que enfrentan las mujeres y las personas de la comunidad LGBTQ+.

Con más de 10 años de trayectoria, la compañía de teatro independiente estrena su séptimo proyecto, continuando su investigación sobre género y diversidad sexual, así como su enfoque en la violencia sistémica y las estructuras represivas que atraviesan sus personajes al indagar los límites de una sociedad que decide quién puede o no formar una familia.

Mediante la farsa y un humor ácido e irreverente, la puesta en escena utiliza la risa para llevar al extremo situaciones que revelan una dolorosa verdad. La obra es un llamado y una celebración a la resistencia de aquellos que siguen luchando por su derecho a amar, vivir y criar a sus hijos, invitando al público a reflexionar sobre las limitaciones y la violencia que imponen algunas de las normas sociales. 

Bajo la dirección de escena de Andalucía; la dramaturgia es de la chilena Carla Zúñiga; la producción ejecutiva de José Juan Sánchez, y la asistencia de producción de Belén Mercado. El elenco lo integra: Belén Aguilar, Héctor Iván González, Luis Javier Morales, Tania María Muñoz, Renée Sabina, Bru Uribe / José Juan Sánchez, Edgar Valadez y Fabián Varona Flores.

El diseño de iluminación y escenografía es de Heidi Sofía Lamadrid; el diseño de vestuario de Sergio Mirón; el diseño de movimiento de Clarissa Malheiros; el diseño y realización de máscaras de Alejandra Vega; el diseño sonoro y la composición de la música original de Alejandro Lenyn Sosa Carrillo, y la asesoría en temas de género de Mikaella Drullard.

El amarillo sol de tus cabellos largos se presentará de lunes a miércoles a las 20:00 horas, del 18 de noviembre al 18 de diciembre de 2024 en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $259 pesos. Actualmente hay una preventa del 50% de descuento válida hasta el 15 de noviembre. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en Avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: www.helenico.gob.mx.

Más información en: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

Redacción

• Escrita y dirigida por Gilberto González Guerra*, la obra está inspirada en sus vivencias personales, marcadas por una depresión y el cuidado que brindó a su madre durante su enfermedad

• Presentada por la compañía Onírico-Danza Teatro del Gesto e interpretada por Juan Ramírez, Emmanuel Fragoso y Gilberto González Guerra

• Con temporada del 29 de noviembre al 15 de diciembre de 2024; preventa del 30% de descuento válida hasta el 28 de noviembre

Somos memoria

La necesidad de transformar la dolorosa transición a la muerte en un acto luminoso impulsó a Gilberto González Guerra a crear Errantes-Viaje a la memoria, puesta en escena que estará de jueves a domingo, del 29 de noviembre al 15 de diciembre, en el Teatro Helénico.   

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, y la compañía Onírico-Danza Teatro del Gesto presentan esta propuesta escénica autobiográfica en la que un Mago blanco en agonía, creador de universos fantásticos, será acompañado por los errantes —personajes de su invención— para compartir con él secretos y aventuras de sus mundos soñados antes de que emprenda ese nuevo y desconocido viaje.

“Tenemos sembrada la creencia de que la muerte viene de la mano de la tragedia, del drama. Quise que el amor superara esa parte caótica, quise sublimar la muerte”, reconoce Gilberto, cofundador, director e intérprete de Onírico, quien ideó el acompañamiento amoroso para el mago moribundo tras cuidar, hasta su partida, a su madre enferma de cáncer y de su proximidad con la muerte a raíz de una profunda depresión.

“Experimenté la cercanía con el infierno, con los lugares más oscuros. Fue un proceso muy complicado y mi madre me sacó adelante. Poco después de que logré salir, vino su enfermedad (…) Las heridas de guerra, como se llaman a las secuelas de estas vivencias, me dieron la fortaleza necesaria para lograr que Onírico esté de vuelta. Con el paso de los años, sigo creyendo en el poder del juego para transformar la oscuridad en universos más amables, en un acto de comunión con la vida", comparte su autor, González Guerra.

En esta ocasión Juan Ramírez, cofundador de la compañía, le aporta un giro al montaje al incorporarse por primera vez como parte del elenco: “Juan es alguien muy obsesivo que muchas veces me pone freno para no salirme de cosas que no alcanzo a ver y que me ayudan a empoderar más la pieza”, comenta Gilberto.

Tanto Emmanuel Fragoso como Juan Ramírez interpretan a los Errantes, personajes marcados por su fragilidad y vulnerabilidad, profundizadas por la reciente pérdida de seres queridos. Para Emmanuel —miembro del elenco original— la presencia de Juan ha fortalecido la obra, haciéndola más contundente y poderosa, al representar a seres extraordinarios, entrañables y sensibles, rodeados de historias de “tanto amor, tanta luz y tanta proeza”.

Por su parte Juan, quien se denomina a sí mismo artista callejero, apunta: “mi personaje está en construcción. Sé de dónde viene y hacia dónde va. Es una remembranza de la compañía, un recipiente de los universos, de los personajes y otras secuencias que nunca llegaron a ser parte de una obra, surgidos del choque entre dos mentes, la de Gilberto y la mía”.

La música fue compuesta ex profeso por Manos Milonakis quien, junto al coreógrafo Dimitris Papaioannou y el cineasta Theo Angelopoulos, ha cautivado al director de Onírico. El proyecto cuenta con la iluminación de Patricia Gutiérrez, la realización de vestuario de Estela Fagoaga y la producción general de Pilar Campo.

Errantes-Viaje a la memoria se presentará del 29 de noviembre al 15 de diciembre de 2024, los jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 horas, y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de $248. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento válida hasta el 28 de noviembre. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información en las páginas de internet: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte

Gilberto González Guerra

Artista escénico nacido en la ciudad de México. Cuenta con una formación ecléctica y, en su mayor parte, autodidacta. Fundador, director e intérprete de la compañía Onírico-Danza Teatro del Gesto, con la cual ha ganado en cuatro ocasiones el Premio INBAL-UAM (concurso de composición coreográfica contemporánea más importante en México), así como dos premios a la mejor iluminación, uno a la mejor música original y el premio al mejor intérprete dentro de este mismo certamen. Ha recibido diversos estímulos para la realización de su propuesta artística, tanto en el área de creación como de interpretación, por parte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Asimismo, ha sido jurado y tutor en distintos programas de esta misma institución. Es parte del banco de talentos de Cirque du Soleil de Montreal, Canadá, con quienes colaboró interpretando el personaje principal del espectáculo Saltimbanco, durante una gira alrededor del mundo durante tres años continuos. Participó como cocreador e intérprete en diversas producciones fílmicas que han recibido: el premio de videodanza Agite y Sirva, el premio a la mejor videodanza dentro del BANG Festival de Videoarte de Barcelona y el premio del Concurso Nacional de Video Experimental en Baja California. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México.

Centro Cultural Helénico @Helenico    @centro_cultural_helenico

Redacción

Fechas: Del 15 de noviembre al 29 de diciembre  

Horarios: Viernes 20:40h, sábado 19h y domingo 18h  

Lugar: Foro Principal  

Costo: $450

¿Cómo reaccionarías si una noche perfecta se transforma en un dilema moral aterrador? Esta es la premisa de "Huérfanos", una obra dirigida por Angélica Rogel, basada en el texto de Dennis Kelly y traducida por Roberto Cavazos.  

La historia sigue a Hanna y Danny, una pareja que celebra su embarazo cuando el hermano de Hanna, **Leo**, irrumpe en su hogar cubierto de sangre. Lo que parece ser un acto heroico se convierte en una trama de secretos, dilemas y verdades inquietantes.  

Con un elenco de primer nivel compuesto por Itari Marta, Antonio Vega, Roberto Cavazos y Antua Trejo, esta puesta en escena combina una poderosa iluminación y escenografía de Aurelio Palomino, vestuario de Jerildy Bosch y musicalización de Xico Reyes para crear una experiencia única que te hará cuestionar los límites de la moral y la familia.  

No te pierdas esta obra de la compañía No somos nada que promete mantenerte al filo de tu asiento.  

¡Adquiere tus boletos y prepárate para una noche inolvidable! Sigue todas las novedades en @dsvmedios.  

El pasado viernes 22 de noviembre, el Teatro Helénico se llenó de magia y risas con la presentación de "Mi Cielo Clown", una obra que formó parte del 11.° Encuentro Internacional de Clown. Durante 60 minutos, el público disfrutó de un espectáculo lleno de ingenuidad, poesía escénica y humor, donde el "cielo" se convirtió en un símbolo de conexión, perdón y libertad.  

Con una dirección impecable de Carlos Enero Manolo Velasco y la entrega de un talentoso elenco, "Mi Cielo Clown" tocó corazones, arrancó carcajadas y dejó a los asistentes reflexionando sobre la belleza de los momentos simples.  

El Encuentro Internacional de Clown volvió a demostrar por qué es una de las celebraciones más importantes del género, reuniendo a artistas de diversas latitudes y llevando al escenario la esencia más noble del clown.  

Si te lo perdiste, no dejes pasar la próxima edición, donde el teatro y la risa se encuentran para crear noches inolvidables.  

Redacción

Escrita por Dennis Kelly, Huérfanos presenta un dilema familiar: ¿Cuáles son los límites de la unión familiar?

Protagonizada por Itari Marta (Hanna), Antonio Vega (Danny) y Roberto Cavazos (Leo) con la participación de Antua Trejo (Fede),  la obra llega a escena bajo la dirección de Angélica Rogel, ganadora del Premio ACPT 2024 a mejor dirección.

La puesta en escena se presentará del 15 de noviembre al 29 de diciembre en el Foro Shakespeare, ubicado en Zamora 7, colonia Condesa, los viernes a las 20:40 h, los sábados a las 19 h y los domingos a las 18h.

¿Qué estarías dispuesto a ocultar por amor? ¿Hasta dónde llegarías para proteger a los tuyos? Estas son algunas de las preguntas que se desprenden de Huérfanos, el perturbador y provocador texto del dramaturgo británico Dennis Kelly, que llega a los escenarios mexicanos en una versión traducida al español por Roberto Cavazos. 

Bajo la dirección de Angélica Rogel, este intenso thriller explora los límites de la moral, la lealtad familiar y el peso de nuestras acciones. La historia se desarrolla a lo largo de una noche, Hanna y Danny son una pareja aparentemente feliz celebrando la noticia del embarazo de ella, pero su tranquilidad se ve abruptamente interrumpida cuando Leo, el hermano de Hanna, llega cubierto de sangre. 

A medida que la noche avanza, las explicaciones de Leo sobre lo que sucedió se van complicando, revelando una realidad cada vez más sombría y aterradora. Los personajes se ven arrastrados a una encrucijada moral que plantea preguntas universales cómo: ¿hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar para proteger a nuestra familia? ¿Qué significa realmente el amor y la lealtad?

Angélica Rogel, directora galardonada con el Premio ACPT 2024 a mejor dirección por la obra El Padre, destaca lo impactante de este texto: “Huérfanos es un thriller que te envuelve desde el inicio, cuestionándote ¿qué harías si descubrieras que alguien de tu familia oculta algo aterrador? Es una obra que inquieta y atrae como una matrioska escénica, que va desvelando un secreto cada vez más complejo”. 

El elenco de esta producción está conformado por Itari Marta como Hanna, Antonio Vega en el papel de Danny, Roberto Cavazos como Leo y el niño Antua Trejo como Fede.  Cavazos, además de protagonizar la obra, traduce al español este crudo texto de Kelly, cargado de giros dramáticos y reflexiones profundas sobre la naturaleza humana.

El resultado de este texto llevado a escena es demoledor. Dos actores y una actriz capaces de recrear un mundo distópico en el que se hacen preguntas como: “¿qué seríamos capaces de hacer (ocultar) por amor?”, “¿Ante este escenario me gustaría tener un hijo?” o “¿Qué es la orfandad?”.

La dramaturgia de Huérfanos es de Dennis Kelly; la dirección está a cargo de Angélica Rogel; la escenografía de Aurelio Palomino; el vestuario de Jerildy Bosch; el diseño sonoro de Xico Reyes. Producción ejecutiva de  Hanna Berumen; asistente de producción Nareni Gamboa; y asistente de dirección Roberto Pichardo. Es un proyecto de la empresa  NO SOMOS NADA en Coproducción con SHKSPR y Cía; la obra cuenta con el apoyo de EFIARTES 2023.

Una propuesta cautivadora

La puesta en escena está acompañada por un diseño visual realista que enfatiza la atmósfera tensa que rodea a la historia. La escenografía, a cargo de Aurelio Palomino, recrea un departamento tipo industrial, donde la sensación de peligro acecha desde el exterior sin darse cuenta que el interior es aún más peligroso.

El diseño de vestuario de Jerildy Bosch, ganadora del Premio ACPT 2024, destaca por sus “tintes de rareza en la normalidad”, plasmando las complejas relaciones y tensiones entre los personajes. Desde el momento en que Leo aparece cubierto de sangre, el público es testigo del impacto visual que refuerza el tono perturbador de la obra.

El diseño sonoro de Xico Reyes, también galardonado en los ACPT, amplifica la tensión creciente de la trama.

Huérfanos explora las profundidades más oscuras de la condición humana. “Es una obra que nos invita a reflexionar sobre lo que estamos dispuestos a hacer por aquellos a quienes amamos, y cuándo ese amor puede convertirse en algo destructivo”, dice Rogel.

Datos generales 

Sinopsis: ¨La historia de Hanna y Danny, una pareja feliz que celebra la noticia de su embarazo se ve abruptamente interrumpida cuando Leo, el hermano de Hanna, llega a su hogar cubierto de sangre y argumenta haber encontrado a un joven herido en la calle, historia que en el transcurso de la noche irá cambiando hasta llegar a una realidad más compleja y aterradora¨

La obra está dirigida a público mayor de 15 años y tiene una duración de 2 horas. Se presentará del 15 de noviembre al 29 de diciembre en el Foro Shakespeare, ubicado en Zamora 7, colonia Condesa, los viernes a las 8:40 pm, los sábados a las 7pm y los domingos a las 6pm. Las entradas tienen un costo de 450 pesos.

Redacción

• Escrito e interpretado por Guadalupe Damián, y codirigido por Juan Carlos Vi-ves, que aborda y cuestiona con humor y crudeza las decisiones y sacrificios que implica ser madre

• Un montaje de La Más Alta Producciones y Búho Grande Teatro con tempora-da del 14 de noviembre al 13 de diciembre de 2024

• Una madre, un hijo, un crimen y un panqué

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con La Más Alta Producciones y Búho Grande Teatro presentan: Una buena madre, unipersonal que abre una apabullante reflexión a la realidad detrás de la maternidad. Funciones del 14 noviembre al 13 de diciembre de 2024 en el Foro La Gruta.

¿Cuándo el amor asfixia a los hijos?, ¿hay un límite para poner límites?, ¿por qué sobreprotegemos a quien pide a gritos volar del nido? Estas y otras interrogantes se abordarán en esta puesta en escena escrita e interpretada por Guadalupe Damián que, codirigida con Juan Carlos Vives, ahonda en algunas de las conductas vistas desde nuestra más tierna infancia. 

Mediante un sobrecogedor y divertido monólogo que parte de todas aquellas ideas, bien aprendidas o mal aconsejadas, que muchas mujeres llevan a cabo para criar a sus hijos, el proyecto explora las posibles causas de las conductas materno-afectivas, en un melodrama con una buena dosis de humor que pone el acento sobre un mundo permanentemente maquillado por una sociedad que se ha venido cegando ante las problemáticas más urgentes. 

La obra invita a reflexionar acerca del complejo tema de la crianza de los hijos; sus vicisitudes y complejidades, aderezándolo con una pizca de talento gastronómico: Mariana es una mamá que prepara panqués de arándano, mientras nos cuenta su historia de manera amena y divertida, una noche su vida da un vuelco al enterarse que su hijo ha sido detenido y acusado de un crimen violento ¿Qué harán Mariana y sus familiares, con carreras políticas en ascenso, ante tan escandaloso problema?

Guadalupe Damián, codirectora del montaje apunta: “nuestra sociedad se ha visto gravemente lastimada por un creciente clima de inseguridad y violencia hacia las mujeres por el simple hecho de serlo. En esta obra se abordan costumbres muy afincadas socialmente y que se originan desde el seno familiar”.

El equipo creativo lo conforman: Félix Arroyo en la escenografía; Gisel Sandiel en el vestuario; Sarah Alcantar en la iluminación; Jorge Valdivia en el diseño sonoro; iEve González en la imagen publicitaria; Ana Escalante en la asistencia de dirección, y Carolina Anzures, Karen Castaños y Kristof Anguiano en la asistencia de producción. 

Una buena madre estará en cartelera del 14 de noviembre al 13 de diciembre de 2024, los jueves y viernes a las 20:00 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico. El costo del boleto es de $205. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento válida hasta el 13 de noviembre. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en Avenida Revolución 1500, así como en la página de internet helenico.gob.mx.

Más información en: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

La Más Alta Producciones

Es una compañía que surge en el 2012, dedicada a la producción de espectáculos teatrales con el objetivo de acercar al público a experiencias entretenidas e inclusivas, y promover el valor artístico y cultural en nuestro país. La empresa trabaja con reconocidos y talentosos creativos y conforma un colectivo escénico que da como resultado espectáculos memorables y entrañables como: Los colibrís, Negación, Resignación, El inmóvil, Te lo cuento en invierno, y Una buena madre. Estos espectáculos han sido coproducidos con las compañías teatrales: Seres Comunes, Sin Sonrisa Teatro, Búho Grande y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Guadalupe Damián

Estudió la carrera de Actuación en el Centro Universitario de Teatro (CUT-UNAM) de 1995 a 1999. Asistió a cursos y talleres de actuación y dirección en La Habana, Cuba. Ha trabajado en puestas en escena bajo la dirección de: Boris Schoemann, Ricardo Díaz, Hugo Arrevillaga, Juan Carlos Vives, José Ramón Enríquez, Juliana Faezler, Gines Cruz, Alfonso Cárcamo, entre otros. Es fundadora de la compañía teatral La Más Alta Producciones. Ha sido becaria del Fonca en cuatro ocasiones. Actualmente presenta el monólogo: Una buena madre, donde escribe, produce y codirige. 

Juan Carlos Vives

Actor, dramaturgo, director, improvisador y docente de teatro. Ha sido autor y director de sus propias obras: Un alacrán (por las que van de arena), Un pañuelo el mundo es, En la quincena, Julio César..., Autocensura, Dicen..., Gallina vieja, El barco,  Acabar eternamente, Nairobi, entre otras. Ha sido docente en el Centro Universitario de Teatro (CUT-UNAM), en Artes Escénicas y Audiovisuales Argos (CasAzul) y en el Centro Universitario de Actuación (CEUNAC). Fundador y actual director artístico de la compañía Búho Grande Teatro. Ha sido becario del Fonca y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Obtuvo el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo en 2002, convocado por el Centro Cultural Helénico, con su obra de teatro: Un pañuelo el mundo es. 

Redacción

• Se trata de un discernimiento escénico acerca del amor, la sexualidad, las construcciones familiares y el rol que viven muchas mujeres, mediante una mezcla de lenguajes como el cabaret, el music hall y el clown

• Bajo la dirección de La Rubia.co, tendrá una temporada del 9 de noviembre al 15 de diciembre de 2024 en el Foro Alternativo 

• Actualmente hay una preventa del 30% válida hasta el 9 de noviembre

Yo no soy Giulietta Masina, con un amor de película

Una invitación a reflexionar con humor sobre temas como el mito del amor romántico, la heterosexualidad como régimen político y el matrimonio como una institución hegemónica se presenta en Yo no soy Masina, de Zuadd Atala; puesta en escena que estará en cartelera los fines de semana, del 9 de noviembre al 15 de diciembre, en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico.

El proyecto surge de la experiencia personal de su creadora e intérprete, Zuadd Atala, quien utiliza como punto de partida la figura de la actriz italiana Giulietta Masina, un ícono en la filmografía de Federico Fellini. La obra se inspira tanto en tres personajes icónicos que Masina interpretó en las películas La strada, Las noches de Cabiria y Giulietta de los espíritus, como en la larga y compleja relación amorosa, de más de medio siglo, que mantuvo con el reconocido director.

Atala explica: “hace años, un maestro de actuación me comentó que me parecía mucho a Giulietta Masina, pero debo confesar que no compartimos ningún parecido real. Sin embargo, esta observación me sirvió de pretexto para crear este proyecto acerca de los mitos que se han construido en torno a nuestra sexualidad y nuestra relación tóxica con el amor.”

La obra, mezcla lenguajes como el cabaret, el music hall y el clown, es una creación, escrita y actuada por Zuadd Atala, bajo la dirección de La Rubia.co; como dramaturgista y diseñador de objetos está Ignacio Velasco; la música original y copia es de Jesús Cuevas y el grupo Reina Barba; el diseño gráfico y visual, de Carlos Villajuarez (La Rubia.co), con producción de La Rubia.co y Teatro Línea de Sombra.

Se reitera que Yo no soy Masina tendrá temporada del 9 de noviembre al 15 de diciembre con funciones los sábados y domingos a las 20:00 h en el Foro Alternativo. El costo del boleto es de $238. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento, válida hasta el 9 de noviembre. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: www.helenico.gob.mx.

Zuadd Atala

Desde 1996, ha trabajado con diversos coreógrafos y directores de escena nacionales e internacionales. Su entrenamiento y búsqueda se fundamentan en las prácticas corporales y coreográficas, la instalación habitada y la creación dramatúrgica con materiales de la realidad. Su trabajo puede verse en su página web: www.larubia.co.

Redacción

• Dirigida por Angélica Rogel

• Texto de Carlos Alfonso Nava que obtuvo el Premio Bellas Artes de Dramaturgia Luisa Josefina Hernández 2023

• Funciones los lunes a las 20 horas hasta el 9 de diciembre

Coanda está próxima a cerrar su exitosa temporada, sólo quedan tres funciones más para que el público pueda disfrutar de esta comedia que no sólo los hará reír si no también cuestionarse sobre su propia vida y si están viviendo como quieren o como lo marcan los demás.

Esta obra nos cuenta la historia de Olga, una mujer que ha ignorado las expectativas de los demás hasta que su madre la busca para juzgar su vida.

Una extraña le ofrece una solución: crear otra Olga; una copia de sí misma que sí cumpla las demandas de los demás.

Con sugerencias sobre el eterno retorno, las réplicas y tomando al fenómeno físico Coanda -que cambia la trayectoria de los fluidos- como una enseñanza, los personajes intentan comprender quiénes son y qué esperan de la vida mientras dan saltos en el tiempo.

Compañía: Repente Teatro. Dramaturgia: Carlos Alfonso Nava. Dirección:

Angélica Rogel. Producción: Roberto Pichardo. Elenco: Fátima Favela, Monserrat Monzón, Pamela Ruiz, Minerva Valenzuela. Alberto Reyna diseñador escénico general. Duración: 100 minutos. Función apta para adolescentes y adultos.

Coanda se presenta los lunes hasta el 9 de diciembre a las 20 horas en el Teatro La Capilla (Madrid 13, Del Carmen Coyoacán). El costo de los boletos es de 300 pesos y se pueden comprar en taquilla del reciento o en boletópolis.

Redacción

• Se trata de un montaje dirigido a niñas, niños y jóvenes que invita a no

• guardar silencio ante esta forma de violencia

• Escrita y dirigida por Ginna Narváez, termina temporada el 15 de diciembre de 2024, con suspensión de funciones el 23 y 24 de noviembre

• Se presenta en el Teatro Helénico

Una historia sobre el acoso escolar

A partir de una metáfora de la “mochila” como elemento cotidiano estudiantil, que evidencia la carga emocional que llevan consigo las y los alumnos que asisten a las escuelas secundarias, la Productora Teatro y Mudita Producciones presentan:

¿Qué guardas en tu mochila?*, una obra escrita y dirigida por Ginna Narváez que aborda el acoso escolar y la seguridad en las aulas. El proyecto —dirigido a niñas, niños y jóvenes— estará en temporada hasta el 15 de diciembre de 2024, excepto 23 y 24 de noviembre, en el Teatro Helénico.

La puesta en escena narra la historia de Ian y Cora, dos estudiantes de la Escuela Secundaria Atéles, que ejercen a diario acoso y abuso hacia sus iguales. Los ataques de este par generan situaciones de enredos que acaban involucrando a inocentes. Zaire, uno de los compañeros de aula, es quien más sufre estos maltratos, lo que pone en riesgo su permanencia en la escuela. 

Esta experiencia dará un giro inesperado a su vida y a la dinámica propia de la escuela cuando descubran lo que los demás estudiantes guardan en sus “mochilas”. Ginna Narváez, inspirándose en su experiencia personal y en el kit emocional que vio en una página de la Secretaría de Educación Pública (SEP), afirma que: “la obra invita a hablar y no guardar silencio. Si hablas, sanas y te liberas del peso del silencio. En una mochila se guardan más que útiles, desde esta perspectiva, la obra busca profundizar en los motivos por los cuales las y los estudiantes ejercen maltrato, e indaga en algunas de las causas que provocan el silencio de quienes lo sufren.”

Escrita y dirigida por Narváez, el montaje cuenta con las actuaciones de Jhovardy Vences, Daniela Plaza, Emilio Bastré, Erudi Minero y Alejandra Villarruel. La coordinación de producción está a cargo de Kenia Celic; la música y el diseño sonoro son de Jomi Delgado; el diseño de vestuario es de Andrea Larios; el diseño coreográfico de América Basurto; el diseño de escenografía de Isaías Martínez; el diseño de iluminación de Braulio Amadís, y el manejo de objeto de Toztli Abril de Dios. 

¿Qué guardas en tu mochila? Se presenta los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Helénico, hasta el 15 de diciembre de 2024, excepto los días 23 y 24 de noviembre. El boleto tiene un costo de $248 pesos. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en Avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: www.helenico.gob.mx.

Ginna Narváez

Actriz, directora y productora con más de 20 años de experiencia en las artes escénicas, con amplia trayectoria tanto en Colombia como en México. Realizó su maestría en producción artística y marketing cultural en el Instituto Universitario para la Cultura y las Artes (REALIA Veracruz, 2022). Actriz egresada de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas Facultad de Artes Bogotá (2006).

Ha asistido a los talleres permanentes de la maestra Pilar Villanueva (2019-2022) para completar su formación profesional. Fundadora y directora artística de La Productora Teatro en Bogotá (2010-2023). Colabora como productora creativa en:

L.A.S. Laboratorio de Artistas Sostenible de Laura Uribe y Sabina Aldana, Soy Pájaro A.C. de Josafat Aguilar, Exterior Dos de Katia Castañeda y Mudita Producciones de Andrea Larios, todas ellas compañías mexicanas (2019-2023).

*Producción teatral nacional realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (Efiartes).

Redacción

• Con la dramaturgia y dirección de Anacarsis Ramos, es un montaje de una lógica radical, neurodivergente y queer 

• Ofrecerá 10 funciones, del 29 de noviembre al 15 de diciembre, en el Foro de las Artes 

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presenta

Jodidxs, una puesta en escena con personajes que forman parte de una generación que reclama las promesas que le hicieron sus padres sobre el amor, el dinero y la felicidad. Tendrá funciones del 29 de noviembre al 15 de diciembre, en el Foro de las Artes. 

En el marco de las celebraciones por los 30 años del Cenart, esta obra que cuenta con la dramaturgia y dirección de Anacarsis Ramos retoma un diario de depresión en pandemia, una historia familiar de locura, reflexiones sobre

Happy Days de Samuel Beckett y el personaje de Calamardo Tentáculos de Bob Esponja. 

Con materiales personales, Jodidxs crea conexiones con referentes transgeneracionales de la literatura y televisión con el objetivo de dislocar las estructuras narrativas clásicas y crear una lógica propia cercana a la experiencia de vivir con trastorno de déficit atención. 

Apoyada en la interdisciplina, genera un mundo ficcional con una lógica propia radical, neurodivergente y queer que desafía, desde los recursos de la teatralidad, las lógicas y formas de representación binarias y capacitistas del mundo capitalista. 

Jodidxs juega con los temas que nos persiguen como generación: la precariedad económica permanente, la explotación laboral, el fracaso artístico, la gentrificación, el capacitismo, la imposición capitalista de estar “sanos”, ser “responsables” y “felices”, la reducción de espacios públicos para el encuentro humano y la gestión emocional en las redes sociales. 

Todo hilado por una trama de depresión, una fuerza corrosiva que evidencia las contradicciones del sistema y las heridas que deja el trabajo en el cuerpo. La danza, la apropiación pop y el video crean una utopía escénica: el teatro como un espacio de comunidad donde compartir el dolor. 

Con un elenco conformado por Erik Gutiérrez Otto, Daniela Luque, Lilie Khavetz, Santiago Villalpando y Daniel Berthier, el montaje se estrenó en enero del 2023 en el Teatro El Milagro. Cuenta con la música original y el diseño sonoro de Isay Ramírez y la coreografía de Ricardo Daniel. 

Jodidxs ofrecerá 10 funciones en el Foro de las Artes, del 29 de noviembre al 15 de diciembre (excepto el 12 de diciembre), los jueves y viernes, a las 19:30 h; sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h. Los boletos tienen un costo de $150 pesos, con promoción “Jueves de $30 pesos” y 2x1 comprando los miércoles en la página  cenart.comprarboletos.com y los viernes en taquillas. Para más información consulta la página www.cenart.gob.mx 

Redacción

Un montaje que, a lo largo de una década, ha conmovido al público mexicano y se ha consolidado como una de las historias de amor favoritas de las audiencias. Foto: María José Alos.

Un montaje que, a lo largo de una década, ha conmovido al público mexicano y se ha consolidado como una de las historias de amor favoritas de las audiencias. Foto: María José Alos.

La obra narra la historia de dos niños que la vida pone frente a frente para crecer, acompañarse y amarse hasta en la muerte

Este año, Sofía Sylwin regresa a la obra para protagonizar, junto con Adrián Vázquez, este entrañable trama de amor

Una obra que marcará un antes y un después en tu corazón

A través de una entrañable narrativa que transporta a un rincón de México donde los momentos más simples (como los juegos de la infancia, el primer amor, las canciones de mamá y la tranquilidad de un río) se entrelazan con los más difíciles (como la pérdida y la violencia), la compañía Los Tristes Tigres regresa al Teatro Helénico para presentar Wenses y Lala: puesta en escena —escrita y dirigida por Adrián Vázquez— que estará en temporada del 31 de octubre al 10 de noviembre en el Teatro Helénico.

Se trata de un montaje que, a lo largo de una década, ha conmovido al público mexicano y se ha consolidado como una de las historias de amor favoritas de las audiencias. Después de cinco años, regresa al Centro Cultural Helénico para celebrar su décimo aniversario, coincidiendo por su temática con la festividad del Día de Muertos. 

Este año, Sofía Sylwin regresa a la obra para protagonizar, junto con Adrián Vázquez, la historia de dos almas gemelas que desde la infancia crecieron juntas, enfrentaron la adversidad y mantuvieron su optimismo hasta el final. 

Para la producción, esta oda a la vida, el amor y los recuerdos habita en una atractiva atemporalidad, lo que permite que la trama se sitúe en cualquier momento de nuestras vidas o en la de quienes conocemos. Es un relato de amor que ni la muerte puede apagar, con personajes que no son de lágrimas. Wenses es un hombre valiente, de fuertes convicciones, tímido y callado, pero con sentimientos abrasadores como los del ojo de una tormenta en silencio. Lala, por su parte, es una mujer maravillosa, vivaz, alegre y entregada, con un ímpetu por la vida que enamora.

Cosechando éxitos con funciones agotadas temporada tras temporada, Wenses y Lala, entre risas y lágrimas, invita a valorar lo que realmente importa y a mantener vivos en la memoria a quienes ya no están con nosotros. A propósito de ello, Adrián Vázquez comenta: “Es increíble lo que ha crecido la obra a lo largo de estos diez años, cada función sigue siendo un nuevo reto y una nueva oportunidad para conectar con el espectador. Este año, la talentosa Sofía Sylwin le da un giro fresco y emotivo al personaje de Lala, aportándole nuevos matices a este montaje que ha dejado huella en miles de espectadores”.

Conforman el equipo creativo: Adrián Vázquez en la dramaturgia, dirección, escenografía e iluminación; Carlos Patrick Casanova en la asistencia de dirección; Humberto Escobar en el stage management; El Grupo en el vestuario; Nissiel Ceballos, en colaboración con NC Music, en la música original; Sandra Narváez en la difusión y relaciones públicas; y Mónica Aline Vega y Carlos Patrick Casanova en la producción ejecutiva. Esta es una producción de Los Tristes Tigres.

Wenses y Lala se presentará únicamente del 31 de octubre al 10 de noviembre de 2024 en el Teatro Helénico: los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas. El costo del boleto es de $410. Actualmente, hay una preventa del 50% de descuento válida hasta el 30 de octubre. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información, en mexicoescultura.com y en la página de internet www.helenico.gob.mx.

Ciudad de México, octubre de 2024 – El Teatro Helénico presenta por primera vez en su historia un espectáculo de magia: *La Desilusión de la Ilusión*. Este innovador show combina teatro, música en vivo, comedia e ilusionismo para contar una historia profundamente humana y asombrosa. El protagonista es un mago en busca del verdadero sentido de su magia, atravesando momentos de humor y reflexión en su viaje.

Creado y dirigido por Carlos Rentov y Javier Rendón Tovar (también intérprete como el “Mago Javy Poker”), el espectáculo invita al público a explorar la línea entre la fantasía y la realidad, con músicos en vivo como Fores Basura, David Almaga, Carolina Ome Tochtli y Bryan Basuro, alternando funciones.

Esta puesta en escena, disponible del 28 de octubre al 17 de diciembre de 2024, se lleva a cabo los lunes y martes en el Centro Cultural Helénico. No te pierdas una experiencia mágica que promete reír, sorprender y emocionar en cada acto.

Redacción

Obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2023    

Autoría de Patricia Martínez Pedreguera, bajo la dirección de Paula Watson, y la participación del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro

Una coproducción más entre el CCHelénico y la CNT. Juntos suman una lista de montajes exitosos que continúan promoviendo las nuevas voces de la escritura y la dirección escénica

El problema con el polvo que deja un derrumbe, es que siempre quedará algún rastro

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en conjunto con la Compañía Nacional de Teatro (CNT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), llevarán a cabo el 2  al 31 de octubre la temporada de la obra Sobre el sonido de un derrumbe —texto acreedor del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2023– de Patricia Martínez Pedreguera, dirigida por Paula Watson en el Foro La Gruta. 

Drama que gira alrededor de una familia que vive en una misma casa y que, desde hace tiempo, oculta un secreto. Las juventudes de esta familia —el primogénito Emiliano, la hermana Cata y el primo Víctor—  intuyen constantemente que algo se esconde. A través de una serie de provocaciones en forma de anécdotas, recuerdos y cuestionamientos, el público percibirá cómo estas omisiones afectan las dinámicas, las relaciones y la historia de un grupo de personas que se niega a enfrentar la verdad. 

¿Por qué hay heridas de las que no se habla? ¿Cómo podemos confrontarnos a nosotros mismos? ¿De qué manera sobrellevar el tabú y la incomodidad? Son algunas de las preguntas que plantea esta puesta en escena, en la cual se explora el potencial corrosivo de los secretos, y los pactos de silencio generados a partir de todo lo que se calla. 

En línea con esta visión, la dramaturgia de Patricia Martínez, opta por alejarse de lo tradicional y juega con todo lo que no está dicho. Este montaje es resultado de un proceso de interpretación y descubrimiento de la trama y de sus protagonistas por parte de todo el elenco y el equipo creativo de la obra que fue encauzado por su directora, Paula Watson.

Su directora explica: “el texto no dice tal cual lo que pasó; todo está sugerido. Es una forma muy brillante de Patricia en su estructura. Son textos contemporáneos que traen su propio aliento y su propia investigación. Las cosas cambian y estas son voces importantes. La juventud es importante. Son miradas distintas de realidad y percepción”. 

Al tiempo que sus personajes callan, una horda de sonidos cruza el texto de Patricia a manera de columnas, bloques y cascadas de resonancia. “La intención es hablar de los sonidos, para hablar de los silencios”, apunta la dramaturga, quien subraya su gusto por explorar en sus obras la sonoridad del texto y  de los diálogos, imaginándose cómo serían escuchados en el escenario. Y añade: “Creo que es la búsqueda de la voz de una generación y de los temas que necesitamos hablar. La historia, al final se vuelve un vehículo para tocar esas heridas”.

Sobre el sonido de un derrumbe, es una coproducción del Centro Cultural Helénico y la Compañía Nacional de Teatro y contará con la participación de las y los miembros del elenco estable de la CNT: Jesús Hernández (actor emérito), Laura Padilla, Pedro Martínez Arredondo, Amanda Schmelz, Medín Villatoro, Estefanía Norato y Gustavo Schaar.

Con dirección de arte de Kay Pérez, diseño de escenografía de Anabel Altamirano, diseño de iluminación de Melisa Värish y diseño de vestuario de Libertad Mardel. La música original y el diseño sonoro están a cargo de Yurief Nieves y Edwin Tovar (músicos residentes de la CNT); con Michel de León como asistente de dirección; Bryant Pineda como asesor de coreografía y movimiento; asesoría en combate de Alan Uribe Villarruel; producción ejecutiva de Paloma de la Riva; asistencia de producción de Ixchel Flores Machorro, así como David Lynn en la coordinación de producción.

Cabe destacar que para este nuevo proyecto ambas instancias, comprometidas en impulsar acciones de sustentabilidad, han incluido en la producción la reutilización de algunos materiales, con la intención de reciclar piezas que han podido ser usadas tanto para la construcción del dispositivo escenográfico, como para la elaboración de objetos de utilería y prendas de vestuario. 

Sobre el sonido de un derrumbe se presentará los miércoles y jueves a las 20 h, del 2 al 31 de octubre de 2024, en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico. El costo del boleto es de $155. Actualmente hay una preventa del 30% hasta el 1 de octubre. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: www.helenico.gob.mx.

Por Christopher Blanco

El pasado martes 24 de septiembre, el espacio Cracovia 32 en San Ángel fue el escenario del estreno del espectáculo unipersonal *Improvísame otra vez este cuento al revés*, una creación original de Hania Jiménez bajo la dirección de Pilar Villanueva. En esta propuesta escénica, el público fue testigo de un juego entre la narración oral, la improvisación y el verso, en donde las palabras, los significados y la poesía se entrelazaron de manera única.

Un espectáculo interactivo e ingenioso

Este montaje destaca por su carácter interactivo, ya que el público tuvo un rol crucial en la construcción de las historias al aportar palabras clave que la intérprete, Hania Jiménez, transformaba en versos y relatos improvisados en el momento. Esta combinación de la palabra como herramienta artesanal y el virtuosismo de la improvisación permitió a los espectadores ser partícipes de la creación, haciendo de cada función una experiencia irrepetible.

El espectáculo se mueve entre la poesía, los juegos de palabras y las figuras retóricas, explorando el poder del lenguaje de una manera lúdica. Desde anuncios de mercado hasta cuartetas glosadas, Jiménez ofreció una experiencia para los amantes de las letras, mientras invitaba a aquellos aún no conquistados por las palabras a enamorarse de su magia.

Talento detrás del escenario

Además de la destacada actuación de Jiménez, el espectáculo contó con la dirección de Pilar Villanueva, quien aportó su vasta experiencia en improvisación y teoría dramática para llevar esta propuesta a su máxima expresión. El equipo creativo incluye a expertos en diversas disciplinas, como Adrián Chávez en la asesoría lingüística, Ana Zarina Palafox en el verso improvisado, y un talentoso equipo de producción que colaboró para hacer de este un evento memorable.

Unipersonal para los apasionados de las letras

Improvísame otra vez este cuento al revés es un espectáculo que celebra el poder de la palabra, la improvisación y la interacción con el público. Hania Jiménez, con su amor por las letras y su dominio del escenario, invita a los asistentes a dejarse llevar por la creatividad y a participar en la creación de historias que solo existen en el momento. Para quienes buscan una experiencia escénica fresca y diferente, esta es una cita imperdible.

Este espectáculo es una muestra del talento emergente en la escena teatral mexicana y promete seguir cautivando al público en sus próximas funciones.

Próximas funciones y detalles

Consulta más información sobre futuras funciones y detalles adicionales en https://drive.google.com/file/d/1Y7RQ5tzylAC3rZeKKtvSk1fd-fu_Uzil/view

Redacción

• Una obra de tipo documental que narra la situación durante las dictaduras militares que asolaron el territorio argentino en el siglo XX 

• Escrita y dirigida por Martín López Brie  

• Del 23 de septiembre al 5 de noviembre de 2024

Recordar es una forma de resistir

El Foro La Gruta recibe la puesta en escena: Nombres de combate, una obra de teatro documental que parte de los testimonios de una familia alrededor de sus militancias políticas y artísticas durante la dictadura militar argentina; estos testimonios forman un collage escénico que se compone con videos e imágenes de archivo, tanto de la familia como del momento histórico relatado. Un montaje de Teatro de Quimeras que se presentará los lunes y martes del 23 de septiembre al 5 de noviembre de 2024.

Enrique Arreola, Gabriela Gallardo, Sofía Beatriz López y Gastón Yanes prestan su cuerpo y su voz a los testimonios de cuatro familiares de Martín López Brie, director y dramaturgo de este proyecto escénico. Juntos, ensayan un juego de acciones poéticas a partir de los restos de las infancias perdidas: piedras de río, juguetes, fotografías, libros y videos documentales que conforman el paisaje del relato. Las voces rastrean no sólo la memoria, sino también lo que ha quedado, aquello que aún resuena en el presente: dolores y frustraciones, pero también afectos y convicciones. 

Se trata de un relato de supervivencia, lealtad, amistad y convicciones compartidas. Pero, sobre todo, de afectos que sostienen y apuestan por la vida en circunstancias adversas. 

A propósito de la puesta en escena, Martín López Brie apunta: “en un momento donde la ultraderecha internacional, los fascismos y la guerra vuelven a tender su amenaza sobre el mundo con sus discursos de odio y prácticas violentas, esta obra retoma las voces y experiencias de aquellos que sufrieron en carne propia estas mismas violencias en otros tiempos no tan lejanos, hablando no desde la amargura, sino desde el cariño que sostiene la vida. Hoy en día, cuando un presidente como Javier Milei destruye la Argentina, aquí se recuerda (se vuelve a pasar por el corazón) a quienes lucharon por la justicia social y creyeron que un mundo mejor es posible”. 

El equipo creativo está integrado por Martín López Brie en la autoría y la dirección; Fabiola Bassoco en la escenografía; Mike Brie y Pablo Brie en la música; y Óscar Montiel en el video. Por otro lado, el elenco lo conforman: Enrique Arreola, Gabriela Gallardo, Sofía Beatriz López y Gastón Yanes.

Nombres de combate se presentará del 23 de septiembre al 5 de noviembre, los lunes y martes a las 20:00 h, en el Foro La Gruta.  El costo del boleto es de $248. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, y en la página de internet www.helenico.gob.mx.

Por Christopher Blanco

La obra Octubre terminó hace mucho tiempo, con texto de Pilar Campesino (+) y dirección de Enrique Vega, nos transporta al turbulento México de 1968, un año crucial marcado por la represión y el despertar social. Con una producción a cargo de Brenda y Kristel González, esta puesta en escena nos sumerge en la vida de Mario y Elena, una pareja que lucha por encontrar sentido a su existencia en medio de un país al borde del colapso.

La obra sigue a Mario y Elena, quienes, entre drogas y recuerdos, tratan de navegar por una realidad plagada de censura, pobreza y un sistema que parece estar en su contra. A través de su relación, se revela la profunda división en la sociedad mexicana de la época: un país con valores conservadores y una juventud que se levantaba contra la opresión.

1968: Un México entre dos mundos

El contexto de 1968 no solo en México, sino en todo el mundo, fue de transformaciones radicales. En el país, mientras la mayoría de la sociedad se mantenía aferrada a valores tradicionales y conservadores, una nueva generación de jóvenes, inspirados por movimientos estudiantiles globales, comenzaba a exigir derechos y libertades. Estos estudiantes, catalizadores del descontento social, se enfrentaron a un gobierno represivo decidido a mantener el control antes de los Juegos Olímpicos.

La relación de Mario y Elena en *Octubre terminó hace mucho tiempo* se convierte en una metáfora de esta tensión social, donde cada uno representa lados opuestos del conflicto. Mientras uno se deja arrastrar por el movimiento estudiantil, el otro se mantiene al margen, reflejando la división que vivió el país en esos días de represión brutal.

Ecos del pasado que siguen resonando

La obra no solo es un retrato histórico, sino una reflexión sobre el México contemporáneo. Los ecos de 1968, con sus promesas incumplidas y heridas abiertas, siguen presentes en la nación. La obra, a través de su narrativa cruda y poética, nos recuerda que las luchas por la libertad y los derechos humanos no han terminado.

Con un elenco talentoso y una propuesta escénica que fusiona lo íntimo con lo político, *Octubre terminó hace mucho tiempo* invita al espectador a reflexionar sobre el pasado y el presente, recordándonos que las cicatrices de 1968 aún no se han cerrado.

Esta obra es una cita imperdible para aquellos que buscan un teatro comprometido, lleno de historia, emoción y relevancia social.

Por Nayeli Escalera

Del 20 de septiembre al 6 de octubre, el escenario se vestirá de duelo para presentar *Los Funerales de Papá*, una obra de Emma Malacara bajo la dirección de Micaela Gramajo. Este montaje propone un viaje introspectivo hacia la figura del padre, una exploración profunda de las emociones que surgen a partir de su ausencia y el misterio que rodea su vida.

La pieza, escrita y protagonizada por Malacara, enfrenta de manera frontal las preguntas que los hijos a menudo no pueden hacer a un padre en vida. En lugar de un relato lineal, *Los Funerales de Papá* es un espacio donde la muerte se repite, y cada noche surge una nueva interpretación del enigma paternal. A través del personaje de "Papá Trapo", el público es invitado a observar cómo se desdoblan las múltiples facetas del padre: ¿es una figura real o una construcción imaginaria?

Elenco y equipo creativo

Con un equipo encabezado por Emma Malacara en la dramaturgia y la actuación, la dirección de Micaela Gramajo da vida a esta obra que busca más que una despedida; es un intento de entender lo incomprensible. La producción está a cargo de Un Tropel, mientras que Arantza Durand asume la producción ejecutiva. Manuel Cruz Vivas se encarga de la edición de video y el registro visual, y la realización del intrigante personaje de "Papá Trapo" fue posible gracias a Toztli Godinez de Dios.

Una obra que cuestiona y desafía

En *Los Funerales de Papá*, la relación entre la verdad, la ficción y el recuerdo se explora de manera creativa e inusual, con el humor negro y la tragicomedia como compañeros esenciales. La obra no solo invita al espectador a reflexionar sobre su relación con sus padres, sino también a cuestionar las narrativas familiares y el proceso de duelo.

El costo de entrada es de 180 pesos, con descuentos para estudiantes, comunidad UAM, y personas mayores de INAPAM. Las funciones tendrán lugar los viernes a las 20 h, sábados a las 19 h y domingos a las 18 h.

Un espectáculo que, sin duda, resonará con quienes buscan en el teatro una forma de procesar emociones complejas, *Los Funerales de Papá* ofrece una experiencia que va más allá de lo tradicional, llevando a los asistentes a un espacio donde la muerte y la vida se entrelazan en cada escena.

Redacción

• Es un rompecabezas escénico con tintes de clown que además aborda la demencia senil 

• Ofrecerá temporada del viernes 20 al domingo 29 de septiembre, en el Teatro de las Artes 

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presenta la puesta en escena Lun, en la que una niña de 4 años reflexiona sobre el sentido de la existencia humana y la memoria. Tendrá funciones del 20 al 29 de septiembre, en el Teatro de las Artes. 

Lun es una niña que posee tal sabiduría que pareciera una persona mayor. En su camino, conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le harán reflexionar ¿qué es eso de la existencia? 

En el marco de las celebraciones por los 30 años del Cenart, llega esta obra onírica, a manera de rompecabezas escénico, que toma vuelo hacia lo metafórico y que aborda un tema más profundo: la demencia y la pérdida de la memoria que viven algunas personas al envejecer. 

Se trata de una puesta en escena con una variedad de temas complejos y que busca llevar al público a reflexionar sobre la importancia de la empatía, la paciencia y la tolerancia hacia aquellas personas que transitan la demencia senil o Alzheimer y para quienes los acompañan en el proceso. 

A cargo de la compañía Pamplinas Teatro, que está conformada por actrices y actores egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), Lun toma algunos aspectos típicos del clown, como la falta de la cuarta pared y la construcción de personajes de manera fantástica y excéntrica, para exponer la perdida de la inocencia que algunas personas pasan al vivir un trauma en su infancia y cómo estos oscuros recuerdos escondidos salen a luz en algún momento de la vida. 

El objetivo de Lun es que las personas asistentes se conmuevan con la fragilidad de la protagonista, pero también con la suya y la de la humanidad entera, presentar entrañables personajes y dejar el mensaje de la importancia del “amor bonito” en un mundo tan violento. 

Con la dirección de Jesús Chucho Díaz y la dramaturgia de Valeria Fabbri, esta puesta en escena es protagonizada por la actriz Félix Vanessa, quien recibió el premio a Revelación Femenina por la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT), en 2023. 

Lun se presentará en el Teatro de las Artes, del 20 al 29 de septiembre, con funciones los jueves y viernes, a las 20:00 h; sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h. Los boletos tienen un costo de $150 pesos, con promoción de Jueves de 30 pesos y 2x1

 los miércoles comprando a través de la página cenart.comprarboletos.com; y los viernes en taquillas. Para más información consulta www.cenart.gob.mx

Redacción

• La puesta en escena, dirigida a adolescentes, es un homenaje a todas las personas que siguen buscando a quienes faltan; una obra escrita por Mariana Reskala, dirigida por Ricardo Rodríguez y protagonizada por Patricia Soto y Teté Espinoza

• Se presentará del 7 de septiembre al 20 de octubre de 2024 en el Foro La Gruta; actualmente hay una preventa del 50% válida hasta el 6 de septiembre

Está prohibido mirar el cielo

Desde el punto de vista de una joven que persigue el rastro de su papá, llega al Foro La Gruta: El día que las estrellas dejaron de brillar, un texto de Mariana Reskala dirigido por Ricardo Rodríguez, que aborda el tema de las desapariciones forzadas. La puesta en escena se escenificará los fines de semana del 7 de septiembre al 20 de octubre a las 13 horas.

Un drama que relata la historia de una niña que, después de la desaparición de su padre —por una supuesta abducción extraterrestre— emprende una búsqueda para encontrarlo y descubre que no fue raptado por seres de otro mundo, sino por algo más humano y aterrador de lo que se imagina. 

Protagonizada por Teté Espinoza y Patricia Soto, la obra es descrita por su producción como una constante búsqueda de la figura paterna y de las pérdidas que se viven a causa de la violencia que perdura en el país. Indaga en el sentir que deja la persona ausente y cómo esta transforma irremediablemente el entorno social.

La dirección apuesta a contar una historia utilizando el mínimo de elementos teatrales, apostando así por la actoralidad y la imaginación del espectador. La obra refleja los sinsabores de una generación que ha visto rotas sus ilusiones a causa de la sombra de la violencia.

El equipo creativo es integrado por la dramaturgia de Mariana Reskala; la dirección de Ricardo Rodríguez; la iluminación y escenografía de Sergio López Vigueras; la producción de Patricia Soto y Mariana Reskala; y el talento en escena de Teté Espinoza y Patricia Soto; la música original de Yayo Villegas; la asistencia de dirección a cargo de Mariana Reskala; la asistencia de producción por Julia Palomeque, y el diseño de arte gráfico de Santiago Ulloa.        

El día que las estrellas dejaron de brillar es dirigida a los adolescentes y se presentará del 7 de septiembre al 20 de octubre, los sábados y domingos a las 13:00 horas, en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico. El costo del boleto es de $205. Actualmente hay una preventa del 50% de descuento, válida hasta el 6 de septiembre. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Redacción

Dramaturgia: Samuel Beckett Dirección: Agustín Meza*

*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales 

Viernes, 20 h; sábados y domingos, 18 h Del 6 de septiembre al 20 de octubre, 2024 FORO LA GRUTA • $290 La muerte, el dolor y la risa

Endgame o Fin de partida es el segmento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quién gana y quién pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación, los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor? ¿Jugar? ¿Reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte? 

Fin de partida, de la Compañía de Teatro El Ghetto, llega como testimonio y celebración de 22 años del estreno de Esperando a Godot, de Samuel Beckett, puesta en escena emblemática del grupo fundado por Agustín Meza, que significó una arriesgada y rigurosa exploración de la ritualidad en el teatro y, a la vez, de la matriz renovadora de la escena a mitad del siglo XX. Esta obra que se dio a conocer mundialmente en Francia en 1953 y en México en 1955, se ha mantenido como un referente insoslayable después de la Segunda Guerra Mundial. 

Ahora, con Fin de partida, publicada en 1957, Meza cierra un círculo y abre otro en su trayectoria. ¿Son los clásicos cifras simbólicas de la complejidad de la condición humana? Si es así, mientras más hondo se anclan en los dilemas de la existencia de nuestra especie, más trascienden su época. 

Lo que estás a punto de ver, espectador, espectadora, es una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza donde el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es también la indagación en la esencia del drama. 

Cada vuelta del día, como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados, en medio de un pasaje devastado, como el de los sobrevivientes del nazismo, los crímenes del régimen soviético y el enfrentamiento bélico de las naciones, no saben si es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio? ¿Cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola? 

Luz Emilia Aguilar Z

Redacción

• Se trata de una compañía mexicana generadora de proyectos escénicos que se han convertido en punto de referencia para la vanguardia teatral latinoamericana

• Escrita por Mónica Hoth y Claudio Valdés Kuri, que invita al público a explorar cómo los pensamientos son capaces de influir en la realidad

• Del 30 de agosto al 13 de octubre de 2024, con una preventa del 30% válida hasta el 29 de agosto

Una disertación científico-escénica-musical

Inspirada en el pensamiento del Doctor Ervin László, uno de los filósofos de la ciencia más reconocidos a nivel mundial y dos veces nominado al Premio Nobel, la compañía Teatro de Ciertos Habitantes trae a escena: La fábula del todo, una obra de Mónica Hoth, con la coautoría y dirección de Claudio Valdés Kuri, que retrata cómo la comunidad de un bachillerato utilizará principios avanzados de física cuántica, cosmología, biología y neurociencia para evitar el cierre de su escuela. La puesta en escena tendrá temporada en el Teatro Helénico del 30 de agosto al 13 de octubre.

Se trata de un espectáculo que, de acuerdo con su producción, invita a las y los espectadores a explorar cómo los pensamientos pueden cambiar el mundo, a que reconozcan su propio poder y comprendan la decisiva influencia de sus pensamientos en todas las manifestaciones y sucesos que les rodean en el mundo físico.

El montaje combina teatro, música y movimiento para desvelar la existencia de un campo de información universal, un concepto revolucionario que explica el origen de las manifestaciones físicas e integra la experiencia humana y la conciencia.

La historia se sitúa en la escuela preparatoria Corazón de Jesús Borraz Moreno, un lugar lleno de jóvenes rechazados por otros planteles. Cuando la escuela enfrenta la amenaza de cierre definitivo debido a su bajo desempeño, maestros y estudiantes unen fuerzas para salvarla, usando conceptos que han aprendido en las aulas. Con el fantasma de Borraz Moreno y su misteriosa marimba como trasfondo, esta narrativa inspiradora y llena de ciencia muestra de qué manera las ideas pueden incidir en la materia y cambiar el destino.

El elenco está conformado por Carolina Blanco, Emiliano Campos, Xóchitl Galindres, Alexis García, Abril Ramos Xochiteotzin y Rodrigo Vázquez Maya. La producción está a cargo de Rodrigo Vázquez Maya; con diseño de movimiento de Vladimir Rodríguez; iluminación de Sergio Écatl; vestuario de Jimena Fernández; música original de Paul Barker, y arreglos musicales de Julio Gándara.

La compañía Teatro de Ciertos Habitantes, fundada en 1997, ha construido una trayectoria única con miles de horas de laboratorio y producciones aclamadas internacionalmente. Este icónico colectivo se ha presentado en más de 200 ciudades de los cinco continentes, en los festivales y teatros más prestigiosos, así como en comunidades remotas, siempre buscando la renovación y enfrentando nuevos retos.

La fábula del todo* se escenificará del 30 de agosto al 13 de octubre de 2024, con funciones los viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Helénico.  El costo de los boletos es de $185. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento, válida hasta el 29 de agosto. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

Redacción

• Presenta FIÚ-FIÚ. Cómo ser clown sin dejar de ser mujer

• A cargo de la compañía Sopa de Clown, ofrecerá temporada del 24 de agosto al 13 de septiembre

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presenta el espectáculo FIÚ-FIÚ. Cómo ser clown sin dejar de ser mujer, que ofrecerá funciones del 24 de agosto al 13 de septiembre, en el Foro de las Artes.

En el marco de las celebraciones por los 30 años del Cenart, esta puesta en escena de la compañía Sopa de Clown utiliza diversos elementos, como la risa y lo burlesco para reflexionar sobre los estereotipos de género que atraviesan a las mujeres y al mundo femenino. 

Tita y Nubi, interpretadas por Nubia Alfonso y Anamaría Moctezuma, salen de un biombo que recuerda a las muñecas de papel para recortar y, sin hacer uso de la palabra, recrean de manera divertida e ingeniosa diversos escenarios en torno a estereotipos de género y temas como la belleza, la pareja, la bulimia, la seducción y la autoestima. 

Con lo absurdo del clown y los elementos dramáticos que lo componen, se crea un espacio de reflexión sobre los arquetipos que con el tiempo han pretendido definir a las mujeres y sus vidas.

El nombre del espectáculo, FIÚ-FIÚ, es resultado de la onomatopeya que detona de la primera escena de la obra, en la que las protagonistas aparecen en el escenario jugando con un par de tacones. 

FIÚ-FIÚ. Cómo ser clown sin dejar de ser mujer es el cuarto espectáculo de la compañía Sopa de Clown, por el cual fueron seleccionadas por la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal) para formar parte de su Primer Ciclo de Teatro Clown.

Desde entonces, el espectáculo se ha presentado en diversos escenarios de la Ciudad de México y del país, e incluso ha llegado a otros países como Argentina, donde formó parte del “Festival Patacómico” y del mes dedicado a la cultura mexicana.

Sopa de Clown se formó en 2005 con el objetivo de contar historias desde el mundo del clown. Su estilo se caracteriza por no utilizar palabras, por ello sus montajes son titulados por medio de onomatopeyas: Click espectáculo para clowns y cámara fotográfica; Ding-Dong-Dang, obra basada en las tradiciones decembrinas; Ups, un montaje dirigido a adolescentes; FIÚ-FIÚ. Cómo ser clown sin dejar de ser mujer, que aborda el mundo femenino; y CRASH. Espectáculo ecoloclown, donde el tema es la sustentabilidad.

FIÚ-FIÚ. Cómo ser clown sin dejar de ser mujer tendrá temporada en el Foro de las Artes del 24 de agosto al 13 de septiembre, los jueves y viernes, a las 20:00 h; sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h. Los boletos tienen un costo de $150 pesos, con promoción de jueves de $30 pesos y 2x1 comprando los miércoles a través de la página cenart.comprarboletos.com; y viernes en taquillas. Para más información consulta www.cenart.gob.mx.

Redacción

Este montaje de Mierda Bonita Producciones ofrece temporada de viernes a domingo hasta el 25 de agosto en el Teatro Casa de la Paz.  

Esta puesta en escena se estrenó después de más de dos años de investigación multimedia y teatral sobre un tema que atraviesa a la sociedad: las caricaturas.

Dibujos animados para no sentir dolor es una obra que invita a la reflexión sobre cómo las caricaturas de nuestra infancia han moldeado nuestra percepción del mundo y cómo, a través de la sátira y el humor negro, podemos cuestionar y reinterpretar nuestras experiencias y expectativas adultas. Esta obra promete ser un viaje surreal y a la vez crítico.

Mierda Bonita Producciones y el Centro Cultural y Académico Teatro Casa de la Paz, presentan la puesta en escena Dibujos animados para no sentir dolor, con dramaturgia y dirección a cargo de Vera Rivas y las actuaciones de Mariana Batista, Diego Martínez Villa y Omar Silva.

Su corta temporada será de viernes a domingo hasta el 25 de agosto, con funciones los viernes a las 20:00 horas, los sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas, en el Teatro Casa de la Paz. La cuota de recuperación es de 180 pesos entrada general con descuento de 90 pesos para estudiantes, personas con credencial de INAPAM y comunidad UAM.

Esta puesta en escena es un viaje por los tártaros de la adultez, pero visto y habitado por algunos seres surreales que veíamos en la televisión y que buscan sacudirnos la apatía de lo cotidiano para cuestionar los conceptos que construyen la idea de autorrealización en el mundo. ¿Qué pensábamos del amor, de la utopía, la política, el arte, el éxito y lo espiritual cuando niños? ¿Y cómo lo hacemos hoy? Seis caricaturas donde la sátira, la acidez y el humor negro nos invitan a repensar el mundo que damos por sentado, evidenciando sus incoherencias y disparates.

“Esta puesta en escena parte de una premisa muy concreta: las caricaturas como medio de exposición de nuestras incongruencias en los mecanismos de búsqueda de sentido y convivio social. El texto, absurdo y cómico, se revela de a poco contra instituciones y estructuras morales defectuosas que hemos normalizado y, a veces, hasta aplaudido. Los dibujos animados siempre han sido disruptivos en su forma tan gráfica, nihilista, y sencilla de evidenciar su mundo, su época y su gente”, compartió el dramaturgo y director, Vera Rivas.

Las también llamadas caricaturas han sido herramienta de control por su accesibilidad y amable virtud de edulcorar temáticas complejas y de gravedad.

En más de una ocasión nos han mostrado que no son solo divertimento infantil, sino una elaboradísima construcción de símbolos, narrativas y discursos. Me gusta la idea de recuperar las caricaturas para evidenciar nuestros absurdos y sinsentidos que llevamos acarreando desde el siglo XX.

Dibujos animados para no sentir dolor es una celebración a nuestra inocencia infantil y nuestros absurdos adultos, pero, sobre todo, es la posibilidad de reírnos de nosotros mismos. ¿Cómo sería la vida de haber hecho caso a las caricaturas de la infancia cuando nos advertían del futuro y del mundo adulto?”, continuó el director de escena. 

“Este es un espectáculo de teatro físico y multimedia que propone un mundo cómico y fantástico. Si bien la temática de sus viñetas: la congruencia política, el mercado del arte, el consumismo voraz, la capitalización espiritual, la educación autoritaria y la idealización amor; son espesas y complejas, nos servimos del absurdo y el humor ácido para su tratamiento y exposición”, finalizó Vera Rivas.

La producción ejecutiva estuvo a cargo de Yuly Moscosa, la colaboración en dirección y diseño de movimiento fue de Karla Rosales, el diseño escenográfico e iluminación es de Sara Alcantar, el diseño y realización de vestuario de Valeria Montero, el diseño y programación multimedia de César René Pérez (lcn escena) y la asesoría en manipulación de títeres de Paolina Orta.

Fechas y Horarios:

Del 05 de agosto al 10 de septiembre de 2024

Lunes y martes, de 20:00 a 21:20 hrs

Teatro Helénico

Sobre la Obra:

Tragicomedia Contemporánea:

"Schrödinger", escrita y dirigida por César Chagolla, fue finalista del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo en 2019. Esta obra es una tragicomedia que profundiza en las consecuencias individuales y sociales del dolor de una familia ante la desaparición de un ser querido.

Argumento:

La trama gira en torno a Soco, quien sirve la cena cada noche esperando el regreso de su hijo desaparecido. La rutina congelada en el tiempo refleja la mezcla de esperanza, incertidumbre y el dolor de una familia que se quiebra como la porcelana. La obra cuestiona cómo es posible vivir el duelo de una pérdida que no termina por ser tal, utilizando la paradoja del gato de Schrödinger como metáfora central.

Paradoja de Schrödinger:

La obra toma inspiración de la paradoja del físico Erwin Schrödinger, donde un gato puede estar vivo y muerto al mismo tiempo debido a un estado de superposición. De manera similar, para quienes esperan a una persona desaparecida, esta permanece en un estado indefinido, tanto viva como muerta, lo que complica el proceso de duelo.

Producción y Elenco:

Con un elenco integrado por Gabriela Nuñez, Luis Miguel Lombana, Raúl Andrade y Jorge Rojas, la obra se destaca por su apuesta actoral, lumínica y sonora vanguardista, buscando ofrecer una experiencia sensorial completa al espectador. "Schrödinger" es una coproducción de PHOBOS TEATRO, IM PRODUCCIONES e Ivonne Márquez, y cuenta con el apoyo de la Dirección de Jóvenes de la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes a través de la Coordinación Nacional de Teatro.

Sobre PHOBOS TEATRO:

La compañía PHOBOS TEATRO, creada en septiembre de 2019 por César Chagolla, se enfoca en proyectos con temáticas de impacto social que exploran los límites físicos y psíquicos del intérprete. La compañía busca generar propuestas estéticas en espacios poco convencionales, priorizando el talento joven.

Este proyecto ha sido beneficiario del PECDA Michoacán del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, mostrando su relevancia y apoyo en el ámbito cultural y artístico.

Variaciones Schrödinger no solo es una obra teatral, sino un reflejo del dolor y la incertidumbre que viven muchas familias en México debido a las desapariciones forzadas. Con su enfoque crítico y su propuesta sensorial, la obra promete ser una experiencia conmovedora y reflexiva. No te pierdas esta oportunidad de ver una representación impactante en el Teatro Helénico.

Redacción

Performance sobre el autoentendimiento de un actor

• Una comedia de humor ácido que utiliza el cuerpo, el cine en miniatura y el autorretrato para invitar al espectador a convivir con los monstruos mentales

• Unipersonal de José Antonio Becerril

• Del 24 de julio al 29 de agosto de 2024; preventa del 50% hasta el 24 de julio 

Una paradoja del creador para descubrir el horror de su propia obra

Un viaje escénico, fusión entre la autoficción y la autopsia del yo, se presentará en Un tornillo atraviesa mi cabeza; proyecto de José Antonio Becerril que acogerá el Foro La Gruta, los miércoles y jueves, del 24 de julio al 29 de agosto.

Se trata de un unipersonal que va del exterior al interior; un intento por crear un monstruo al estilo Frankenstein, así como la culminación de un año de investigación respecto a la confrontación del teatro documental que responde a la pregunta: ¿cuál es el dilema ético del creador frente a la obra?.

En este montaje, un actor prepara el ensayo de Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley, en su búsqueda, el acto creativo se le presenta como un espejo de sí mismo. La obra, de acuerdo con su dramaturgo, nos adentra a una mente “electropostpandémica” en la que la brecha entre proceso de creación y resultado se diluye, dejando expuesta una puesta en escena inconclusa con nuestra memoria, frustraciones y deseos; manifestados como aquel monstruo resultante de nuestra indagación por comprender el mundo.

En voz de la producción este proyecto implicó un trabajo de sobrevivencia para seguir respirando, para su proceso, se imitó al doctor Frankenstein y, colaboraron: Vania Muñoz (diseño de multimedia); Fernanda García (diseño de iluminación y escenografía); Isay Ramírez (diseño sonoro); Abril Alejandra (asistencia de producción), y Fátima Méndez (asistencia de dirección).

Un tornillo atraviesa mi cabeza estará los miércoles y jueves a las 20:00 horas en el Foro La Gruta, del 24 de julio al 29 de agosto de 2024. El costo de los boletos es de $205. Actualmente hay una preventa del 50% de descuento, válida hasta el 24 de julio. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Antonio Becerril 

Actor oaxaqueño, egresado del Centro Universitario de Teatro (CUT de la UNAM). Ha participado como actor en más de 30 puestas en escena y ha trabajado con directores como: Luis de Tavira, José Caballero, Mario Espinosa, Boris Schoemann, Martín Acosta, entre otros. Ha dirigido y actuado en sus propios proyectos de la mano de las compañías MotosNinja, La lejana teatro y El Coro de los Otros. Dentro de su quehacer profesional ha incursionado en proyectos de cine y televisión en roles protagónicos como en la serie #YoSoyYo (producida por Canal Once) y el largometraje Estación catorce (escrito y dirigido por Diana Cardozo). Ganador del premio a mejor actor en el Festival Pantalla de Cristal por el cortometraje Dulce alarido. Recientemente acaba de filmar tres largometrajes y una serie para Paramount plus que se estrenarán a finales de este año.

Redacción

Una obra para toda la familia, a cargo de la compañía Hasta la China, bajo la dirección y traducción de Otto Minera

Pensada y escenificada para que las infancias entiendan, comprendan y asimilen las diferentes etapas de la vida y la muerte

Del 20 de julio al 15 de septiembre de 2024, con preventa del 50% hasta el 19 de julio

No hay día sin noche, pero tampoco hay noche sin un nuevo día

Una travesía donde la protagonista comprenderá y asimilará los ineludibles procesos de la vida y la muerte, la infatigable naturaleza del día y la noche, así como el impostergable paso del tiempo, se escenificará con: ¿Qué tan arriba es arriba?, una obra de Brendan Murray, bajo la dirección y traducción de Otto Minera, que la compañía Hasta la China presentará del 20 de julio al 15 de septiembre en el Teatro Helénico.

En esta historia dirigida a jóvenes audiencias, Pequeña Estrella se embarcará en un viaje en el que, guiada por un curioso pájaro, pájara, ¿pájare?... sin alas y su sabia abuela Mamá Luz, encontrará mayores certezas ante la dificultad de decirle adiós a una persona querida, donde todo —en algún punto del universo y bajo el Sol y la Luna— va entramado con los hilos de la naturaleza para, finalmente, celebrar la continuidad de la vida.

Para ello, Otto Minera le imprimió a este montaje un toque entrañable con su visión y dirección; pensado en brindarle a las infancias un teatro de valor que pueda ser disfrutado por audiencias de todas las edades.

En este tenor, Minera, también traductor de la puesta en escena, comenta: “nada quisiéramos lograr más que ofrecer a todos teatro (y no sucedáneos, ni distorsiones, ni insuficiencias artísticas). Creemos estar empezando con el pie derecho, pues la concepción misma de nuestro trabajo se manifiesta, de entrada, en la obra que hemos seleccionado, un texto de gran altura literaria y teatral, un genuino texto dramático que cumple satisfactoriamente con la exigencia antes señalada: sabe hablarle al público joven sin sustraerles el placer complejo del teatro, sin negarles su plena condición humana”.

El montaje cuenta con un elenco conformado Gilary Negrete, Aleida Méndez, Itzhel Razo, Jesús Delgado y Aketzali Reséndiz. Este equipo lo complementan: Aranza Atilano en la producción general; Kenia Celic en la producción ejecutiva; Félix Arroyo en el diseño de escenografía e iluminación; Giselle Sandiel en el diseño de vestuario; Joaquín López “Chas”, Erick Guerrero y Emiliano Jiménez Ceijas (RAÍZ 440) en el diseño sonoro, y Cecilia Domínguez en la asistencia de dirección.

¿Qué tan arriba es arriba? Se presentará los sábados y domingos a las 13:00 horas, del 20 de julio al 15 de septiembre en el Teatro Helénico. El costo de los boletos es de $205. Actualmente hay una preventa del 50% de descuento, válida hasta el 19 de julio. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: www.helenico.gob.mx.

Redacción

Una obra de la compañía Telón de Arena, con más de 20 años de trayectoria en los escenarios

Con arreglos orquestales ejecutados en vivo

Temporada de lunes a viernes a las 19:00 horas, del 1 al 16 de julio de 2024; preventa del 30% hasta el 30 de junio

Si quieres vivir de la guerra, tendrás que dar algo a cambio

Avaricia, dolor, guerra y muerte son algunos de los temas que se escenificarán en Madre Coraje y sus hijos*, la obra cúspide del dramaturgo y poeta alemán Bertolt Brecht que, a través de la dirección y versión del maestro Luis de Tavira, se presentará del 1 al 16 de julio en el Teatro Helénico.

Una puesta en escena de Telón de Arena que retrata la historia de Anna Fierling, mejor conocida como Madre Coraje, una comerciante en el apogeo de su negocio a costa de la devastación de la guerra de los treinta años. A lo largo de la obra, ella empuja su remolque como quien empuja el carro de la historia. Sin embargo, la misma guerra que la alimenta le arrebatará lo más preciado de su ser: la vida de sus hijos.

Después de dos años regresa esta dramaturgia al centro cultural. Un texto que fuera escrito durante cinco semanas, en 1939, por Brecht, y que la compañía Telón de Arena —originaria de Ciudad Juárez— construyó escénicamente, representando fehacientemente los estragos de una guerra, su normalización y la devastación moral que supone la pérdida de los seres queridos en un contexto bélico.

“Vivimos en la violencia, en la amenaza, porque es un magnífico negocio para alguien […] entonces, ahí el teatro recupera una de sus funciones esenciales; desde su origen en tanto construcción de conciencia, pero también en tanto experiencia de que es posible la esperanza”, refiere Luis de Tavira sobre este proyecto que cuenta con una gran producción y música de orquesta en vivo.

Con Madre Coraje y sus hijos Telón de Arena celebra su 20 aniversario. En ella se destaca la interpretación de 12 actores y músicos en escena. Asimismo, la participación de creativos de reconocida trayectoria, tales como: Stefanie Weiss en la traducción del alemán; Iván del Prado en la composición musical; Jesús Hernández en el diseño de escenografía e iluminación; Jerildy Bosch en el vestuario, y Alberto Rosas** en la dirección musical.

El elenco lo conforman: Perla de la Rosa**, Roberto Soto, María Guadalupe Balderrama, Guadalupe de la Mora, César Cabrera, Alan Escobedo, Estefanía Villa, Jesús Piña, Saura Emilia Subiate, Ezra Padilla De la Rosa, Aarón Antonio Ríos y Marco Pearson, así como los músicos: Claudia Salinas Rincón Gallardo (violín), Pablo Ramírez Márquez (clarinete), Alan Braulio Hernández Fernández (fagot), Ernesto Juárez Soto (percusiones) y Juan Luis González Gómez (trompeta).

El montaje tendrá una breve temporada del 1 al 16 de julio, con funciones de lunes a viernes a las 19:00 horas en el Teatro Helénico. El costo de los boletos es de $330 en la planta baja y de $205 en la planta alta. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento, válida del 30 de junio. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

*Esta gira es realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (Efiartes), el estreno en 2021 fue posible con el apoyo de la Fundación BBVA Bancomer y el Estímulo Fiscal para la Cultura y las Artes de Chihuahua.

**Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Más información a través de: helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com y www.telondearena.org

Redacción

Puesta en escena de Patricia Martínez Pedreguera, ganadora del Premio Bellas Artes de Obra de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes Perla Szuchmacher 2021; autora ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2023

Con teatro de sombras y juegos sonoros, el montaje narra cómo la vida de dos amigos cambiará drásticamente tras la aparición de una misteriosa presencia

Se presentará del 13 de julio al 4 de agosto de 2024; actualmente hay una preventa del 50% válida hasta el 13 de julio

A veces, las historias nos comen. A veces, nosotros nos comemos esas historias

La compañía La Voz de las Cosas presenta: Oppa, dramaturgia de Patricia Martínez Pedreguera que, a través de la amistad de Paco y Lu, aborda la construcción de la identidad en la adolescencia, el primer amor, la sexualidad, la amistad, la depresión y el suicidio. El proyecto se escenificará los fines de semana en el Foro La Gruta del 13 de julio al 4 de agosto.

De acuerdo con su autora y utilizando elementos de teatro de sombras y juegos sonoros, la obra se propone abrir un espacio seguro para que las y los adolescentes reflexionen en torno a sus sentires, ilusiones, deseos y oscuridades.

A propósito, Martínez Pedreguera comenta: “en escena, vemos el tránsito de los personajes hacia la sombra, ese personaje que bien puede ser la sensación de incertidumbre, lo que nos agobia como sociedad, la carga de que el mundo parece no tener sentido […] La apuesta es hablar sobre temas complejos sin rodeos, ni eufemismos, reflexionar colectivamente acerca de esto llamado vida que nos atañe a todas y todos. Para eso es el bonito ejercicio colectivo de ir al teatro, quizá no tengamos la respuesta exacta de cómo lidiar con esto, pero juntos podemos pensarlo”.

En Oppa sus protagonistas son dos amigos que siempre han estado unidos. Sin embargo, su mundo comienza a desmoronarse cuando una enigmática presencia surge ante ellos. Esta entidad, a través de juegos de silencios y vacíos, cambiará sus vidas para siempre, llevándolos de la luz a la oscuridad; todo ello a través de las actuaciones de Alfredo Veldáñez, Xochitl Franco y Emma Malacara.

La creación escénica, distinguida con el Premio Bellas Artes de Obra de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes Perla Szuchmacher 2021, es una producción de la compañía La Voz de las Cosas. En la que participan: Sara Alcantar e Isaías Martínez, en el diseño de iluminación; Pablo Galán, en la escenografía; Ana Galán, en la producción ejecutiva; Tania Vázquez, en la asistencia de dirección; Lemus Flores, en la asistencia de producción; Talia Yael y Pablo Galán, en el diseño del espacio escénico y vestuario.

La puesta en escena se presentará en el Foro La Gruta los sábados y domingos, del 13 de julio al 4 de agosto de 2024, a las 13:00 horas. El costo de los boletos es de $238. Actualmente hay una preventa del 50% de descuento, válida hasta el 13 de julio. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Redacción

Se trata de dos unipersonales traducidos e interpretados por Boris Schoemann, a cargo de la compañía Los Endebles, que celebra 24 años de trayectoria.

Mientras Bashir Lazhar aborda el poder pedagógico y la migración, Hasta luego se aboca a la paternidad y el futuro

Ambos se presentarán, cada uno con seis funciones, del 24 de junio al 30 de julio de 2024 en el Foro La Gruta

Para conmemorar los 24 años de trayectoria artística de la compañía, llegan al Centro Cultural Helénico el ciclo Los endebles, dos monólogos: Bashir Lazhar y Hasta luego, ambos traducidos e interpretados por Boris Schoemann; las funciones serán los lunes y martes a las 20:00 horas, del 24 de junio al 30 de julio, en el Foro La Gruta.

Agrupación teatral que a través de un tono lúdico aborda temas universales y que, para estas obras, Schoemann le confió la dirección a otros creadores escénicos que son importantes actores y directores de la Compañía Los Endebles: en el caso de Bashir Lazhar —de la dramaturga canadiense Évelyne de la Chenelière— a Mahalat Sánchez; mientras que Hasta luego —del dramaturgo suizo Antoine Jaccoud— a Daniel Bretón. 

Bashir Lazhar • Lunes, 20 h • Del 24 de junio al 29 de julio

Una oda a la vida, al amor, a la libre transmisión del pensamiento

Estrenada en 2009, Bashir Lazhar cumple 15 años cautivando al público. Se trata de una puesta en escena que relata, de forma dulce y humorística, la historia de Bashir Lazhar, un argelino emigrado a Canadá que, huyendo de la guerra, es contratado en una escuela primaria como maestro suplente. Más allá del choque cultural que tendrá se confrontará con la injusticia y la incomprensión de las autoridades escolares quienes no aprueban completamente sus métodos pedagógicos —poco convencionales— basados en la justicia y el valor para enfrentarse a los problemas y a la amargura. Con este unipersonal, Schoemann se ha presentado en diversos escenarios de la Ciudad de México, entre ellos el Teatro de la Ciudad, y en el interior del país y el extranjero, así como en giras y festivales.

En este montaje la voz en off es de Gabriela Fernández; la escenografía e iluminación son de Fernando Flores; el vestuario de Pilar Boliver; la musicalización de Joaquín López “Chas”; la asesoría corporal de Marcela Aguilar; la asistencia de dirección de Javier Tovar; la fotografía de Joanne Trujillo, y la producción ejecutiva de Alejandra N. Ramos.

Hasta luego • Martes, 20 h • Del 25 de junio al 30 de julio

Marte ni siquiera está del otro lado del mundo… ¡es otro mundo!

Tras un exitoso estreno en formato virtual en 2021, Hasta luego se escenificó por primera vez de forma presencial en 2023.  La obra aborda el desasosiego de un hombre que despide a sus dos hijos en la víspera de su partida al planeta Marte, para colonizarlo. En ese adiós, el padre se cuestiona sobre el futuro de esos jóvenes y las razones que los motivó a dejar la vida en la Tierra. La paternidad, el cambio climático y la brecha generacional son temas que construyen este monólogo que tuvo una primera lectura dramatizada en el marco del DramaFest 2018. 

Puesta en escena con diseño de espacio e iluminación de Jesús Giles; asesoría de vestuario de Pilar Boliver; asistencia de dirección de David Barrera, y producción ejecutiva de Alejandra N. Ramos.

Los accesos para obra tienen un costo de $155, actualmente hay una preventa del 30% válida hasta el 23 de junio para Bashir Lazhar y hasta el 24 de junio para Hasta luego. Los boletos de estas breves temporadas se pueden adquirir en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en av. Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com. 

Redacción

Experiencia multidisciplinaria basada en las historias del personal de ropería de los hospitales

Tendrá temporada del 22 al 30 de junio, de jueves a domingo, en el Foro de las Artes

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presenta C19, obra interdisciplinaria que rescata la memoria de aquellos que ya no están y rinde homenaje a los héroes invisibles que sostuvieron la maquinaria de la salud pública durante la pandemia por covid-19. Ofrecerá temporada del 22 al 30 de junio, de jueves a domingo, en el Foro de las Artes.

En el marco de las celebraciones por los 30 años del Cenart y como parte del ciclo Primavera Escénica, este montaje se basa en las historias del personal de salud y sus experiencias durante la pandemia que azotó al mundo entero y explora temas como la fe, la esperanza, la agonía y la tragedia a través del movimiento y la expresión corporal.

A cargo de la compañía teatral Miliun Pasos, esta puesta en escena está inspirada en la labor crucial realizada en los departamentos de ropería de los hospitales, donde se administra, reparte y empaqueta la ropa sucia y limpia. La dramaturgia se sustenta en las prendas como símbolos de los cuerpos ausentes y los uniformes como representaciones de las identidades perdidas por el trabajo mecanizado.

Bajo la dirección de Emmanuel Fragoso Jaime, C19 es una pieza a cuatro cuerpos con una construcción escénica sensible y testimonial que muestra una parte de la realidad hospitalaria durante el estado de emergencia letárgica que desató el covid-19.

El espacio que genera la obra es un umbral, un punto sin retorno en donde cuatro personajes uniformados suspiran, visten, calzan, bailan, caen, se ahogan y viven una vasta gama de sensibilidades provocada por ese entorno místico y limítrofe. Sometidos a la tarea mecánica de separar ropa, buscan momentos de catarsis que les recuerden un poco de su humanidad, pues con cada movimiento que dan, sienten cómo se consumen de a poco. Sin embargo, el camino que recorren no hace sino acercarlos a lo inevitable: recrear una y otra vez ese umbral.

C19 es la más reciente obra de la compañía Miliun Pasos, que es un laboratorio de creación e investigación que fusiona el lenguaje escénico y audiovisual que se ha consolidado como un referente en el ámbito de las artes escénicas en México. Este montaje fue realizado con el apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y cuenta con el respaldo de PROArtes México y el HGR1 IMSS Querétaro.

C19 se presentará del 22 al 30 de junio, con horario jueves y viernes, a las 20:00 h; sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h, en el Foro de las Artes. La entrada tiene un costo de $150 pesos, con descuentos los jueves de 30 pesos y 2x1 los miércoles comprando a través de la página cenart.comprarboletos.com y los viernes en la taquilla. Consulta el programa completo en cenart.gob.mx

Redacción

Una obra de la compañía Telón de Arena, con más de 20 años de trayectoria en los escenarios

Con arreglos orquestales ejecutados en vivo

Temporada de lunes a viernes a las 19:00 horas, del 1 al 16 de julio de 2024; preventa del 30% hasta el 30 de junio

Si quieres vivir de la guerra, tendrás que dar algo a cambio

Avaricia, dolor, guerra y muerte son algunos de los temas que se escenificarán en Madre Coraje y sus hijos*, la obra cúspide del dramaturgo y poeta alemán Bertolt Brecht que, a través de la dirección y versión del maestro Luis de Tavira, se presentará del 1 al 16 de julio en el Teatro Helénico.

Una puesta en escena de Telón de Arena que retrata la historia de Anna Fierling, mejor conocida como Madre Coraje, una comerciante en el apogeo de su negocio a costa de la devastación de la guerra de los treinta años. A lo largo de la obra, ella empuja su remolque como quien empuja el carro de la historia. Sin embargo, la misma guerra que la alimenta le arrebatará lo más preciado de su ser: la vida de sus hijos.

Después de dos años regresa esta dramaturgia al centro cultural. Un texto que fuera escrito durante cinco semanas, en 1939, por Brecht, y que la compañía Telón de Arena —originaria de Ciudad Juárez— construyó escénicamente, representando fehacientemente los estragos de una guerra, su normalización y la devastación moral que supone la pérdida de los seres queridos en un contexto bélico.

“Vivimos en la violencia, en la amenaza, porque es un magnífico negocio para alguien […] entonces, ahí el teatro recupera una de sus funciones esenciales; desde su origen en tanto construcción de conciencia, pero también en tanto experiencia de que es posible la esperanza”, refiere Luis de Tavira sobre este proyecto que cuenta con una gran producción y música de orquesta en vivo.

Con Madre Coraje y sus hijos Telón de Arena celebra su 20 aniversario. En ella se destaca la interpretación de 12 actores y músicos en escena. Asimismo, la participación de creativos de reconocida trayectoria, tales como: Stefanie Weiss en la traducción del alemán; Iván del Prado en la composición musical; Jesús Hernández en el diseño de escenografía e iluminación; Jerildy Bosch en el vestuario, y Alberto Rosas en la dirección musical.

El elenco lo conforman: Perla de la Rosa**, Roberto Soto, María Guadalupe Balderrama, Guadalupe de la Mora, César Cabrera, Alan Escobedo, Estefanía Villa, Jesús Piña, Saura Emilia Subiate, Ezra Padilla De la Rosa, Aarón Antonio Ríos y Marco Pearson, así como los músicos: Claudia Salinas Rincón Gallardo (violín), Pablo Ramírez Márquez (clarinete), Alan Braulio Hernández Fernández (fagot), Ernesto Juárez Soto (percusiones) y Juan Luis González Gómez (trompeta).

El montaje tendrá una breve temporada del 1 al 16 de julio, con funciones de lunes a viernes a las 19:00 horas en el Teatro Helénico. El costo de los boletos es de $330 en la planta baja y de $205 en la planta alta. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento, válida del 30 de junio. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: www.helenico.gob.mx.

Esta gira es realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (Efiartes), el estreno en 2021 fue posible con el apoyo de la Fundación BBVA Bancomer y el Estímulo Fiscal para la Cultura y las Artes de Chihuahua.

Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com y www.telondearena.org

Redacción

Proyecto conjunto entre Cultura UNAM ―a través de Teatro UNAM―, el Centro Universitario de Teatro, el Sistema de Teatros de la Ciudad de México, el Grupo Galpão y Marcio Abreu de Brasil, que revisita las historias de sus personajes en lo individual y lo colectivo

Un espectáculo internacional que reconoce la diversidad y la comunidad

En el marco del Mes Internacional del Orgullo LGBTTTIQ+, se presentará con cinco únicas funciones de entrada libre, del 19 al 23 de junio de 2024 en el Teatro Helénico

¡Esto es una puta fiesta!

16 jóvenes transgresores, 16 trayectorias, 16 historias, una ciudad, una invitación y una multitud en un mundo cambiante es Gente, puesta en escena que, como parte del Mes Internacional del Orgullo LGBTTTIQ+, tendrá una breve temporada del 19 al 23 de junio de 2024 en el Teatro Helénico.

Una experiencia única que, desde una perspectiva extranjera, redimensiona al individuo y sus trayectorias personales para reforzar los significados de lo individual y lo colectivo. Gente es un performance que apela a las emociones y sensaciones, donde un grupo de jóvenes ruidosos toma las calles de la ciudad para realizar la fiesta más grande, queer, gay, lésbica; celebrando el erotismo, la sexualidad, el enojo, lo bello y lo bizarro.

El espectáculo es una coproducción de Teatro UNAM y el Centro Universitario de Teatro (CUT), con dramaturgia y dirección de Paulo André y Rafael Bacelar, a cargo de un grupo de actrices y actores graduados de la generación 2021 del CUT y del Grupo Galpão de Brasil.

De acuerdo con los directores del proyecto, el montaje “es un mensaje para el futuro a través de mapas (trayectos) que podrían ser leídos a lo largo del tiempo por personas de otras épocas. Un testimonio de nuestro paso por aquí, de los territorios que ocupamos y que serán huellas, marcas de vida, como individuos y como comunidades o colectividades. La obra propone una articulación de cartografías íntimas con colectivas, de trayectorias de jóvenes afectados por las transformaciones del mundo. Estas impresiones, propuestas e insurgencias marcan su existencia en el presente y pueden ofrecer nuevas formas de pensar el futuro”.

El performance cuenta con las actuaciones de Alejandro Galindo, Amir Núñez, Ana Bitrán, Araí Hermosillo, Azul Eréndira, Damara Saavedra Lazo, David Munrat, Diego Esteban, Eduardo Zamora Sánchez, Humberto Vélez Tercero, Julio Ilhuicatl, Marco Uziel, Michelle Zavala, Paulina Márquez, Sara Valeria Vega Vallejo y Shadany Miranda.

El equipo creativo lo conforma: Paulo André y Rafael Bacelar, en la dramaturgia y dirección; los textos son de Marcio Abreu, Tomás Sarquis e intérpretes; la asistencia de dirección de Sol Sánchez y Diego Alonso; la coreografía de Rafael Bacelar; el diseño de iluminación de Ángel Ancona; el diseño de vestuario de Mauricio Ascencio; la asistencia de vestuario de Gabriela Carrillo; la música original, diseño sonoro y producción de Leonardo Soqui; la composición de coro de David Fonseca; la producción ejecutiva de Francisco Álvarez; la asistencia de producción ejecutiva de Diego Alonso; la difusión y prensa de Sol Sánchez; la asesoría vocal de Tania González Jordán; la asesoría en canto de Silvia Dávalos; la asesoría corporal de Medín Villatoro; la asesoría coreográfica de Marco Antonio Silva; el diseño de cartel de Paulina Álvarez Muñoz y Alfredo Loza; la coordinación técnica del CUT de  Javier Loza, la asociación artística de Grupo Galpão y Marcio Abreu; la producción de Grupo Galpão de Gilma Oliveira, y la colaboración artística de Grupo Galpão está a cargo de Lydia del Picchia y Eduardo Moreira.

Gente se presentará del 19 al 23 de junio de 2024 en el Teatro Helénico; de miércoles a viernes a las 20:00 h, el sábado a las 19:00 h, y el domingo a las 18:00 h. Se reitera que son funciones de entrada libre por lo que se recomienda llegar con 30 minutos de anticipación; la cita es en el Centro Cultural Helénico, ubicado en av. Revolución 1500.

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

En un escenario de post guerra, retrata la crisis de la vida en sociedad en un contexto de devastación

Como parte del ciclo Primavera Escénica, se presentará del 6 al 16 de junio, en el Foro de las Artes

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), Institución de la Secretaría de Cultura federal, presenta Final de partida, considerada la obra maestra de teatro de Samuel Beckett, quien, en un escenario de post guerra retrata la crisis de la vida en sociedad en un contexto de devastación. Ofrecerá funciones del 6 al 16 de junio, en el Foro de las Artes.

En el marco de las celebraciones por los 30 años del Cenart, esta puesta en escena sitúa a las y los espectadores en un microcosmos transformado en el último reducto de lo humano, donde se ha extinguido todo lo vivo, luego de haber entregado el timón del mundo a las máquinas de guerra que echan a andar de nuevo el aparato capitalista.

Como parte del ciclo Primavera Escénica, esta obra de Samuel Beckett aparecida en 1957, llega al Cenart bajo la dirección de José Luis Cruz. Nos adentra en el universo post apocalíptico de Hamm, un amo que necesita a Clov, su sirviente, no solamente para sobrevivir en un desierto existencial donde incluso el tiempo ha sido abolido y el mismo instante se repite sin cesar, sino para tener sentido de sí a partir del otro.

Sin embargo, la última expresión de la dialéctica del amo y el esclavo tiene como eco de fondo la persistente presencia de los padres de Hamm, dos seres mutilados, semi-humanos y semi-conscientes que habitan en botes de metal en un símil de un génesis perdido y que se convierten también en la personificación de los instintos brutales que luego de la destrucción, continúan exigiendo ser saciados.

Estos personajes, en un trabajo cercano al clown, hacen subir al espectador a un oscuro y nunca complaciente tren de hilaridad que pese a arrancar risas mediante un juego delirante no se aleja nunca del amargor permanente de esta obra de teatro de post guerra con un alto grado de poesía maldita.

Con un elenco conformado por Evaristo Valverde, Carlos Mendoza, Guillermo Díaz, Ainé Martelli y música original de Alejandra Garcés, Final de partida es además una propuesta en la que se experimenta de manera acertada con las artes plásticas mediante un diseño de vestuario intervenido por el director y por unos inquietantes títeres, con lo que se logra una experiencia visual multidisciplinaria, capaz de estremecer.

José Luis Cruz tiene una vasta experiencia en montajes de teatro clásico con obras de Shakespeare y Lope de Vega, pero también del contemporáneo, pues ha puesto en escena piezas de Bertolt Brecht, Harold Pinter y Marguerite Yourcenar, entre otros autores. Con su adaptación de La muerte accidental de un anarquista del premio Nobel Dario Fo, tuvo gran éxito con tres años en cartelera y más de 600 representaciones, en diversos países.

Final de partida ofrecerá breve temporada, del 6 al 16 de junio, con horario de jueves y viernes, a las 20:00 h; sábado, a las 19:00 h; y domingo, a las 18:00 h, en el Foro de las Artes. La entrada tiene un costo de 150 pesos, con promoción jueves de 30 pesos; y 2x1 los miércoles comprando a través de la página cenart.comprarboletos.com y viernes de 2x1 comprando en taquilla para la función de ese día. Consulta el programa completo en la página www.cenart.gob.mx

Redacción

Un monólogo con música en vivo, en el que una actriz hace un recorrido por sus vivencias en torno al cáncer

Con temporada los lunes y martes a las 18:00 horas, del 10 de junio al 16 de julio

Preventa del 30% hasta el 10 de junio

El valor real de estar vivo, consiste en compartirlo

Después del éxito en su gira por la República mexicana, regresa al Centro Cultural Helénico: Cangrejo y yo. Parodia interestelar sobre seres medio vivos o medio muertos; —dramaturgista y dirección Andrómeda Mejía— un monólogo interpretado por Georgina Arriola, que tendrá temporada los lunes y martes a las 18:00 horas, del 10 de junio al 16 de julio.

La obra versa sobre Cangrejo el cual —luego de una relación codependiente— ha sido echado de casa sin tener a dónde ir, su única esperanza es encontrar ese lugar en el cielo en el que los de su especie se vuelven inmortales. Aquella mujer que lo albergó por tanto tiempo echa un vistazo atrás tratando de descubrir qué fue lo que pasó durante su relación con Cangrejo, en la que perdió su cabello, su salud y sus ilusiones. ¿Será que puedan reencontrarse? Y si lo hacen, ¿podrán perdonarse y seguir con sus vidas? Una propuesta de humor negro, en medio de la inmortalidad del cangrejo y un viaje a las estrellas.

El monólogo es una parodia, pero también una confesión emotiva que abre un universo íntimo. La obra enuncia que la enfermedad es dolorosa y devastadora, pero también puede ser una maestra. La historia aboga por que el público mire de frente la enfermedad para encontrar un lugar de conciencia y descubrimiento para reconectarse plenamente con la vida. 

Esta puesta en escena es una producción de Los tres pies del gato y fue resultado del Programa Creadores Escénicos 2020 -2021 del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales del cual fue beneficiaria la actriz guanajuatense, Georgina Arriola, de quien es la idea original e interpretación de este proyecto.

La obra cuenta con el trabajo de dramaturgismo y dirección de Andrómeda Mejía; la música en vivo y original son de Luis Miguel Moreno; el diseño de escenografía e iluminación son de Edgar Mora; el diseño de proyecciones pertenece a Belén Valenzuela; el diseño de vestuario y utilería son de Azucena Galicia; la producción ejecutiva es de Viridiana Mendoza; la asistencia de producción es de Judith José, la asesoría de movimiento y diseño gráfico corresponden a Víctor Siáñez.

Se reitera que la temporada de Cangrejo y yo se presentará los lunes y martes a las 18:00 horas del 10 de junio al 16 de julio. El costo del boleto es de $238. Actualmente hay una preventa del 30% hasta el 10 de junio. Las entradas se pueden adquirir en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en av. Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx. 

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

Se trata de un ritual escénico y espiritual, escrito e interpretado por Gala Gutiérrez, que relata a través de un adiós amoroso la pérdida inmaterial y física

Se presentará los fines de semana, del 8 de junio al 14 de julio, en el Foro Alternativo; preventa del 50% hasta el 7 de junio

En mi familia todos estamos muertos, hasta el perro

Temores, apegos, recuerdos, homofobia, conciliación y amor son algunos de los temas que aborda Cascada 126, una obra documental y autobiográfica de Gala Gutiérrez que la compañía Los errantes del desierto presentará los sábados y domingos, del 8 de junio al 14 de julio, en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico.

El monólogo, que su creadora define como una catarsis, describe las remembranzas familiares que habitaron un hogar y la necesidad de liberar sus memorias para transmutarlas en amor.

Cascada 126, dirección de la casa en la que alguna vez vivió su autora, se cimenta escénicamente en objetos, ropas, fotos, urnas, videos y recuerdos impregnados de momentos congelados de sus dueños. Una puesta en escena que invita a los muertos a contar sus historias en un espacio mágico, sin tiempo: el teatro; para finalmente despedirlos en comunión.

Montaje cuya experiencia sensorial sumerge al público en un mundo surrealista impregnado de emociones y significados profundos, en el que, de la mano de la actriz, el espectador tiene la oportunidad de descubrir sus experiencias personales y conectar con su bagaje de vida.

Cascada 126, sirve como testigo silencioso de las complejidades y vicisitudes que atraviesan las familias. Cada elemento de la obra está cuidadosamente elegido para transportar a la audiencia a diferentes escenarios: desde los detalles íntimos de una vivienda hasta los paisajes desérticos, y las abigarradas atmósferas de las cantinas y los reclusorios.

El equipo creativo está integrado por: Gala Gutiérrez, Emmanuel García, Pablo del Alba y Anjo de la Luz.

Se reitera que la temporada de Cascada 126 se presentará los sábados y domingos, a las 20:00 horas, del 8 de junio al 14 de julio en el Foro Alternativo. El costo del boleto es de $205. Actualmente hay una preventa del 50% hasta el 7 de junio. Las entradas se pueden adquirir en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en av. Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

Una coreografía de Myrna de la Garza Brena, inspirada en los cambios físicos, fisiológicos y emocionales que vive la mayoría de las mujeres

Dividida en tres escenas, la narrativa utiliza un personaje estilo samurái para representar corpórea, visual y sonoramente los ciclos de la edad y cómo la tierra tiene un efecto sobre nosotros

Con una única función, el miércoles 5 de junio a las 20:00 horas, se escenificará por primera vez en el Teatro Helénico. La entrada es libre

La presentación incluye un conversatorio al final

Todo final posibilita un nuevo inicio

Movimientos que invitan a reflexionar sobre la naturaleza cíclica de la existencia, mostrando cómo la fuerza física puede dar lugar a la fuerza sutil y sublime, se presentarán en GeoTresh-Avatar, una coreografía e interpretación de Myrna de la Garza Brena que el público podrá disfrutar por única ocasión el próximo miércoles 5 de junio, a las 20:00 horas, en el Teatro Helénico. 

La compañía MdMar Danza celebra su 30 aniversario en el recinto cultural con un espectáculo que rinde homenaje a lo continuo, a lo renovador y a lo que desgasta. GeoTresh-Avatar profundiza y resignifica el concepto del tiempo, invitando a fluir y a comprender el movimiento terrestre, capturando la esencia de los cambios que enfrentan ciertas mujeres en la víspera de la tercera edad.

Myrna de la Garza busca evidenciar la idea de “transformación”, mediante el manejo y reconceptualización de un impermeable amarillo (de uso rudo), que pasa de ser la piel, a ser un atuendo, y luego otro personaje, para finalmente comenzar un ciclo nuevo. Esto, representado en la figura de una mujer expuesta al paso del tiempo y la inherente idea de madurez.

El montaje se divide en tres escenas donde un personaje estilo samurái, que simboliza la fuerza de antaño, da lugar a una fuerza sutil y sublime en la etapa madura, conduciéndonos de forma abstracta a través de atmósferas lúdicas que van de la pérdida al florecimiento.

La compañía basa su trabajo en la manipulación de objetos en escena y la danza con ellos. Para este espectáculo, Myrna se adentró en la cinta El camino del samurái, a la par que realizó una exhaustiva investigación sobre diversas artes marciales como Ham-Do y Kendo, así como peleas de Sumo. A nivel artístico y personal, esto significó despedirse de su “samurái interno” para mudar de piel y atesorarlo amorosamente.

El equipo creativo de esta obra lo conforma: en la coreografía e interpretación, Myrna de la Garza Brena; la música original es de Rafael González, alias Sr. González; la iluminación es de Martha Elena Welsh “MarthEl”, y el diseño de vestuario de MdMar Danza.

Se reitera que GeoTresh-Avatar se presentará el miércoles 5 de junio a las 20:00 horas, en el Teatro Helénico, ubicado en av. Revolución 1500, la función es de entrada libre. 

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

Redacción

Enmarcado dentro del apartado I de la convocatoria Premios Nacionales de Dramaturgia

Las y los autores seleccionados integrarán un taller de perfeccionamiento dramatúrgico para la entrega de una versión final, y la posterior deliberación de comité de selección

El nombre de la persona ganadora del certamen se dará a conocer el miércoles 5 de junio de 2024

Se registraron 66 postulaciones

Descargar el kit de prensa

Como parte de la convocatoria Premios Nacionales de Dramaturgia 2024, la Secretaría de Cultura federal, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con el Fondo de Cultura Económica y a través del Programa Editorial Tierra Adentro, anuncia a los cinco finalistas del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2024.

Se trata de un premio que celebra la elocuencia dramatúrgica de las jóvenes generaciones y pretende dar voz a las inquietudes propias de nuestro tiempo; uno de sus valores estriba en la posibilidad de perfeccionar la obra luego de una tutoría con el comité de selección para así reunir en dos libros las voces de una generación, cobijando desde sus albores el valioso talento juvenil mexicano.

Se recibieron 66 textos, de los cuales se seleccionaron cinco finalistas: Debajo de la tierra, ocurre el incendio, de Cristel Irán Romo Ramos (San Luis Potosí); Después de Peter, de Jesús Marcelo Aguirre Treviño (Nuevo León); El punto de la jota, de Pablo Galán Souto (Ciudad de México); Experiencia X58 (un pelotón en campo abierto), de Marco Favio Ramos de la Vega (Durango), y La acompañante, de Andalucía López Cadena (Ciudad de México).

De acuerdo con las voces del comité de selección —que será dado a conocer cuando se anuncie a la persona ganadora— estas obras destacaron por la poética narrativa, la propuesta del espacio escénico, la temática y la posibilidad de ser publicada y llevada a escena.

A continuación, una sinopsis de las creaciones seleccionadas:

Debajo de la tierra, ocurre el incendio • Cristel Irán Romo Ramos

Epitacia es una mujer que ama la tierra que la vio crecer; irse nunca fue una opción. Decidió quedarse y confiar en el hombre que quería la tierra al igual que a ella, o al menos eso pensaba. Se entregó a su destino, pero con el paso de los años se fue marchitando hasta que un día decide ir hacia lo desconocido, porque de no hacerlo, la tierra podría tragarla.

Después de Peter • Jesús Marcelo Aguirre Treviño

Peter y David son voces dispersas que representan a los millones que murieron durante la pandemia del VIH en los años ochenta; a través del descubrimiento de su relación, se exploran las condiciones de vivir en la expulsión de una sociedad que no estaba preparada para permitirles existir.

El punto de la jota • Pablo Galán Souto

Una historia de amor, porque en realidad todas lo son. Una historia de teatro que escarba en la sensación de dedicarse a ello y, claro, una historia jota, porque ese es el título de la obra y este es el punto de ser jota. Esta es nuestra historia y en ella podemos mentir todo lo que queramos. Porque… si no me veo, si no nos veo, creo que voy a desaparecer.

Experiencia X58 (un pelotón en campo abierto) • Marco Favio Ramos de la Vega

Un ser decide entrar a la nueva EXPERIENCIA X58 y, en el transcurso, se encuentra con un pequeño pelotón. Poco a poco se sumerge en la dinámica colectiva, reconociendo que, en realidad, se trata mucho más de su familia y de las sombras que lo han perseguido toda su vida.

La acompañante • Andalucía López Cadena

La obra nos lleva a través del paisaje mental de una mujer que, como persona, habita un cuerpo en el mundo en condiciones críticas. Su identidad, sin nombre, se convierte en un rompecabezas que se arma a partir de su condición de cuerpo presente y su oficio: dar compañía.

Es importante recordar que, de acuerdo con la convocatoria Premios Nacionales de Dramaturgia, apartado I Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2024, la distinción incluye la publicación del texto ganador por el Fondo de Cultura Económica, a través del programa Cultural Tierra Adentro; la publicación de los escritos finalistas por el Centro Cultural Helénico; para la persona seleccionada ganadora un monto económico y, finalmente la producción de la puesta en escena, cuyo estreno se llevará a cabo en el Foro La Gruta en 2025. 

Se reitera que la persona ganadora del certamen se dará a conocer el miércoles 5 de junio de 2024 a través del sitio helenico.gob.mx y en las redes sociales del Centro Cultural Helénico.

Para consultar la información completa se puede visitar la página: www.helenico.gob.mx.

Redacción

Por su interpretación, Politi fue reconocida como mejor actriz en los premios ACPT 2022 y los Premios Metropolitanos de Teatro 2021

Un texto de David Foster Wallace, considerado uno de los escritores estadounidenses más innovadores e influyentes de los siglos XX y XXI, con la dirección y versión teatral de Daniel Veronese, pieza clave del teatro argentino desde finales de los años ochenta

Del 22 de mayo al 20 de junio de 2024 en el Foro La Gruta; preventa exclusiva del 30% hasta el 21 de mayo

Discúlpame si te estoy distrayendo de tu vida activa, plena y libre de angustia

Una silla en el escenario y una potencia interpretativa se apropiarán del Centro Cultural Helénico para presentar: La persona deprimida, unipersonal estelarizado por Carolina Politi, una de las actrices más influyentes de su generación que, bajo la dirección y versión escénica de Daniel Veronese, del texto de David Foster Wallace permitirán al espectador adentrarse en la intimidad de una mujer diagnosticada con depresión patológica

Una mujer dice hablar de otra persona que padece trastorno depresivo, esta elección, de dirigirse al que la escucha en tercera persona, le permite exponer sin pudor, su necesidad —y la de todos— de ser comprendidos, aceptados y queridos. Necesidad que desata en el personaje un recorrido vital, entrañable y cargado de humor, activando comportamientos que hacen de La persona deprimida alguien profundamente cercano al espectador.

“… La persona deprimida aparece y enseguida espera algo del público: que la vean, que la escuchen; pero también, que la ayuden, que la entiendan y, por sobre todas las cosas, que no la juzguen. Hay un detalle que no es menor: el público escuchará su historia en tercera persona…” apunta el director.

El montaje dirigido por Veronese, quien también realizó la versión para teatro, conserva la ironía y el humor de su autor, Foster Wallace (uno de los autores estadounidenses más críticos sobre el horizonte de la depresión y mejor reputados de su generación), para tratar temas como la necesidad de funcionar dentro de una sociedad que tiene como característica principal la marginación de lo diferente... Lo que no hace otra cosa que dejarnos solos, en medio de la multitud.

Este montaje vio la luz en agosto del 2021, con muy buena respuesta del público. Continuó en temporada durante 2022, abriendo espacio a una reflexión íntima sobre la convivencia humana y la salud mental.

Cabe mencionar que, por esta interpretación, Politi fue galardonada como mejor actriz en los premios ACPT 2022 y los Premios Metropolitanos de Teatro 2021; la obra cuenta con la asistencia de dirección de Gonzalo Martínez y en la asistencia de producción, Minah Cerviño.

Reiteramos que La persona deprimida se presentará los miércoles y jueves a las 20:00 horas, del 22 de mayo al 20 de junio en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $330. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento válida hasta el 21 de mayo. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: helenico.gob.mx y mexicoescultura.com.

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

Se trata de una divertida tragicomedia dirigida a la familia, pero especialmente para audiencias jóvenes.

Una obra de la compañía Puño de tierra. Escrita y dirigida por Valentina Sierra, musicalizada en vivo mediante percusión corporal, tap , stomp y canto.

Del 11 de mayo al 14 de julio de 2024. Preventa del 50% hasta el 11 de mayo

No me voy, no me callo. Ruido hasta encontrarte

Cuando una persona desaparece, se invisibilizan muchas otras cosas a su alrededor, esto plantea la compañía teatral Puño de tierra en la puesta en escena ¿Puedes verme? Un espectáculo dirigido a público joven que ahonda en tema de la desaparición y lo que ésta causa en la infancia con música en vivo, clown, actos circenses y multimedia, este espectáculo logra ser conmovedor y divertido., el cual se presentará los fines de semana. . , del 11 de mayo al 14 de julio, en el Teatro Helénico.

Mediante un tratamiento versátil e hilarante, esta dramaturgia cuenta cómo Bárbara, una niña de 9 años, comienza a desaparecer. Convencida de que solo una persona podría volverla a dibujar, la pequeña se adentra en un viaje para encontrarse y, en su búsqueda, conoce a un grupo de niñas y niños “borrados” que la ayudarán a reaparecer mediante canciones, ruido y rebeldía.

Para Bárbara estar, no es estar presente, pues asegura que se puede estar: sin ser visto, sin sentir, sin hablar, sin escuchar y sin observar. Ella dejó de ser vista, pero no lo desea, simplemente quiere ser y vivir acorde a sus ideas. 

Montaje que, de acuerdo con sus creadores, le muestra a la niñez cómo, en ocasiones, se deben romper todas las reglas para ser escuchados; hacer ruido, para que las voces destrocen el silencio y aseguren que cada infancia pueda florecer en un entorno seguro y amoroso, pues señalan que la virtud de la obra estriba en el trabajo de la dirección escénica que, junto con el elenco, forman un equipo. . creativo de gran categoría.

Bajo la autoría y dirección de Valentina Sierra; el elenco lo conforman: Juan Carlos Medellín, Daniela Arroio, Valeria Fabbri, Malcolm Méndez, María Kemp y Demetrio Bonilla; la producción ejecutiva es de MariCarmen Núñez Utrilla; la asistencia de dirección de Fernando Escalona; la asistencia de producción de Mariana Mora Miranda; el diseño de escenografía de Ana Luisa Gama; la realización de escenografía de Antonio Valle; el diseño de iluminación es de Ingrid Sac; el diseño de vestuario de Sandra Garibaldi; la música original y el diseño sonoro de Leonardo Soqui; las coreografías de María Kemp; el diseño gráfico de Zaira Campirano; en las redes sociales están Corina Rojas y Pop Comunicación; en la producción general y en el diseño audiovisual está Gabriel Zapata Z.; una producción de Puño de tierra.

Se reitera que la temporada de ¿Puedes verme? se presentará los sábados y domingos a las 13:00 h, del 11 de mayo al 14 de julio de 2024, en el Teatro Helénico . El costo del boleto es de $248 . Actualmente hay una preventiva del 50% hasta el 11 de mayo. Las entradas se pueden adquirir en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicada en av. Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información a través de:helenico.gob.mx y mexicoescultura.com .

Ciudad de México - Las compañías Púrpura de Cascabel y Teatro de Quimeras se complacen en anunciar la segunda temporada del aclamado musical "La isla de los nahuales". Esta producción, escrita y dirigida por Martín López Brie y con dirección musical de Gabriel Rojas, ofrece una experiencia única y enriquecedora para el público infantil y familiar, explorando las ricas tradiciones del son jarocho. El espectáculo se presentará en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico desde el 11 de mayo hasta el 30 de junio de 2024.

Una historia de aventura y tradición

"La isla de los nahuales" narra la emocionante historia de Canelo, un joven que se embarca en una misión para salvar la salud de su hermana. En su viaje, Canelo descubre la importancia de la música y las tradiciones de su pueblo, enfrentando desafíos que fortalecen su sentido de la responsabilidad familiar. El montaje captura la esencia del son jarocho a través de piezas musicales originales que son interpretadas en vivo por un talentoso elenco de actores-músicos.

Elenco y producción de primera

El elenco está compuesto por destacadas figuras como Kaleb Oseguera, Mauricio Jiménez-Quinto, Gabriel Rojas, Carlos Valgañón y Mónica Bajonero, quienes dan vida a una variedad de personajes fascinantes. La producción ejecutiva está a cargo de Marco Liramark, con colaboraciones en asesoría actoral y de movimiento de Sofía Beatriz López y un diseño visual a cargo de Fernando Martínez.

Preventa exclusiva y acceso a boletos

Aprovecha la preventa exclusiva del 50% disponible hasta el 11 de mayo de 2024. Los boletos pueden ser adquiridos en la taquilla del Centro Cultural Helénico y en línea a través de helenico.gob.mx. El costo regular de entrada es de $248.

Funciones programadas

Las funciones serán cada sábado y domingo a partir del 11 de mayo hasta el 30 de junio de 2024, comenzando a las 13:00 h en el Foro La Gruta.

Para más información sobre el musical y la compra de boletos, visita helenico.gob.mx y mexicoescultura.com. No te pierdas esta magnífica oportunidad de sumergir a tus hijos en el encantador mundo del son jarocho y las leyendas mexicanas.

Ciudad de México — Este próximo 4 de mayo, el Foro La Gruta se viste de gala para estrenar "ABRASZARTE", la más reciente obra del aclamado dramaturgo canadiense Michel Marc Bouchard. Con la dirección del reconocido Alonso Iñiguez y la producción de Natalia Traven® y Tercer Milenio, esta pieza promete una temporada emocionante hasta el 23 de junio de 2024, explorando los profundos lazos familiares a través del arte de la alta costura.

"ABRASZARTE" cuenta la historia de Hugo, un joven diseñador que encuentra en Yves Saint Laurent, su ídolo, la inspiración para forjar su propio camino en el mundo de la moda. La trama se centra en su esfuerzo por reconstruir su compleja relación con su madre, Beatriz, al intentar crear el vestido perfecto para ella. Esta misión no solo refleja su pasión por el diseño, sino que también sirve como un puente para sanar viejas heridas y comprender mejor el amor y la ambivalencia que caracteriza su vínculo.

El director Alonso Iñiguez comparte su visión sobre la obra: “Michel Marc Bouchard tiene un talento único para mezclar oscuridad con humor. 'ABRASZARTE' nos lleva por este delicado balance, donde el dolor se transforma en una risa que cura. Es una pieza que, aunque explora temas complicados, lo hace con una belleza y poesía accesible”.

La presencia de Yves Saint Laurent como inspiración en la obra añade una rica capa de profundidad al explorar cómo la moda puede ser una forma de arte transformador y un refugio seguro frente a las adversidades. La producción cuenta con un destacado equipo creativo y un elenco formado por talentos como Pedro Mira, Alejandro Morales y Paloma Arredondo, quienes darán vida a estos complejos personajes.

La temporada se llevará a cabo los fines de semana en el Foro La Gruta, ubicado dentro del Centro Cultural Helénico, y las entradas están disponibles a un precio de $410, con una preventa del 30% hasta el 3 de mayo.

Para más información y compra de boletos, visite la página web del Centro Cultural Helénico en helenico.gob.mx y mexicoescultura.com. No se pierda la oportunidad de sumergirse en esta emocionante travesía de moda, familia y autodescubrimiento.

¡Esperamos verlos en el teatro para compartir esta inolvidable experiencia!

La puesta en escena "Un barquito en la pared", escrita por Itzel Villalobos e inspirada en el relato "La mulata de Córdoba", llega al Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque del Inbal para abordar de manera cruda y reflexiva la injusticia vivida por el personaje de Soledad, en un contexto que resuena con la realidad contemporánea de México.

Dirigida por Faviola Llamas y protagonizada por Fabiola Villalpando, Patricia Loranca / Paty Vaca, Mario González-Solís y Adriana Alonso, la obra presenta la historia de Petra y su madre, testigos de una injusticia cuando su vecina, Soledad, es acusada injustamente de un crimen. A medida que avanza la trama, Soledad teje cuentos en la prisión, buscando postergar su inminente condena.

La directora Faviola Llamas destaca la importancia de desmitificar las leyendas y abordarlas desde una perspectiva de género para construir una sociedad más justa y crítica. "Un barquito en la pared" busca trascender el tiempo y mostrar la continuidad de la injusticia en la historia de México, enfocándose en la situación de las mujeres, especialmente de las afromexicanas.

El montaje, ambientado en un México pasado pero con resonancias contemporáneas, se apoya en diálogos escritos en verso y en un diseño escénico que combina elementos históricos con guiños actuales, proporcionando una lectura atemporal de la leyenda. La obra también aborda el "síndrome del espectador", que destaca la pasividad frente a las injusticias y la importancia de la acción colectiva para generar un cambio.

Con un diseño de iluminación y multimedia a cargo de Karla Sánchez "Kiwi", "Un barquito en la pared" invita al público a reflexionar sobre las realidades presentes y pasadas de las mujeres en México, destacando la necesidad de combatir la injusticia y construir una sociedad más igualitaria y solidaria.

La temporada de esta impactante obra se llevará a cabo del 25 de abril al 19 de mayo, con funciones los jueves y viernes a las 20:00 h, sábados a las 19:00 h y domingos a las 18:00 h, en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque. Los boletos están disponibles en las taquillas del teatro y en línea a través del sitio web oficial del Inbal.

El Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico se prepara para recibir "Now playing", un unipersonal que ofrece un vívido retrato de la vida millennial a través de la música. Esta obra teatral, escrita por Jimena Eme Vázquez y dirigida por Renée Sabina, cuenta con la actuación estelar de Emmanuel Lapin y promete sumergir al público en una experiencia única llena de emociones y recuerdos.

"Now playing" es más que una simple obra de teatro; es un viaje por los momentos más significativos de alguien nacido en los noventa. Desde las experiencias personales hasta el miedo al fin del mundo, pasando por la música que marcó toda una generación, esta obra ofrece una mirada íntima y conmovedora a través de los ojos de su protagonista.

La dramaturgia de Jimena Eme Vázquez se sumerge en un mar de experiencias e inquietudes que caracterizan a la generación del nuevo milenio, explorando temas como la vulnerabilidad, la incomprensión, la familia, la amistad y, por supuesto, la música pop. A través de un recuento emocionante, "Now playing" invita al espectador a reflexionar sobre la vida y sus múltiples facetas.

Con la dirección de Renée Sabina, la obra se presenta como un concierto en vivo, donde los números musicales potencian la narrativa y llevan al público a sentirse parte de la historia. Además, el equipo creativo, encabezado por Pedro Pazarán en la iluminación y Alejandro Carrillo en el diseño sonoro, garantiza una experiencia teatral inolvidable.

"Now playing" se presentará los lunes y martes en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, del 6 de mayo al 11 de junio de 2024. Actualmente, se encuentra en preventa exclusiva del 30% hasta el 5 de mayo, y las localidades pueden adquirirse tanto en la taquilla del Centro Cultural Helénico como en su página web oficial.

Esta obra promete ser un tour, un concierto y un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millennial. Con comedia, angustia existencial y baile, "Now playing" es una experiencia teatral que no te puedes perder.

Más información a través de: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

El Teatro Helénico se enorgullece en presentar el regreso de la obra teatral "Del conejo a la Tierra", una exploración dramática en la vida y legado del ilusionista y cineasta Georges Méliès, apodado el "Padre de la ciencia ficción". Esta pieza, escrita por Itzel Lara y dirigida por David Olguín, se estrenará el 26 de abril y continuará hasta el 9 de junio de 2024.

La obra rinde homenaje a Méliès, una figura emblemática cuya influencia en el cine es incuestionable. A través de un montaje que combina elementos del teatro y el cine, los espectadores serán transportados a través de las múltiples facetas de Méliès: desde su papel como pionero en técnicas cinematográficas hasta sus días finales como vendedor de juguetes.

"Del conejo a la Tierra" no solo revive los momentos icónicos de Méliès, como su famoso viaje a la luna, sino que también explora su amor por los autómatas y su vida como alquimista de la luz. La obra destaca cómo, a pesar de los desafíos, Méliès nunca perdió la esperanza, un tema central en el guion de Itzel Lara.

David Olguín, director del proyecto, describe la obra como un híbrido que fusiona el cine y el teatro, creando una experiencia única para el público. "Es una reflexión sobre el teatro de nuestros días, marcado por la nostalgia y la rapidez del mundo moderno, que sigue necesitando de aventuras espirituales profundas", explica Olguín.

El elenco incluye talentos como Gabriela Guraieb, Pablo Marín y Antonio Vega, con Sandra Cecilia y Sofía Gabriel alternando funciones. La producción está a cargo de Cardinal Films, con diseño de escenografía e iluminación por Gabriel Pascal.

Las funciones serán los viernes a las 20:00 h, sábados a las 19:00 h, y domingos a las 18:00 h. Los boletos tienen un costo de $360, pero los espectadores pueden aprovechar una preventa con un 30% de descuento hasta el 21 de abril. Las entradas están disponibles en la taquilla del Centro Cultural Helénico y en línea a través del sitio web helenico.gob.mx.

Para más información, visitar helenico.gob.mx y mexicoescultura.com. No pierdan la oportunidad de sumergirse en la mágica historia de Georges Méliès y descubrir cómo su legado sigue iluminando el mundo del cine y el teatro.

Redacción

• Inspirada en el personaje de La Maga, de la novela Rayuela, del escritor argentino Julio Cortázar

• Se presentará en el marco de los #30AñosdelCenart, del 11 al 21 de abril, en el Foro de las Artes

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura, será sede del estreno en México de la obra La Maga, no soy yo, proyecto binacional coproducido entre México y Cuba, inspirado en la protagonista de Rayuela, del argentino Julio Cortázar, que se presentará del 11 al 21 de abril en el Foro de las Artes.

Como parte de la conmemoración del 110 aniversario del natalicio del escritor argentino y del 40 aniversario de su muerte, La Maga, no soy yo, obra del dramaturgo cubano Ulises Rodríguez Febles, es una breve reinvención del personaje de Rayuela, una mujer que pone las reglas de su propio juego.

Bajo la dirección de la mexicana Dana Stella Aguilar Murrieta, esta puesta en escena retoma del personaje de Cortázar su escondida sabiduría, más allá de la que la visión masculina le otorga en el libro, esa conciencia que entre líneas se devela para permitirle un grito desde la presencia.

“Invitamos a leer al personaje con ojos distintos a los ojos con que la miró el mismo Cortázar, por ello nuestra Maga puede ser la intuición, lo vital, la inconciencia, la naturaleza, la materia, lo concreto a la vez que la razón, la conciencia, la cultura, el espíritu y lo abstracto; además de ser una Maga que abraza su maternidad”, menciona Dana Stella Aguilar.

Es la travesía de una mujer inmigrante que dialoga consigo misma al tiempo que dialoga con el autor de la novela y con Horacio, el personaje principal, viviendo experiencias parecidas o equivalentes a las de La Maga de Cortázar, en un contexto diferente en el que intenta sobrevivir junto con su pequeña hija y defender su identidad frente al poder masculino.

La Maga, no soy yo es un proyecto entre la compañía mexicana Conjuro Teatro y el dramaturgo cubano Ulises Rodríguez Febles, que cuenta con el apoyo del Consejo Provincial de las Artes Escénicas de Matanzas, Cuba, a través de la Casa de la Memoria Escénica, en el marco de su proyecto “Raíces Comunes”.

Con la actuación de Denise Castillo, el montaje se estrenará en Cuba en marzo de 2024, donde ofrecerá siete funciones en diversos foros, en el marco del Mes de la Mujer y del festejo del Día Internacional del Teatro y del Día del Libro Cubano, mientras que en México se llevarán a cabo ocho funciones.

La Maga, no soy yo se presentará del 11 al 21 de abril, en un horario de jueves y viernes, a las 20:00 horas; sábado, a las 19:00 horas; y domingo, a las 18:00 horas, en el Foro de las Artes. Los boletos tienen un costo de 150 pesos y están a la venta en cenart.comprarboletos.com. Para más información consulta la página cenart.gob.mx.

Redacción

• Obra ganadora del Festival Internacional de Teatro Universitario 2022

• Un texto de Talia Yael y Un Tropel, bajo la dirección de Micaela Gramajo

• Del 22 de abril al 28 de mayo de 2024; preventa del 30% hasta el 22 de abril

¿Qué otra escuela es posible?

Es el planteamiento principal de la colectiva Un Tropel para llevar a escena Un Tropel de mariposas dinamita el aire, obra que aborda que la violencia escolar existe, cuestionando la llamada pedagogía de la crueldad y señalando sucesos en las aulas entre la comunidad estudiantil y docente. Un trabajo creado en comunidad por un grupo de estudiantes que protestan ante la intimidación en el ámbito educativo y que tendrá temporada en el Teatro Helénico los lunes y martes del 22 de abril al 28 de mayo de 2024.

¿Qué es una escuela que quiere formar mariposas y al mismo tiempo hace de sus alas polvo?; ¿por qué es fácil actuar de forma violenta? Obedeciendo a éstas y a muchas otras necesidades, la compañía Un Tropel nace en 2021 a raíz de un paro realizado en la Escuela Nacional de Arte Teatral con el fin de visibilizar la violencia de género y escolar. Su principal objetivo fue buscar horizontalidad entre la dirección, la dramaturgia y las distintas áreas creativas del quehacer teatral, lo cual les ha llevado a construir un soporte para los distintos proyectos de sus integrantes valiéndose de la diversidad de miradas que lo conforman. Este trabajo escénico se pregunta: ¿cómo se coloca una actriz frente, debajo o junto a la ficción y para qué? ¿El espacio es la metáfora del derrumbe?

Un tropel de mariposas dinamita el aire es un collage escénico conformado por viñetas con distintos estilos y formas teatrales, es un armado de pedazos de sueños rotos por la violencia, miedos y también, de deseos e investigaciones personales que revisita escenas de autores como Camus, Liddell, Muller, Shakespeare, Wolf, Brontë, así como números de teatro musical y dramaturgia corporal.

La obra cuenta con perfiles creativos interesantes; la dramaturgia es un trabajo conjunto de todas y todos las personas de la compañía Un Tropel y Talia Yael, (ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2019); la dirección corre a cargo de Micaela Gramajo, actriz e investigadora teatral quien actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte; el elenco está conformado por: Alejandro Rojas, Andrea Aguilera, Arantza Durand, Danna Muñiz, Dayane Romo, Emma Malacara, Erika Mora, Fernanda Mora, Ru Casas y Sarah Mendoza; el diseño de escenografía e iluminación fue concebido por Ana Luisa Gama; el diseño multimedia es creación de Karla Sánchez Kiwi, y el diseño sonoro es de Dulce Mariel.

Reiteramos que Un tropel de mariposas dinamita el aire se presentará los lunes y martes a las 20:00 horas, del 22 de abril al 28 de mayo de 2024 en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de $250. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento válida hasta el 22 de abril. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com. 

Más información a través de las páginas: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

• Puesta en escena que aborda la importancia del jaguar en la cosmología maya

• Ofrecerá temporada del sábado 6 al domingo 21 de abril, en el Teatro Salvador Novo

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura federal, presenta la obra Balam El Jaguar, propuesta escénica que aborda la relevancia del jaguar en nuestras culturas. Tendrá funciones los sábados y domingos del 6 al 21 de abril, en el Teatro Salvador Novo.

Bajo la dirección de Jesús GarcíaRa, Balam El Jaguar adentra a los espectadores a la cosmología ancestral maya, en dónde Balam, nombre maya con el que se conocer al jaguar, hijo del dios Sol, narra la creación del universo, la de los primeros hombres formados del maíz, el florecer y avasallamiento de las culturas originarias, la invasión de europeos en estas tierras, así como la destrucción y saqueo de sus riquezas naturales.

Los mayas decían que hubo en estas tierras hoy llamadas americanas “tantos jaguares como estrellas hay en el universo”, sin embargo, por causa de la depredación de su hábitat y la cacería, se le ha visto afectada, a tal grado que su población se ha reducido a aproximadamente tres mil ejemplares en todo México.

Este montaje llevará a los asistentes a un viaje por la fantasía, el misterio, la barbarie y la reflexión sobre dichos que rezan: “vale más el jaguar muerto que vivo”. En algún lugar de estas tierras caminan juntos dos jaguares, contra 10 que son asesinados en este instante, ya que son cazados con fines esotéricos y medicinales.

Jesús GarcíaRa, nacido en Tabasco, es egresado de la Escuela de Arte Teatral del INBA y desde 1982 trabaja profesionalmente como actor, director y productor de varias obras entre las que destacan Ida y vuelta de Mario Benedetti, Edipo Rey de Sófocles, El Ciclope de Eurípides y actualmente como un tributo a nuestras culturas ancestrales, Balam El Jaguar de su propia autoría.

Balam El Jaguar se presentará como parte del ciclo Primavera Escénica, del sábado 6 al domingo 21 de abril, los sábados a las 19:00 h y los domingos a las 18:00 h, en el Teatro Salvador Novo. Los boletos tendrán un costo de $150 pesos con descuentos del 2x1 comprando los miércoles en la página comprarboletos.cenart.com. En taquillas del Cenart obtén descuentos para estudiantes, maestros y adultos mayores con credencial. Consulta el programa completo en la página www.cenart.gob.mx

Redacción

• Una obra de Maribel Carrasco, Premio Nacional de Dramaturgia 2023, Juan Ruiz de Alarcón, que la compañía española Karlik danza-teatro ha llevado a escena bajo la dirección de Cristina D. Silveira. La directora ganó, por esta dramaturgia, el primer lugar del Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena de la Ciudad de Torrejón de Ardoz, en Madrid

• Un texto con más de 30 años considerado pieza clave de la literatura dramática infantil en México

• Del 13 de abril al 5 de mayo de 2024, a las 13:00 horas, preventa 30% hasta el 12 de abril

¿Qué de lo que olvidamos o perdemos vale la pena recuperar? 

La producción internacional a cargo de la compañía española Karlik danza-teatro, Cooperativa Cultura en movimiento escénico y Axismundi presentan: El pozo de los mil demonios de Maribel Carrasco que, bajo la dirección de Cristina D. Silveira, nos sumerge a un mundo de realismo mágico a través de una historia plagada de metáforas, simbolismos, paisajes sonoros y lumínicos, con un tratamiento oscilante entre lo cinematografico y lo teatral; tendrá una breve temporada del 13 de abril al 5 de mayo de 2024, a las 13:00 horas, en el Teatro Helénico.

A tres décadas de su creación, Carrasco describe la obra como: “una Alicia en el país de las maravillas dentro del imaginario e identidad cultural mexicana”; se trata de una fantasía en blanco y negro, la creación de un mundo austero e incompleto que exige al espectador, niño o adulto, su participación activa, inteligente y libre.

La pieza la conforman relatos limítrofes entre la ficción y la realidad, entremezclados con las memorias de sus personajes, configurándose una simbiosis que transcurre en el fondo de un pozo seco; paisaje árido que recuerda a los parajes míticos de Juan Rulfo y que no están muy alejados de los paisajes actuales condicionados por la falta del líquido vital.

En la obra, el público conocerá a Jacinta, una valiente niña que de la mano de su muñeca y la Niña-Pájaro se enfrentará a demonios, alimañas y a toda clase de personajes chiflados, para ello, deberá vencer sus miedos y saltar a lo profundo de un pozo seco en el que el Chamuco y el Demonio de la sequía se han metido llevándose el cántaro con agua del que depende tanto su vida como la de la Tierra misma.

Cabe mencionar que El pozo de los mil demonios narra ciertos aspectos autobiográficos de su autora, Maribel Carrasco, quien creció en la zona de los llamados brujos de Catemaco, Veracruz, y cuya nana indígena influyó en su cosmovisión al compartirle leyendas y cuentos cada vez que iban o venían del pozo: “asomarse a un pozo es mirar el reflejo de la eternidad, es también asomarse dentro de una misma; es mirar en el ojo de tu propio ojo, encontrarte con tu origen y con el origen de la tierra. Una dicha y un privilegio compartir esta historia que es a la vez el sueño, la invención y el recuerdo de aquella niña que un día fui, en algún lugar de México”, refiere a propósito de su texto.

Por ello, esta puesta en escena sigue la estructura de lo que los antropólogos llaman "el viaje del héroe", un trayecto que todos emprendemos para descubrirnos, evolucionar, cambiar y aprender de la infancia a la adolescencia. 

La obra cuenta con la dirección de Cristina D. Silveira y un elenco que viaja desde España para las presentaciones; David Pérez Hernando como productor y director técnico; actuaciones de Elena Rocha, Jorge Barrantes, Laura Reyes, Sergio Barquilla e Iván Luis; María del Mar López Martín en el diseño de escenografía; Álvaro Rodríguez Barroso en la composición de música, y Patricio Luengo en el diseño de vestuario.

Reiteramos que El pozo de los mil demonios se presentará los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de $310. Actualmente hay una preventa del 30% hasta el 12 de abril. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: www.helenico.gob.mx.

Más información a través de las páginas: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com

Redacción

• Serán funciones dobles, de entrada libre, los miércoles y jueves del 20 al 28 de marzo de 2024 en el Teatro Helénico

Desde la contemplación de los ciclos de la vida hasta el reconocimiento del saber ancestral, el Centro Cultural Helénico recibe: Vida y gloria de una oruga filósofa y Tzibi, el que habla con el camino, obras que se desprenden de la convocatoria Premio a proyectos de producción escénica en Aguascalientes 2023, en colaboración con el Instituto Cultural de Aguascalientes.

Porque la filosofía también es territorio para la niñez, la Colectiva Ramas y Raíces presenta: Vida y gloria de una oruga filósofa, un espectáculo dirigido a las infancias en edad preescolar (de cuatro a seis años) que plantea una experiencia escénica reflexiva sobre la transformación, el ciclo de las cosas y de la vida.

Una obra que permite acercarse a la mirada dé y para la infancia, al responder tanto a situaciones triviales como complejas; autoría de Michelle Guerra (quien también dirige la puesta en escena) y Jessica Valenzuela (quien actúa el unipersonal). Se invita al público a vivir esta experiencia el miércoles 20 y jueves 21 de marzo de 2024 a las 17:00 y 18:30 horas en el Teatro Helénico.

Tzibi, el que habla con el camino es una adaptación de Israel Garay, del cuento del mismo nombre de la autora Paola Klug. Montaje que invita a las nuevas generaciones a revalorar la cultura mexicana, sumergiéndose y conociendo las diferentes culturas indígenas que se expanden a lo largo y ancho de nuestro país, así como sus tradiciones, misticismos y leyendas.

La obra relata la vida de Tzibi, un niño que, gracias a su don de comunicarse y conectarse con el universo y sus ancestros, protegerá a su comunidad y rescatará sus raíces, contando su historia de pueblo en pueblo, cuando hombres blancos invadan su región con la intención de exterminar su cultura.

Se trata de un espectáculo multidisciplinario dirigido al público en general (a partir de los siete años) a cargo de la compañía Raíz Laboratorio Escénico, bajo la dirección de Israel Garay y producción de Mar Ayesha Alaniz. El elenco está conformado por Daniel Bolaños, Alma Rosa Miranda (Cica), Yessenia Esparza, David Sandoval y Ricardo López. Las funciones se llevarán a cabo el miércoles 27 y jueves 28 de marzo de 2024 a las 17:00 y 18:30 horas en el Teatro Helénico.

Estas presentaciones son de entrada libre y dirigidas a un público familiar.

Más información a través de las páginas de internet: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

• Está conformada por 51 obras que se presentarán en distintos recintos del país. La cooperación de las instituciones culturales estatales ha sido fundamental para llevar a cabo estas funciones

La Secretaría de Cultura, a través del Centro Cultural Helénico, en coordinación con la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, con el apoyo del proyecto prioritario Chapultepec, Naturaleza y Cultura y la cooperación de las instituciones culturales de 16 estados de la República mexicana, presentan: Territorio teatral, una iniciativa, que ofrecerá una plataforma de exhibición de espectáculos teatrales para enriquecer la vida cultural de los estados participantes y fomentar el vínculo entre las y los artistas.

Para conmemorar el Día Mundial del Teatro 2024, el Centro Cultural Helénico, en colaboración con autoridades culturales de 16 entidades (Aguascalientes, Baja California, Chiapas, Chihuahua, Coahuila, Colima, Durango, Guanajuato, Jalisco, Nayarit, Sinaloa, Sonora, Tamaulipas, Tlaxcala, Veracruz y Ciudad de México), expande su programación para continuar con la acción que posee el teatro como un agente que incide positivamente en el desarrollo personal y en la configuración de valores colectivos.

Territorio teatral 2024 es una iniciativa que permite resignificar el valor de las artes escénicas en la sociedad, ofrece una cartelera variada apta para ser compartida en familia. Este esfuerzo no solo amplía el alcance geográfico de la oferta cultural, sino que también desempeña un papel esencial en la construcción de puentes sociales.

La programación será gratuita durante marzo y abril en distintos recintos culturales de los estados anteriormente mencionados. Además, un par de estas funciones se realizará en el Sistema Nacional de Asistencia Social Pública y Privada (SNDIF) y en un Centro de Reinserción Social.

A continuación, algunos de los proyectos que conformarán esta programación:

Cuéntame Baja California

Somos agua Baja California

Bajo el ala aleve del leve abanico Baja California

Los cuervos no se peinan Chiapas

Amada Chiapas

Sk'op yu'un antsetik bolom, palabras de las mujeres jaguar Chiapas

Andar con los pies sueltos Aguascalientes

EVEIN Aguascalientes

Machetes Aguascalientes

¿Por dónde? Aguascalientes

Una ciudad de montañas Chihuahua

Manual para construir alas Chihuahua

El power ranger rojo (no sé si mi papá esté orgulloso de esto) Chihuahua

Bibliotekaventureka. La leyenda de los tres mil doscientos soles Tamaulipas

El Ogrito Tamaulipas

El silencio de Júpiter Tamaulipas

Waiting for Julieta Tamaulipas

Mujer, sitio de memorias Veracruz

Golondrinas Veracruz

Crónicas improbables en la vida de Tom, a partir del encuentro con una gallina intergaláctica Veracruz

Animales Veracruz

Grises Veracruz

En la lona Jalisco

Llévame Jalisco

Bruta Jalisco

El pastel de Verona Sinaloa

Diario de un viajero Sinaloa

Mueran los lobos (o cómo recuperar el honor) Coahuila

El jardín en tu zapato Sonora

B612 Sonora

Nuestra señora de las nubes Sonora

Terrier: tierno y peligroso Nayarit

Nayarit: o de cómo no soy pez, soy ave Nayarit

Rastreadoras Guanajuato

La casa de los Reyes Guanajuato

Puthana Moksha Guanajuato

"Vuela, Pupa". Monólogo trágico luminoso...desde un salón de clases Durango

¡Papá, mamá! ¿Qué es ser niñx? Durango

El príncipe feliz Durango

Ventura Durango

El Nuevo Oeste Durango

Marcelino pan y vino Durango

El hombre de la rata Durango

Arrullos para el corazón Colima

Animalías Colima

Decadente chou Colima

Biutiful boy Tlaxcala

El común y corriente Tlaxcala

Concerniente al albedrío Tlaxcala

Pato Schnauzer Tlaxcala

Mamá polar y sus 100 caballos de fuerza Tlaxcala

Going Bananas, viaje a dos ruedas de una migrante empastillada Tlaxcala

Las raíces del silencio Tlaxcala

Es importante mencionar que los proyectos que conforman Territorio teatral se nutren de la diversidad de los distintos géneros y estilos teatrales y es una muestra del despliegue escénico que se desarrolla en los estados participantes.

Conoce la programación completa en las páginas de internet: www.helenico.gob.mx y www.mexicoescultura.com.

Redacción

• Un drama de Gabriel Calderón, bajo la dirección de Cristian Magaloni, escenificado por un elenco de primer nivel

• Con la colaboración de IM producciones y Kupfer Producciones

• Temporada de viernes a domingo del 15 de marzo al 28 de abril; preventa del 30% hasta el 17 de marzo

El mundo es una balanza rota

El desespero y dolor de una madre ante la imposibilidad de costear el tratamiento de cáncer de su hijo la conducirán a cometer actos de dudoso juicio para la moral predominante de la sociedad; privar a su vástago del último llamado de la vida no es una opción. La radicalidad de los hechos la orillarán a convertirse en un peligro para el resto; ¿hasta qué punto es excusable la atrocidad cuando se trata de proteger a nuestros seres queridos? El Centro Cultural Helénico presenta esta historia en: Ana contra la muerte.

Montaje que aborda tópicos de naturaleza insondable como la vida, la muerte, el amor incondicional y la lucha por la supervivencia en circunstancias adversas. Una vez más su autor, Gabriel Calderón, se aleja de su faceta humorística y de fantasía —que fueron su marca en los últimos años— para poner sobre la mesa temas como la familia, la violencia y la muerte en aras de “buenas intenciones”, donde el público deducirá y construirá por sí mismo su versión de la historia.

La obra invita a reflexionar sobre cómo podemos comprender y defender a una persona que se torna amenazante para la sociedad, en pos de su lucha contra la muerte de su hijo; en este contexto la importancia de la dramaturgia radica en su enfoque honesto y sin concesiones sobre la realidad de la vida y la muerte, especialmente en un ambiente de pobreza. La virtud del drama es situar al espectador en un punto de discordia deliberado, lo que supone un desafío emocional que lo enfrenta a sus propios miedos y prejuicios a medida que observa el desgaste de Ana.

Esta obra cuenta con un poderoso elenco conformado por cuatro talentosas actrices: Mariana Giménez, Nohemí Espinosa, Montserrat Ángeles Peralta y Mariana Gajá. En cuanto al equipo creativo, la dirección es de Cristian Magaloni; el diseño de escenografía de Emilio Zurita, el diseño sonoro, arreglos y música original de Leo Soqui, un trabajo que en conjunto logra crear una experiencia teatral cohesiva y armoniosa que resalta sus argumentos principales.

La iluminación en Ana contra la muerte juega un papel fundamental en la representación de la obra, ya que complementa la dirección y refuerza la atmósfera emocional que se busca transmitir. La propuesta de iluminación diseñada por María Vergara busca resaltar la posición de Ana como eje central de la obra. El vestuario, diseñado por Giselle Sandiel, es otro componente crucial en la puesta en escena, ya que refleja la fuerza y determinación de Ana en su lucha.

Ana contra la muerte es una producción teatral nacional realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (Efiartes) y producida por Ivonne Márquez y Ana Kupfer, en sociedad con Sergio Mingramm y Enrique Orozco. Se presentará del 15 de marzo al 28 de abril, los viernes a las 20:00 horas; así como sábados y domingos a las 18:00 horas en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $310.

Actualmente hay una preventa del 30% de descuento válida hasta el 17 de marzo. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: https://helenico.gob.mx/ y www.mexicoescultura.com.

Por Luis Gasca

"Una obra teatral honra la vida y el arte de la icónica escultora francesa"

El Centro Cultural del Bosque (CCB) presenta una obra teatral que rinde homenaje a la vida y obra de esta pionera del arte escultórico. Bajo la dirección de Diego Vázquez y protagonizada por Yuriria Fanjul, en esta obra se narra la apasionante historia de amor entre Claudel y su mentor, Auguste Rodin.

La sala Xavier Villaurrutia es el escenario donde se recreará la tumultuosa relación entre dos genios del arte. La obra aborda la valiente lucha de Claudel por ser reconocida en un mundo dominado por hombres, así como su arduo camino hacia la aceptación y la trascendencia.

"Camille Claudel" es más que una simple representación teatral; es un tributo a la incansable determinación de una mujer adelantada a su tiempo, que desafió los convencionalismos de su época para dejar un legado perdurable en el mundo del arte. A través de esta producción, se busca reivindicar la figura de Camille Claudel y resaltar su impacto en la historia cultural.

La obra estará en cartelera del 7 al 17 de marzo, con funciones los jueves y viernes a las 20:00 h, los sábados a las 19:00 h y los domingos a las 18:00 h. Los boletos están disponibles por $150 y pueden adquirirse en las taquillas del CCB.

No te pierdas esta oportunidad única de sumergirte en la fascinante vida y obra de una de las escultoras más influyentes de la historia. Acompáñanos en este viaje emocional y artístico que celebra el legado perdurable de Camille Claudel.

Redacción

• Adaptación de la novela Canción de tumba, de Julián Herbert, se presentará del 20 de marzo al 25 de abril en el Foro La Gruta

• Se trata de un unipersonal, a cargo de la compañía El Mirador, en el que la verdad autobiográfica y la ficción construyen una historia de boleros, melodrama y rebeldía

 Mi madre no es mi madre. Mi madre era la música

El Centro Cultural Helénico y la compañía El Mirador presentan: Flores negras del destino nos apartan, un espectáculo unipersonal basado en Canción de tumba del autor Julián Herbert, quién fue galardonado dos veces por esta obra con el Premio Jaén de Novela 2011 y el Premio Iberoamericano de Novela Elena Poniatowska 2012; tendrá temporada del 20 de marzo al 25 de abril en el Foro La Gruta.

La puesta en escena basa su discurso estético en la cinematografía y la música.  Belén Aguilar, la directora, construyó una ventana al universo de la memoria, en el que el hijo de Guadalupe, una ex trabajadora sexual afronta la inexorable partida de su madre enferma, y a su vez, a través de remembranzas, imágenes y canciones, dibuja con su historia, un periplo de la fragilidad humana; una biografía llena de ternura, humor y una crueldad absoluta.

La madre —personificada por la actriz Lorena Glinz— se hace presente a través de imágenes proyectadas como recuerdos que evoca su hijo —papel interpretado por José Juan Sánchez— durante su espera en el hospital. Este viaje es como un filme de recuerdos matizados con boleros cubanos, que llaman al público a transitar por una amplia gama de sentimientos que van desde el dolor y la pérdida, hasta la reconciliación y el amor. Se trata de un dibujo a mano alzada lleno de ternura; un vaivén emocional que despliega la compleja relación entre una madre y su hijo a través de los años.

Este proyecto, además de ser un ejercicio autobiográfico de Julián Herbert, Belén Aguilar y José Juan Sánchez, es un espejo de la relación entre México y sus habitantes. Es una hipótesis y reflexión respecto al gusto de los “hijos de México” en su afición a las lágrimas, la sangre, el amor y los boleros, así como un recuento de la historia y de la innegable dicotomía nacional del gusto por el melodrama y la afición a la violencia.

Flores negras del destino nos apartan se ha presentado en el Teatro El Galeón y el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque;  en Colombia, dentro del Festival Internacional de Teatro de Manizales, y el Festival de Teatro y de Música San Ignacio, en Medellín, donde fue cálidamente recibida por el público. Asimismo, el proyecto fue seleccionado por el INBAL en el rubro de Dirección joven en 2021.

La obra cuenta con la dirección de Belén Aguilar; la adaptación e interpretación de José Juan Sánchez; la interpretación en el dispositivo de cinematografía es de Lorena Glinz; el diseño de vestuario y asistencia general son de Kevin Arnoldo; la producción ejecutiva es de Belén Mercado; el diseño de escenografía e iluminación son de Jesús Giles; el diseño sonoro y la música original son de Cristóbal MarYán; la cinematografía es de Ernesto Madrigal, la coreografía es de Mauricio Rico y la programación multimedia estuvo a cargo de Diego Álvarez Robledo.

Flores negras del destino nos apartan, se presentará los miércoles y jueves a las 20:00 horas, del 20 de marzo al 25 de abril en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $250. Actualmente hay una preventa del 50% de descuento válida hasta el 19 de marzo. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet www.helenico.gob.mx.

Redacción

• Texto ganador del Sexto Premio Independiente de Joven Dramaturgia 2018, otorgado por Ediciones TeatroSinParedes

• La obra aborda la sensibilidad y la vulnerabilidad humana

• Del 18 de marzo al 23 de abril el unipersonal de Ana Vértiz, bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas, se presentará en el Foro La Gruta

Caer no es lo mismo que dejarse caer

Una puesta en escena que en palabras de sus productores propone: “dolerse y curarse en comunidad” llega al Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico con: Yo luché contra una ballena en las cataratas del Niágara. Un monólogo de Ana Vértiz, bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas, con la actuación de Belén Mercado. Tendrá una breve temporada del 18 de marzo al 23 de abril.

Texto que en 2018 ganó la sexta edición de la convocatoria Premio Independiente de Joven Dramaturgia (PIJD) —reconocimiento concedido por TeatroSinParedes, colectivo beneficiario del programa México en Escena—, el cual relata la historia del artista holandés Bas Jan Ader quien, en 1975, como parte de su pieza titulada In search of the miraculous, se adentró al océano atlántico para cruzarlo sin éxito; encontrándose tiempo después la balsa que lo acompañaba en la travesía… La compañía toma como punto de partida este suceso para hablar de la amistad, el duelo y la salud mental.

El montaje, de acuerdo con sus creadores, se funda en la necesidad de visibilizar los procesos emocionales que tienen que ver con la depresión, el duelo y el suicidio, para disuadir prejuicios y presentar alternativas, como el acompañamiento amoroso y respetuoso para la salud de las personas.

El equipo creativo lo conforman: Ana Vértiz como dramaturga; Manuel Cruz Vivas en la dirección; Gabriela Catalán en la producción; Alejandra Escobedo en el diseño de escenografía; Karla Bleu en el diseño de iluminación, Sergio Mirón en el vestuario; Mauricio Rico en el montaje de coreografía; Lau Charles en la realización de video documental; Daniel Primo en el diseño y programación del dispositivo de videoproyección; Luis Arturo Rodríguez en la voz, así como Lau Charles y Daniel Primo en el diseño y la realización de video.

Reiteramos que Yo luché contra una ballena en las cataratas del Niágara se presentará los lunes y martes a las 20:00 horas, del 18 de marzo al 23 de abril en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $260. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento válida hasta el 17 de marzo. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: www.helenico.gob.mx.

Para más información, también se puede visitar el sitio: www.mexicoescultura.com.

Redacción

Una iniciativa del Centro Cultural Helénico en colaboración con el Centro Nacional de las Artes

La oferta consiste en cinco talleres y siete cursos MOOC sobre las artes escénicas, dirigidos a personas involucradas en el quehacer teatral

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con el Centro Nacional de las Artes, invita a personas gestoras, productoras, escritoras, académicas y creadoras escénicas de todo el país, a participar en el programa Helénico en línea 2024, en sus dos modalidades: talleres y cursos Massive Online Open Courses (MOOC).

Se trata de una estructura de capacitación integral en temáticas clave como la dramaturgia, la dirección, la producción, la escenografía, la iluminación, la música y el marketing cultural, esta oferta educativa abona a la formación teatral de las diversas comunidades artísticas del país.

Para su ejecución, se contó con la guía de reconocidas creadoras y creadores del ámbito teatral como: Verónica Maldonado, Martín López Brie, Camila Villegas, Itzel Lara, Félix Arroyo, Ximena Escalante, Luis Mario Moncada, José Caballero, Jimena Saltiel, Pedro Kóminik y Rodrigo Flores, entre otros, quienes serán el vínculo con la comunidad estudiantil, tutorando su aprendizaje y dándole continuidad a su experiencia educativa.

Luego de cinco años de trabajo continuo, esta plataforma se ha consolidado como una de las más completas, versátiles y vigentes sobre el acontecer teatral, posicionándose en la predilección del público por su formato, dado que cada curso o taller se compone de tres a cinco módulos teórico-prácticos.

La oferta académica que el público disfrutará en 2024 la integran los talleres:

Dirección de espectáculos de pequeño formato

Del 13 de abril al 29 de junio

Dramaturgia básica

Del 20 de abril al 6 de julio

La construcción de lo femenino en la dramaturgia contemporánea

Del 26 de abril al 26 de junio

Dramaturgias contemporáneas

Del 18 de mayo al 5 de agosto

Introducción a la dirección

Del 31 de agosto al 11 de noviembre

El cupo de cada taller es limitado a 20 participantes, quienes deben aprobar el proceso de selección y cumplir en tiempo y forma con las actividades sugeridas. Únicamente las personas seleccionas serán notificadas vía correo electrónico.

Cursos MOOC:

El ABC de la producción

Del 4 de mayo al 1 de julio

Gestión de públicos en espacios independientes

Del 17 de mayo al 8 de julio

Principios de escenografía

Del 1 de junio al 29 de julio

Diseño de vestuario para la escena

Del 6 de julio al 9 de septiembre

Marketing cultural para tu proyecto escénico

Del 13 de julio al 16 de septiembre

Ilumina tu proyecto escénico

Del 9 de agosto al 13 de octubre

De la música original a la dramaturgia sonora

Del 5 de octubre al 2 de diciembre

El cupo de cada MOOC es ilimitado, las personas inscritas deberán dar seguimiento a su proceso de selección y cumplir con las actividades propuestas del curso.

Este programa flexibiliza el aprendizaje, permitiendo a personas de diversas ubicaciones acceder a una educación de calidad, prepara a las y los estudiantes para afrontar los desafíos de un mundo cada vez más interconectado y enriquece su experiencia formativa.

Conoce a detalle la oferta del programa Helénico en línea 2024 en las páginas de internet: www.mexicoescultura.com, www.vidaacademicaenlinea.cenart.gob.mx y www.helenico.gob.mx.

Redacción

• • Dividida en dos apartados: Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo, y Premio Nacional de Dramaturgia escrita por Mujeres Incendia 2024

  • Se otorgarán premios de $120,000 y $200,000 pesos, respectivamente

  • Diseñadas para fortalecer la creación de nuevas dramaturgias que reflejen la diversidad de voces e historias de las y los escritores mexicanos             

En consonancia con el proyecto de trabajo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México por ampliar el alcance de sus programas y potenciar el desarrollo artístico en las jóvenes generaciones, el Centro Cultural Helénico continúa con los Premios Nacionales de Dramaturgia, 2024; dicha convocatoria contribuye a responder a los paradigmas culturales que enfrenta el siglo XXI; abonando así a la creación de nuevos textos que refresquen y fortalezcan el panorama dramatúrgico del país.

Con el objetivo de fomentar la escritura e impulsar el talento de las dramaturgas y los dramaturgos mexicanos o nacionalizados, el Centro Cultural Helénico, el Fondo de Cultura Económica, a través del Programa Editorial Tierra Adentro y la Secretaría de Cultura Jalisco, presentan:

Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo. Dirigido a escritoras y escritores de 18 a 29 años, quienes deberán enviar un texto inédito en español o en alguna de las lenguas indígenas nacionales —en tal caso, deberá acompañarse de su respectiva traducción al español—, con una extensión mínima de 20 y una máxima de 75 páginas. El tema, género y estilo son libres. Es importante mencionar que quedarán excluidas las propuestas que promuevan la violencia o discriminación en cualquiera de sus formas.

El premio consiste en un monto único e indivisible de $120,000 pesos, asimismo, la obra ganadora será producida por el Centro Cultural Helénico para ser estrenada con una temporada en el Foro La Gruta durante 2025. La fecha límite para la recepción de postulaciones será el viernes 5 de abril a las 15:00 horas; mientras que el anuncio de la persona ganadora se dará a conocer a través del sitio helenico.gob.mx, en las redes sociales del Centro Cultural Helénico y de Tierra Adentro, el miércoles 5 de junio de 2024.

Premio Nacional de Dramaturgia escrito por Mujeres, Incendia. Dirigido a todas las escritoras profesionales nacidas en México o nacionalizadas, residentes dentro o fuera del país, con un texto dramático inédito con tema y forma libres. Se trata de un reconocimiento que surge con el fin de visibilizar, incentivar y difundir el quehacer dramatúrgico de las creadoras mexicanas de todas las edades.

El premio consiste en un monto único e indivisible de $200,000; además, la obra ganadora será producida por la Secretaría de Cultura de Jalisco, esta estrenará y tendrá una temporada en un espacio público adscrito a esta institución, en el marco de su programación 2025. La fecha límite para la recepción de postulaciones será el viernes 5 de abril a las 15:00 horas; mientras que el anuncio de la mujer ganadora será dado a conocer el lunes 13 de mayo de 2024, en las páginas: helenico.gob.mx y sc.jalisco.gob.mx; así como en las redes sociales del Centro Cultural Helénico y de la Secretaría de Cultura Jalisco. 

De esta forma el Centro Cultural Helénico responde a las políticas públicas que promueven el desarrollo artístico de las jóvenes generaciones al impulsar la creación de textos que reflejen las inquietudes y pensamientos que corresponden a su contexto, además de poner al alcance distintas plataformas públicas para la exhibición de su trabajo y propiciar un diálogo cultural enriquecedor que contribuye al entendimiento en comunidad y al fortalecimiento del tejido social.

La convocatoria completa puede consultarse en las páginas: www.helenico.gob.mx, www.mexicoescultura.com y www.cultura.gob.mx/convocatorias.

Redacción

Del 11 al 21 de julio se llevará a cabo FULGOR 2024. Encuentros escénicos como destellos en los diversos recintos culturales de esta dependencia

Durante 2024 se producirán tres puestas en escena  dirigidas a público infantil, adolescente y una dedicada al centenario del natalicio del dramaturgo mexicano Sergio Magaña

Con el objetivo de acercar la producción escénica nacional a los distintos recintos culturales de la capital y promover el intercambio entre creadores escénicos, la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México a través del Sistema de Teatros presentó este jueves la muestra de espectáculos nacionales FULGOR 2024. Encuentros escénicos como destellos, que se realizará del 11 al 21 de julio del presente año y tres nuevas producciones que habrían temporadas el los recintos culturales.

Más información en: https://www.cultura.cdmx.gob.mx/comunicacion/nota/048-24

• Corta temporada del 7 de marzo al 14 de abril en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, funciones de jueves a domingo

• Idea original y dirección de David Psalmon, con la dramaturgia de Guillermo León

• Con las actuaciones de Bruno Mestri, Beatriz Luna, Roam León, Erwin Veytia, Lou Best, Itzel Tovar, Jorge Maldonado y David Psalmon

El Viaje de Bretón, cien años de surrealismo es una creación multidisciplinaria en la que se cruzan el teatro, la música interpretada en vivo y las artes visuales, para crear una experiencia sensorial e intelectual irrepetible.

 Corre el año de 1938, el padre del surrealismo, André Breton, viaja a México para dar una conferencia, pero nada sale como estaba previsto en “el país más surrealista del mundo”. Se embarca entonces en un viaje de lo más inesperado, en una sucesión de encuentros delirantes con los personajes más imprevisibles: desde el presidente de México a León Trotsky, pasando por Frida Kahlo, Remedios Varo, Siqueiros, Antonin Artaud, Pancho Villa, la chamana Pachita, El Santo y muchos otros. 

Cuando lo que se espera no puede suceder, comienza entonces lo que debe imaginarse, más allá de los límites de la realidad. El que venía a “enseñar el surrealismo” termina irónicamente en un viaje iniciático que revolucionará su visión del mundo y arrojará, quizás, un nuevo sentido a su existencia. 

El viaje de Breton, se inscribe en el año de la conmemoración del centenario de la publicación del Manifiesto del Surrealismo de André Breton (1924), que constituye el acta de nacimiento oficial de un movimiento artístico e intelectual de enorme importancia, siendo Francia y México los dos polos más representativos. 

La obra se inspira en el viaje que Breton realizó en México en 1938, con el fin de dar una serie de conferencias. De acuerdo con David Psalmon, director, “con este proyecto, decidimos reinventar y reinterpretar dicho suceso, transformando la conferencia en un acontecimiento imposible de acontecer ya que, por una razón u otra, siempre pasa algo que impide que se lleve a cabo. Como Breton no puede realizar la actividad por la cuál vino a México, se embarca entonces en una serie de aventuras delirantes y de encuentros inesperados, a través del tiempo y del espacio”. 

Este espectáculo parte de un hecho real por lo que se realizó un trabajo de investigación previa, entre otros, gracias el preciado estudio de Fabienne Bradu titulado André Breton en México, sin embargo, no pretende dar fe de lo que fue verdaderamente el viaje de Breton en México. 

Esa visita no es más que un pretexto para dar rienda suelta a los imaginarios. Si bien, a lo largo de este viaje teatral quimérico, Breton se encontrará con personajes históricos que conoció realmente (como Frida Kahlo, Diego Rivera o León Trotsky), la naturaleza de sus encuentros es totalmente imaginaria. Por otro lado, el equipo creativo se tomó la libertad de hacer coincidir personajes que no pertenecen a la misma época pero que, de alguna forma, están conectados (voluntariamente o no) con el surrealismo.

De acuerdo con Psalmon  El viaje De Breton “pretende ser a la vez un espectáculo de comedia y ofrecer una reflexión profunda sobre nuestro presente. El divertimiento y el pensamiento no tienen por qué estar peleados. Es una invitación al viaje, a utilizar el pasado y el legado de los surrealistas para cuestionar nuestro presente, trastocar nuestra visión del mundo y, quizás, dar un nuevo sentido a nuestra existencia”. 

Esta obra es también un homenaje a México, “tierra del surrealismo por antonomasia” como lo afirmaba Breton, donde los límites entre lo real y lo surreal son a menudo, difícil de distinguir con claridad. 

El equipo de El viaje de Bretón, cien años de surrealismo lo integran David Psalmon en la dirección, la dramaturgia de Guillermo León, el diseño de escenografía e iluminación es de Sergio López Vigueras, la música original es de Daniel Hidalgo y Francesc Messeguer, el diseño sonoro de Daniel Hidalgo, el diseño de vestuario corre a cargo de Mario Marín del Río, Héctor Cruz es el encargado del dispositivo multimedia y el diseño de proyección y la producción ejecutiva de Monserrath Brenes. 

El Viaje de Bretón, cien años de surrealismo, de la compañía TeatroSinParedes se presentará de jueves a domingo, del 7 de marzo al 14 de abril, en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque. Los Boletos tienen un costo de 150 pesos, con precio especial de 30 pesos los jueves,  y se pueden obtener en taquilla o por Ticketmaster.   

*Producción Nacional Teatral realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (EFIARTES)

**Proyecto apoyado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC)

Redes sociales:  

Página web: www.teatrosinparedes.com 

Facebook: TeatroSinParedes Fan Page (TSP) 

Instagram: @teatrosinparedes

Twitter:@TeatroSinPared

Redacción

Drama, bajo la dirección de Ruby Tagle Willingham, escenificada por un reconocido elenco y un premiado equipo creativo

Preventa del 30% hasta el 1 de marzo 

Amor, poder y venganza

Por primera vez en México se presenta La duquesa de Malfi*, del dramaturgo inglés John Webster, obra que contará con la dirección escénica de la experimentada maestra Ruby Tagle Willingham, una producción realizada con el estímulo fiscal Efiartes y el contribuyente aportante Actinver, que pone en relieve los contrastes entre una anquilosada moral y un feminismo en ciernes; se trata de un apasionante drama que tendrá temporada del 2 de marzo al 14 de abril en el Teatro Helénico.

Puesta en escena que versa sobre los hermanos Ferdinando y el Cardenal, quienes harán todo lo posible para impedir que su hermana, la joven duquesa, se vuelva a casar, ignorando que ella lo hará en secreto. Para ello contratarán a Bósola, un melancólico rufián, para espiarla. Locura, venganza y un brote de licantropía se confabularán creando una gran intriga en la corte de Malfi.

A propósito de su montaje, Ruby Tagle expresa: “esta es la primera vez que se representa en el país. Para mí —la protagonista— es una mujer del futuro, con su bondad, inteligencia, dignidad, voluntad y espíritu de altos vuelos, nos regala el aliento de toda posibilidad, en el territorio social de las relaciones humanas, desde la equidad y la conciencia más profundas”.

La duquesa de Malfi es un personaje escrito a principios del siglo XVI, una mujer que se resiste a los embates de los hombres iracundos e irracionales que la rodean, actuando siempre de acuerdo con sus valores y guiada, a veces, por sus anhelos y deseos, que no dejan de ser correctos y justos. La duquesa, a pesar de ser una figura trágica, termina resaltando por su moral y humanidad, creando un ejemplo a seguir y dando un punto de reflexión para su audiencia.

Webster, su autor, enmarcó esta obra dentro del teatro isabelino y jacobino; en ella, distingue la complejidad de la psique de los personajes, su tendencia a la depravación, caracterizándose por su oscura visión del mundo, su habilidad para socavar los aspectos más oscuros de la naturaleza humana, así como el uso proverbial de la poesía, una brutalidad sanguinaria en algunas escenas, pero sobre todo, impregnando su dramaturgia de riqueza y fuerza.

Ruby Tagle Willingham es una destacada directora de escena y movimiento corporal que ha participado en más de 90 espectáculos para teatro, ópera y danza con reconocidos directores, festivales y compañías nacionales e internacionales. Entre sus últimos proyectos se encuentra Más allá de los hombres de María Luisa Ocampo, con la Compañía Nacional de Teatro, y próximamente Sin permiso fuera de casa de Ximena Escalante.

El equipo creativo está conformado por integrantes distinguidos y experimentados dentro de la escena teatral nacional: Ruby Tagle Willingham en la dirección escénica; Jesús Hernández en el diseño de la escenografía e iluminación; Carlo Demichelis en el diseño de vestuario; Jimena Fernández en el diseño de maquillaje y peinados; Emil Rzajev en el diseño sonoro y musicalización, así como Ramón Márquez en la dirección de combate escénico. La producción general es de Daniel Martínez y la producción ejecutiva de Rodrigo Caravantes.

En el elenco se encuentran Paulina Treviño, Everardo Arzate, Jorge Ávalos, Daniel Martínez, José Carriedo, Sonia Couoh, Coral de la Vega, Antonio Peña, Mariana Estrada, Katya Bizarro y Juan Pablo Aguayo.

Este apasionante drama se presentará del 2 de marzo al 14 de abril, con funciones los viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 horas, y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Helénico. El costo de los boletos es de $410 en la planta baja y $360 en la planta alta. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento válida hasta el 1 de marzo. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: https://helenico.gob.mx/ y mexicoescultura.com.

Redacción

*** A cargo de la compañía Travesías Escénicas, es un espectáculo a manera de pasarela

*** Ofrecerá tres funciones, del 23 al 25 de febrero, en el Teatro de las Artes 

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, que este año celebra su 30 aniversario, presenta nuevamente el espectáculo coreográfico Enredo barroco, piezas con historias que, a cargo de la compañía Travesías Escénicas, ofrecerá sólo tres funciones, del 23 al 25 de febrero, en el Teatro de las Artes. 

Bajo la dirección de Amada Domínguez y Marcela Aguilar, este Enredo es un espectáculo a manera de pasarela que presenta piezas con historias a través del movimiento, nuestro lenguaje natural, todo a partir de las pasiones que son motores de vida, que impulsan la sobrevivencia, trazan el camino y se convierten en historia personal. 

Pero este enredo es barroco, porque así es la cosmovisión latinoamericana: real-maravillosa, con su naturaleza de constantes metamorfosis, magia, creación de formas y simbiosis, donde el asombro se vuelve cotidianidad. El barroco implica movimiento que escapa a sus propias imágenes, es heterogéneo, cruce de culturas y en este caso, también cruce de disciplinas.  

Por ello, esta obra va desde el compositor italiano Scarlatti hasta el jazz de Lucio Sánchez, pasando por Manuel M. Ponce y las percusiones; desde las sedas finísimas hasta el yute, pasando por el siempre amable algodón; desde el movimiento sutil, íntimo, hasta el divertimento y, por qué no, la frivolidad son material de trabajo. 

Todo estructurado en siete partes que incluye un río de cuerpos que los arrastra a manera de gran parto; el encuentro amoroso como preservación de la vida; los hombres que son vigor, fortaleza y brío y donde las piernas serán las protagonistas de cada intérprete. 

Este Enredo barroco también presenta el vestido rojo para bailar, ese que sólo se usa una vez en la vida; “todes” que aborda el placer de unificarnos para no ser definidos por el género o sexo; las mujeres, un homenaje a la belleza, elegancia y la delicia de habitar un cuerpo con orgullo y finalmente, la migración, ya que todos nos vamos alguna vez. 

A pesar de toda esta travesía, Enredo barroco, piezas con historias que cuenta con poemas de Arabella Salaverry y Dora Moro, nos recuerda que todo está por hacerse. Un total de 12 bailarines en escena dan vida a esta obra coreográfica: Amada Domínguez, Ugo Ruiz, Joshua Echeverría, Mariana Estrada, Derek Galeana, Bernardo Kasis Galán, Athina Masiero, Odette Padilla Téllez, Alberto Quijano, Valeria Monserrat Silva, Lili Velázquez y Francisco Yllana. 

Enredo barroco, piezas con historias se presentará en el Teatro de las Artes, del 23 al 25 de febrero, con funciones el viernes, a las 20:00 h; sábado, a las 19:00 h; y domingo, a las 18:00 h. Los boletos tienen un costo de 150 pesos y se pueden adquirir en las taquillas del Cenart y en la página https://cenart.comprarboletos.com

Redacción

*** Monólogo con tintes de comedia en el que una tenista compite contra una contrincante recién llegada de Nueva Zelanda

*** Ofrecerá una corta temporada, del 10 al 25 de febrero, en el Foro Antonio López Mancera, en el marco de los #30AñosDelCenart

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presentará la puesta en escena Grand Slam, del 10 al 25 de febrero, en el Foro Antonio López Mancera.

Grand Slam es un monólogo con tintes de comedia en el que una tenista compite contra una contrincante recién llegada de Nueva Zelanda, solo para descubrir que el desafío es consigo misma. A partir de la metáfora deportiva se presenta una reflexión sobre la envidia y la competencia. Siempre queremos ganar, pero ¿por qué duele tanto perder?

Con la dramaturgia, dirección y actuación de Valentina Garibay, esta obra cuenta la historia de una adolescente que forma parte de un equipo de tenis que participará en un torneo. Ella se siente segura de sí misma, confía en sus habilidades y en su entrenamiento, pero todo cambia cuando llega la nueva compañera, lo que desestabiliza su confianza y su entorno.

Ambientada en los años noventa, Grand Slam presenta los dos meses de entrenamiento previos al torneo. Las escenas transcurren en la cancha, vestidores, recámara, librería, campo de guerra y hasta un casino, con momentos coreográficos que integran partituras escénicas en estilos como el ballet, la danza contemporánea, el tap, tai-chi y combate escénico, donde el arma será la raqueta de tenis, con movimientos inspirados en las posturas clásicas de este deporte.

“Lo que busco exponer con la temática central de la obra está relacionado directamente con el sistema socioeconómico capitalista y de meritocracia, que rige la mayor parte del mundo y que demanda que las sociedades sean cada vez más eficaces y competitivas, sin importar el desgaste que causan en los individuos”, explica Valentina Garibay.

En Grand Slam, que en 2020 fue seleccionada por el DramaFest, Festival Internacional de Dramaturgia Contemporánea, la tenista vive una situación dramática y trágica, una metáfora deportiva sobre la necesidad de reconocimiento.

Grand Slam se presentará del 10 al 25 de febrero en el Foro Antonio López Mancera, los jueves con función doble, a las 18:00 y 20:00 h; viernes, a las 20:00 h; sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h. Los boletos tienen un costo de 150 pesos, con promoción de jueves de 30 pesos y miércoles 2x1 en compra online. Para más información visita la página www.cenart.gob.mx

Redacción

Jengibre Teatro presenta:

DUELO DE BRUJOS O DE CÓMO UN DÍA PIERDES LA CREATIVIDAD

Escrita y dirigida por Ángel Luna

Con:

Ángel Luna · Itzhel Razo · Mauricio Jiménez-Quinto · Mónica Bajonero

Los brujos Sulán y Beltrá de pronto se quedan sin ideas y se retan a un duelo de creatividad. Para ganar, ambos comienzan a secuestrar a los más pequeños de Entelequia, el pueblo donde viven las niñas y los niños más inteligentes. ¿Quién logrará rescatar a los niños? ¿Quién ganará el duelo? Disfruta de esta fantástica historia que pondrá en juego tu creatividad con música, canciones, títeres y más.

FUNCIONES

Viernes 8 de marzo, 12:00 y 17:00 horas · Entrada gratuita

SALA DE CONCIERTOS ELISA CARRILLO

CENTRO CULTURAL MEXIQUENSE BICENTENARIO

Carretera federal México-Los Reyes km 14.3, Texcoco de Mora, Estado de México, CP 56250

Viernes 15 de marzo, 12:00 y 17:00 horas · Entrada gratuita

AUDITORIO RAMÓN NOBLE

CENTRO CULTURAL DEL FERROCARRIL

Gral. Ignacio Mejía s/n, colonia Morelos, Pachuca de Soto, Hidalgo, CP 42040

Sábado 16 y domingo 17 de marzo, 13:00 horas · Localidades: $184 pesos

TEATRO SERGIO MAGAÑA

Sor Juana Inés de la Cruz 114, colonia Santa María La Ribera, Cuauhtémoc, Ciudad de México, CP 06400

Duración aproximada: 60 minutos

Recomendada para toda la familia, niñas y niños 6+

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Facebook: /jengibreteatro · Instagram: @jengibreteatromx

Redacción

Un proyecto de la compañía: Tránsito Cinco Artes Escénicas

Escrita y dirigida por Jorge Díaz

Del 17 de febrero al 24 de marzo en el Teatro Helénico

Preventa del 30% hasta el 17 de febrero

¿Acaso la vida no es como el circo? Siempre estamos en la cuerda floja

Porque uno siempre vuelve a donde fue feliz, la compañía Tránsito Cinco Artes Escénicas regresa al Centro Cultural Helénico con: Biografía pintada de un circo; una obra que muestra la vida de las y los artistas circenses de una carpa itinerante donde tienen lugar la alegría, el asombro y donde los corazones jóvenes laten al ritmo de una música vibrante. Esta obra se presentará los fines de semana del 17 de febrero al 24 de marzo en el Teatro Helénico.

Escrita y dirigida por Jorge Díaz, Biografía pintada de un circo* habla sobre el descubrimiento de la pintura del “El circo de los hermanos niño bueno”; ahí presenciamos lejanas escenas que evocan personajes que malabarean sus historias y arriesgan sus emociones. Es en la figura del presentador que esta narración adquiere vida rememorando las más exquisitas singularidades del arte circense. Acróbatas, saltimbanquis, bufones y vendedores son retratados con la sensibilidad del pintor para el asombro del espectador.

En estas biografías, el público descubrirá los motivos por los cuales cada personaje llega a formar parte de la compañía: “Los hermanos Niño Bueno” y de cómo encontraron en este vuelo vertiginoso un “aire para el alma”.  Se trata de un montaje donde el movimiento escénico, la danza y la improvisación adquieren un importante relieve para lograr atmósferas precisas, además de actos de fuerza capilar, malabares, aro aéreo, tela, mástil chino, rueda cyr, zancos, acrobacia y contorsión.

“Tratamos de dar un pequeño antecedente de cómo se empezaron a desarrollar las habilidades de estos intérpretes del circo, cómo iniciaron a generarse estas disciplinas. Para nosotros el circo es un lugar de expresión y cierta magia, creemos que solo conociendo más a fondo sus raíces, el espectador puede sentirse aún más cautivado de esta disciplina. De esto se nutre el montaje y es lo que buscamos reflejar al público”, cuenta Jorge Díaz Mendoza, autor y director de esta puesta en escena.

El equipo creativo lo conforman: Jorge Díaz Mendoza en la autoría y dirección; en el elenco: Andrea Salas, Alejandra Palestina, Carla Díaz, Fernanda Palacios, Fernando Ignacio, Gerardo González, Gustavo Salas, Jessica González, Jorge Díaz, Olinsser Hernández y Ricardo Díaz; Jessica González en la producción y gestión; Edgar Mora en el diseño de escenografía e iluminación; Azucena Galicia en el diseño de vestuario; Eduardo Martínez como asistente de dirección y música; Silvia Lozano en la asistencia de producción y gestión; Humberto Granados en las relaciones públicas y medios; Jhair Monterrubio en el diseño gráfico y Jorge Díaz en el rigging.

Reiteramos que Biografía pintada de un circo se presentará los sábados y domingos a las 13:00 horas, del 17 de febrero al 24 de marzo en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $250. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento válida hasta el 17 de febrero. Pensando en las infancias, también hay promoción vigente durante toda la temporada: los sábados, niñas y niños 2x1, acompañados de un adulto, válida únicamente en la taquilla. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: https://helenico.gob.mx/.

 Para más información, también se puede visitar el sitio: www.mexicoescultura.com.

• Espectáculo interdisciplinario que fusiona teatro, danza y ópera para narrar una versión más cercana a la visión original de Nezamí Ganyaví

• Bajo la dirección Kaveh Parmas, se presentará del 1 al 25 de febrero en el Teatro Salvador Novo

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, estrenará la puesta en escena La verdadera historia de la princesa Turandot, que se presentará del 1 al 25 de febrero en el Teatro Salvador Novo, como parte de los #30AñosDelCenart.

Bajo la dirección del iraní Kaveh Parmas, se trata de una obra interdisciplinaria que fusiona teatro, danza y ópera, la cual explora la historia de una joven mujer que desafió las normas sociales de su época con una inteligencia y rebeldía apasionantes.

A cien años de la muerte de Giacomo Puccini, autor de la ópera Turandot, la dramaturga Ximena Escalante hace una versión que se inspira en la visión original del autor persa del siglo XII, Nezamí Ganyaví, quien plantea un arquetipo femenino que valora la astucia e inteligencia por encima de la fuerza bruta y la belleza superficial.

Aunque este montaje incluye algunas arias de la famosa ópera de Puccini, va más allá de la historia de la princesa china Turandot, quien sometía a sus pretendientes a tres acertijos y quienes fallaban, además de ser rechazados, podían perder la vida.

Kaveh Parmas, director y actor nacido en Teherán, Irán, ha ideado este proyecto que trasciende la mera anécdota histórica, en complicidad con Ximena Escalante, con quien comparte una visión artística particular del teatro, en la que confluyen distintas disciplinas artísticas.

Con un elenco integrado por la actriz Daniela Momo, el cantante de ópera Raúl Román, el músico especializado en laúd Manuel Mejía Armijo y el propio Kaveh Parmas, llegará a escena esta obra a cargo de Soy Pájaro, La Giralda Teatro y Proof of Work Studio.

Xóchitl González en el diseño de escenografía, Víctor Zapatero en el diseño de iluminación y Miguel Hernández en el diseño sonoro, se dieron a la tarea de potenciar el refinado erotismo de esta historia y dotar de poderosos significados dramáticos a cada aspecto visual y sonoro de la puesta en escena. Por su parte, el vestuario a cargo de Ximena Fernández cuenta con una relectura del mundo medieval en medio oriente y el mundo contemporáneo occidental.

La verdadera historia de la princesa Turandot se presentará en el Teatro Salvador Novo del 1 al 25 de febrero, con funciones jueves y viernes, a las 20:00 h; sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h. Los boletos tienen un costo de 150 pesos y se encuentran a la venta en la taquilla general del Cenart y a través del sitio web https://cenart.comprarboletos.com

Redacción

Ganadora de la categoría C4 del 30.° Festival Internacional de Teatro Universitario

Únicas 8 funciones, del 3 de febrero al 25 de febrero

Promoción sábados niñas y niños al 2x1 acompañados de un adulto

¡Tripulación, tenemos una nueva misión!

La compañía Alas de Lagartija-Colectiva Titiritera presenta: Isla Popotes o la historia de cuando quise abrazar un ave salvaje; una obra dirigida a las infancias sobre la importancia del cuidado de los animales y del medio ambiente. El montaje data del 2022, año en que la compañía fue beneficiaria del proyecto “Larvas Creativas”, Residencias Artísticas del Centro Cultural El Hormiguero. Esta vez, tendrán una breve temporada en el Foro La Gruta del 3 al 25 de febrero.

La ficción nos sitúa en la selvática Isla Popotes, ahí habita una última y exótica ave del paraíso llamada Kai, que peligra ser capturada por una experta tripulación de cazadoras furtivas, que planean entregarla a Un Gran Señor, de una gran empresa, de una gran ciudad. Mientras se adentran en la isla y descubren cómo ésta se ha visto afectada por el tiempo, se cuestionan sobre la relación que tienen con los animales y otras formas de vida. ¿Podrán esta tripulación cambiar de opinión en el transcurso de su expedición?

“Isla Popotes fue concebida bajo la premisa de mostrar a las generaciones venideras que la diversidad biológica es el patrimonio natural de nuestro planeta; ensalzando así, el valor que tiene para el bienestar social de la humanidad; por lo cual es fundamental que niñas y niños aprendan a conocer y cuidar la riqueza natural que nos circunda, y uno de los mejores caminos para lograrlo es a través de las historias que se pueden contar en el teatro”; declaró la compañía.

Con esta divertida aventura, dirigida a toda la familia el público descubrirá los estragos de la caza furtiva, la comercialización de animales en peligro de extinción y su repercusión en el medioambiente.

Alas de lagartija es una colectiva integrada por un grupo de creadoras egresadas de distintas facultades de la UNAM. Se han distinguido por el empleo de títeres y máscaras —utilizando materiales reciclados y reciclables— que integran su compromiso socioambiental; de esta forma la suma de la técnica actoral, manipulación de marionetas y convicciones escénicas, hacen de este colectiva, una de las jóvenes agrupaciones a seguir.

Se reitera que Isla Popotes tendrá temporada del 3 al 25 de febrero. El costo del boleto es de $250; además, para incentivar a las jóvenes audiencias al teatro, el Centro Cultural Helénico tiene una promoción de 2x1 para todas las niñas y niños acompañados de un adulto durante la temporada. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet https://helenico.gob.mx/.

Para más información, también se puede visitar el sitio: www.mexicoescultura.com.

Redacción

Bajo la dirección de Juan Manuel Torreblanca y Jonathan Silva

Únicas ocho funciones del 7 al 29 de febrero

Un monólogo que no busca satisfacer a la razón o al entendimiento, sino conmover y transformar

¿Qué fue primero el huevo o la gallina?

El teatro con su inagotable magia es un territorio aún por explorar, en esta ocasión se abre un intervalo para apreciar la voz de Clarice Lispector, una autora con un pensamiento mutante y poético que, en El huevo y la gallina, trasluce una de sus obras de mayor altura, oscilante entre el desamparo y desespero, la euforia y la furia; una mixtura escénica que la actriz Alaciel Molas González interpreta con gran virtud y desenfado. La obra tendrá una breve temporada los miércoles y jueves, del 7 al 29 de febrero en el Foro La Gruta.

El cuento que la autora ucraniana-brasileña leyera en un congreso mundial de brujería en 1975 en Colombia, trata sobre una fallida clase de cocina televisada de una mujer de otro tiempo. Ella es un personaje pulido y carismático que podría evocar a la célebre norteamericana Julia Child o a la célebre mexicana Chepina Peralta. Y también es una académica dando cátedra en… ¿Harvard? Así como una mujer que se encarga de su hogar y que puede hablar de la condición femenina, de la maternidad y de la cocina sin malabarear siquiera.

La mujer en escena mueve la cabeza de un lado a otro como una gallina buscando algo: busca el huevo, ama el huevo. Habla a sus amigas, a esas mujeres que se sienten menos solas al verla y al intentar seguir sus recetas; del otro lado habla a sus estudiantes y les imparte saberes que ponen (quizás) en riesgo no sólo sus trabajos sino su vida misma. Se sobrentiende que siempre hay un intermediario, una cámara, una pantalla, una institución, una autoridad. Es imposible quizás la libertad. Ella lo sabe. Ella quiere hablar. Pero ella está cansada… tan cansada. Es esta obra, ¿una despedida, un último día, una confesión, una iluminación?

El equipo creativo está conformado por Alaciel Molas, quien, desde el respeto y amor profundo por Clarice Lispector, da todo de sí para el personaje; la música original en vivo es de Mariana Chávez-Lara y Luz Varela, quienes construyen atmósferas precisas brindando humor a la pieza; la iluminación y diseño de escenografía son de Alejandra Escobedo, se sitúan en la época y en un universo liminal que puede sobreponer distintos discursos simultáneos (como sucede en el texto mismo).

La traducción de Juan Manuel Torreblanca buscó la mayor fidelidad posible al original en portugués y en el trabajo de dirección que realizó con Jonathan Silva, buscaron traducir la profundidad íntima del cuento a acciones escénicas que lo complementaran y contribuyeran a una lectura potente. No hay una anécdota lineal, no hay un argumento que siga la lógica de la dramaturgia, lo que hay es un chispazo creativo, que cautivará al público amante de la literatura y la poesía.

Se reitera que El huevo y la gallina tendrá temporada del 7 al 29 de febrero, los miércoles y jueves a las 20:00 horas en el Foro La Gruta. El costo del boleto es de $250. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet https://helenico.gob.mx/.

Para más información, también se puede visitar el sitio: www.mexicoescultura.com.

La Compañía Puño de Tierra, en colaboración con el Festival Internacional Cervantino y el Centro Cultural Helénico, presenta una obra teatral que desafía los límites del arte y cuestiona las contradicciones del mundo artístico contemporáneo. "MERCAN", dirigida por Fernando Bonilla, es una pieza que indaga en la compleja relación entre el arte y la violencia, así como en las tensiones surgidas de un quehacer artístico subyugado por el capital y el mercado, donde el concepto de "éxito" se vuelve relativo.

La obra, protagonizada por Sophie Alexander-Kats y Cristian Magaloni, invita al espectador a reflexionar sobre la ética en el arte y las dinámicas de poder presentes en la industria cultural. Inspirada en la exposición homónima de Rigoberto Duplás, un artista conceptual polémico y provocador, "MERCAN" aborda temas como la violencia de género, la cosificación de la mujer y la mercantilización de los valores artísticos.

Rigoberto Duplás, el protagonista de esta historia, se enfrenta a las críticas y denuncias por supuestamente apropiarse del dolor ajeno para sus creaciones. En respuesta, Duplás crea un apéndice performático de su exposición, donde un par de actores interpretan escenas verídicas documentadas desde la intimidad de su matrimonio, abordando así las ambigüedades del arte y la ética en el proceso creativo.

La temporada de "MERCAN" se llevará a cabo del 26 de enero al 25 de febrero en el Foro La Gruta, con funciones los viernes a las 20:00 horas, y sábados y domingos a las 18:00 horas. Actualmente, se encuentra disponible una preventa del 50% de descuento hasta el 26 de enero. Los boletos pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en línea a través del siguiente enlace: https://helenico.gob.mx/mercantickets.

La Teatrera Solitaria y Brava Teatro se unen para presentar una obra teatral provocativa y divertida que desafía los paradigmas del patriarcado. Bajo la dirección de Olivia Barrera, y con un texto original de Leticia Pedrajo, la obra titulada "Cómo deconstruirse del patriarcado sin morir en el intento" se adentra en los rincones oscuros del sistema patriarcal con agudeza, humor y profundidad.

Ganadora del prestigioso Premio Metropolitano de Teatro (Los Metro) como Mejor Espectáculo de Cabaret en 2023, y nominada por la Asociación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) en la misma categoría, esta obra promete una experiencia teatral única e irreverente.

La dra. Brunetta Annunziata, interpretada por Leticia Pedrajo, junto a su cómplice Luisito, interpretado por Armando Tapia, guiarán al público a través de una conferencia lúdica e incómoda. En cinco módulos, desafiarán a los espectadores a ponerse "las gafas moradas" y a cuestionar los mandatos impuestos por el patriarcado, invitándolos a un proceso de deconstrucción que no será fácil.

El montaje combina un texto crítico con un humor ácido, creando un ambiente propicio para la reflexión y el disfrute. La obra busca abrir un diálogo franco sobre temas contemporáneos como la masculinidad, la feminidad, el feminismo y el machismo, sin convertirse en un dogma, permitiendo que el público llegue a sus propias conclusiones.

La temporada de "Cómo deconstruirse del patriarcado sin morir en el intento" se llevará a cabo del 3 de febrero al 10 de marzo en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico, los sábados y domingos a las 20:00 horas. Los boletos tienen un costo de $250 y pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico o en línea a través del siguiente enlace: https://helenico.gob.mx/boletos-deconstruirse. Además, para más información, visita el sitio: https://www.mexicoescultura.com/.

¡Regresa al Teatro Helénico la obra "Carlota: un lugar fuera del mapa"! Esta conmovedora puesta en escena, que cautivó al público en 2023, estará en cartelera desde el 21 de enero hasta el 11 de febrero. La obra busca resaltar la importancia de la solidaridad y el apoyo mutuo en la construcción de comunidades diversas y pluriculturales, utilizando la música y los mundos fantásticos para explorar temas como la migración, la xenofobia y la discriminación desde la ficción.

El lugar ideal no se encuentra, se construye.

El elenco, compuesto por talentosos actores como Abraham Jurado, Adriana Alonso, Misha Arias de la Cantolla, entre otros, dará vida a esta emocionante historia. La producción cuenta con un destacado equipo creativo que incluye la composición musical y dirección musical a cargo de Iker Madrid, diseño de escenografía e iluminación por Félix Arroyo, diseño de vestuario y títeres por Libertad Mardel, entre otros.

No te pierdas la oportunidad de disfrutar de esta experiencia teatral única. ¡Compra tus boletos ahora!

- Para comprar tus boletos, visita la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, o haz clic https://helenico.gob.mx/ y www.mexicoescultura.com.

El Centro Nacional de las Artes (Cenart) ofrecerá el Diplomado de Formación y Creación en Artes Circenses como parte de la celebración por su 30 aniversario. Este diplomado, que se llevará a cabo del 4 de marzo al 10 de noviembre de 2024, tiene como objetivo promover la profesionalización de las artes circenses y fomentar la creación artística en esta disciplina.

Dirigido a artistas escénicos en formación con experiencia en disciplinas circenses, el diplomado abordará temas como la historia del circo, pantomima, equilibrismo, acrobacia, malabares, artes aéreos (aro, tela y trapecio fijo), mástil chino, arte del payaso, gestión de proyectos, creación y montaje de actos circenses.

Los participantes realizarán dos presentaciones artísticas al finalizar el diplomado para mostrar los actos creados durante su formación. La convocatoria estará abierta del 22 de enero al 9 de febrero de 2024. Los interesados deben anexar su semblanza curricular, tener al menos dos años de experiencia en disciplinas circenses y completar el formulario disponible en este enlace: https://goo.su/SCzhd.

El diplomado constará de 280 horas de formación, con clases de lunes a jueves de 10:00 a 14:00 horas. La participación en el diplomado es gratuita, pero los participantes deberán comprometerse a completar todos los módulos. La selección se realizará mediante una audición que se llevará a cabo del 14 al 19 de febrero en el Pabellón Circense del Cenart, y los resultados se anunciarán el 23 de febrero.

El Diplomado de Formación y Creación en Artes Circenses se enmarca en el Programa Internacional de Formación en Artes del Circo y de la Calle (PIFACC), que tiene como objetivo apoyar la formación de especialistas en artes circenses desde 2003. Para más información y consultar la convocatoria, visita la página oficial del Cenart: https://cenart.gob.mx/.

Conoce la convocatoria: https://drive.google.com/file/d/1TZ-Ei_80d5gUrlCQeZPLbaUpAHQJzAWt/view?usp=sharing